31 juil. 2020

La Stratocaster Blanche

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Leo Fender n'a jamais joué de la guitare. Il était électronicien, spécialiste de la sonorisation, et réparait des postes de radio. On discutait beaucoup dans sa boutique, en Californie du Sud, et il était attentif aux besoins de la musique country.

Fender n'est pas le premier à envisager une guitare électrique à corps plein mais il découvre par hasard au cours d'un essai qu'un tel instrument a des caractéristiques sonores inédites. Il lance ses premiers modèles : l'Esquire en 1949 avec un seul micro, la Telecaster en 1950 avec deux micros, la Stratocaster en 1954 avec trois micros. Il est aussi l'inventeur de la guitare basse, en 1951.

La Stratocaster intègre ainsi les améliorations demandées par les joueurs, non seulement pour la sonorité mais aussi pour le confort d'utilisation : sa forme, spécialement adaptée à la position du corps, est devenue l'archétype de la guitare électrique.

La production de la Stratocaster débute lentement, avec une dizaine de prototypes plus une pré-série destinée au marketing et aux commentaires des utilisateurs.

La couleur standard des guitares Fender est le sunburst, un dégradé jaunâtre, mais quelques instruments ont reçu d'autres couleurs sur demande. Au milieu des années 1970 un guitariste apporte dans un atelier de Santa Barbara une Strat blanche qu'il veut faire repeindre. Le spécialiste est compétent : il comprend qu'il a en mains une Stratocaster de pré-production. Son numéro de série 0001 n'est cependant pas significatif. Il garde la guitare blanche qu'il échange contre une autre Strat dans la couleur requise par son client.

David Gilmour achète cette 0001 en 1978. Sa sonorité a la qualité des toutes premières Stratocasters. Il a commenté : "This is about as perfect as a guitar can be". Il la jouera très fréquemment avec les Pink Floyd, y compris en enregistrement mais très rarement sur scène pour éviter d'endommager cet instrument historique. Elle a été vendue pour $ 1,8M incluant premium par Christie's le 20 juin 2019 dans la vente de la collection Gilmour, lot 20.

30 juil. 2020

Un Panneau de Cassone par Paolo Uccello

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Paolo di Dono di Paolo est un peintre florentin du Quattrocento. Uccello, signifiant l'oiseau, est son surnom, certainement péjoratif et peut-être même posthume.

La nouveauté de son temps est la perspective. Paolo utilise cet effet géométrique pour apporter une illusion de distance dans des formats panoramiques mettant en scène des foules de personnages et de chevaux, tous différenciés dans une superbe netteté. Les scènes de batailles à la gloire des anciens Romains sont très à la mode dans les palais florentins, permettant à l'artiste d'éviter la dominance religieuse.

Le meuble d'apparat est le cassone, un coffre de rangement pour les biens personnels de la mariée. Ses panneaux sont peints, tout comme les boiseries ou les têtes de lits. Cette utilisation invite au thème de la fécondité. L'aboutissement ultime de cet art de chambre à coucher est une huile sur toile 119 x 165 cm conçue pour être transportable, la Vénus d'Urbino, peinte par Titien en 1538.

Revenons à Paolo. Le 28 juillet 2020, Sotheby's a vendu au lot 23 pour £ 2,4M sur une estimation basse de £ 600K une peinture à la tempéra et or montrant une scène de bataille, avec tentes et bannières des deux côtés d'une rivière. Cette oeuvre 43 x 162 cm sur un panneau 51 x 170 cm a toutes les caractéristiques d'un panneau de cassone.

La tête décapitée du général vaincu rappelle l'épisode final de la bataille du Métaure gagnée par les Romains contre les Carthaginois. L'utilisation de la perspective permet de placer les phases de l'action à des distances apparentes graduelles avec une grande qualité narrative.

Cette oeuvre, qui avait été spoliée en 1942, a refait surface après une négociation avec les héritiers. Son inspection conclut à une peinture autographe par Paolo Uccello. La date proposée est autour de 1468, environ deux ans avant un autre panneau de même diversité expressive, la Chasse dans la forêt, 73 x 177 cm.

Tapuscrit à Tiffany's

Truman Capote se définit comme un styliste. Il cherche avec obsession le mot parfait et la ponctuation bien placée. Ses courts romans observent avec acuité l'évolution des moeurs de son temps. Il voudra trop bien faire. La très longue enquête qu'il fera pour son chef d'oeuvre paru en 1966, De Sang Froid, aura un impact majeur sur sa santé physique et mentale.

La condition de la femme commence à changer radicalement dans les années 1950. Il est intéressant de comparer la Cabiria du film de Fellini, sorti en 1957, avec le personnage principal du Petit Déjeuner chez Tiffany publié par Capote en 1958. Les deux femmes sont très jeunes, pas loin de la dépression, et flirtent avec l'illégalité. Leur activité éphémère est faite d'extravagance et de papillonnage.

Le roman de Capote inclut une description complète de la jeune femme, avec sa robe noire, ses lunettes teintées, son collier de perles et ses joues roses. Son incarnation au cinéma par Audrey Hepburn en 1961, avec sa célèbre robe par Hubert de Givenchy, en est une illustration parfaite. Son ambition sociale est illustrée par son habitude de manger son croissant en convoitant les diamants dans la devanture de Tiffany.

La version finale remise à l'éditeur est un tapuscrit de 84 pages de format standard 21 x 27 cm. Il comprend de très nombreuses révisions autographes, dont le changement du nom de la jeune femme qui devient Holly Golightly, image à la fois d'insouciance et de piquant. Il a été vendu pour $ 307K incluant premium par RR Auction le 25 avril 2013 et est estimé £ 120K à vendre en ligne par Sotheby's à Londres le 4 août, lot 68.

29 juil. 2020

Le Chronographe Noir et Or

Le premier chronographe de la marque Rolex avait été la référence 6234, de 1955 à 1961. Cette fonction est particulièrement appréciée sur les circuits automobiles. En 1962 Rolex devient le fournisseur attitré du circuit de Daytona, ouvert trois ans plus tôt. La désignation Daytona est inscrite à partir de 1964 sur les cadrans du Cosmograph 6239 puis de sa variante 6241. Les variantes étanches sont nommées Oyster.

A la fin des années 1960, Rolex veut capter ce secteur de marché en améliorant l'élégance. Le cadran Exotic incluant trois cadrans subsidiaires reçoit des collectionneurs le surnom de Paul Newman, en référence à la 6239 de 1968 que l'acteur ne quittait jamais sur les circuits et derrière le volant. En 1969 trois nouvelles références, 6262 à 6264, sont une évolution de la 6239 pour intégrer soit un nouveau calibre, soit un changement de technique du bouton poussoir.

La quasi totalité des montres de ces modèles est en acier inoxydable, dont la robustesse répond bien aux besoins sportifs. Les autres métaux sont d'une très grande rareté. La gamme de couleurs offerte pour le cadran est originale et spectaculaire : lemon, tropical panda, champagne.

Le 31 juillet en ligne depuis Londres, Sotheby's vend au lot 951 une montre qui combine plusieurs raretés du plus grand prestige : un Cosmograph Daytona Paul Newman "18k JPS" de 1969 référence 6264. Le cadran noir avec cadrans subsidiaires dorés dans un boîtier en or a été surnommé JPS par les amateurs en référence aux livrées des Lotus de Formule 1 sponsorisées par la marque de cigarettes John Player Special.

Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. L'estimation haute, £ 650K, a été dépassée dès le premier jour d'enchères.






28 juil. 2020

Nolan Ryan et un Coéquipier

En 1960 Topps commence à identifier les rookies dans sa série de cartes de baseball. L'idée d'origine est de constituer pour les collectionneurs le dream team du futur. Les années suivantes, plusieurs joueurs sont représentés sur une même carte. A partir de 1964 chaque carte regroupe des rookies appartenant à la même équipe.

Les collectionneurs d'aujourd'hui plébiscitent les rookies dont la carrière a été la plus prestigieuse. Pete Rose et Nolan Ryan ont un point commun : une seule de leur rookie cards Topps a été gradée Gem Mint 10 par PSA.

En 1963 Rose est en compagnie de trois autres joueurs. Les quatre portraits sont détourés, chacun dans un cercle. Sa carte a été vendue pour $ 720K incluant premium par Heritage le 27 août 2016.

En 1968 la rookie card #177 réunit deux pitchers des New York Mets, Jerry Koosman à gauche et Nolan Ryan à droite. Ryan est annoncé à juste titre au verso comme un des plus prometteurs parmi les nouveaux joueurs de Ligue Majeure.

Cette carte Gem Mint a été vendue pour $ 610K incluant premium par Heritage dans la même vente que ci-dessus, lot 80026. Elle est listée au lot 2 dans la vente en ligne par Goldin qui se termine le 22 août.

27 juil. 2020

Poems to the Sea par Twombly

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Cy Twombly part en quête des origines de la pensée, et pas seulement de l'écriture. L'histoire Américaine est trop récente pour cette ambition. En 1957 il décide de faire dorénavant de longs séjours en Italie, en choisissant des villages idylliques. La même année il découvre dans les poèmes de Mallarmé la force expressive du silence.

Sans lien apparent avec les Achromes, il inscrit ses gestes sur des surfaces blanches. Parfois cette fausse écriture s'agrège et forme un mot presque imperceptible. Sunset, toile peinte en 1957 à la peinture de bâtiment plus divers crayons, a généré le mot Morte (mort, en italien) qui est une rencontre avec un passé. Cette oeuvre 142 x 180 cm a été vendue pour $ 27,3M incluant premium par Christie's le 15 novembre 2017.

En avril 1959 à New York, Twombly épouse Tatiana dont la famille est Italienne. Ils passent l'été à Sperlonga, un village de pêcheurs entre Rome et Naples.

L'empereur Tibère avait sa résidence d'été à Sperlonga. Sa villa englobait une grotte en bord de mer. Deux ans avant le séjour de Cy et Tatiana, un ensemble unique en son genre de statues monumentales sur le thème de la légende d'Ulysse est découvert. La grotte s'était effondrée en 27 CE, forçant l'empereur à partir pour Capri, et la collection avait été oubliée. Les trois artistes identifiés sur une des sculptures avaient constitué selon Pline l'Ancien l'équipe du groupe du Laocoon.

Ce lien direct avec les émotions mythiques est renforcé par le meilleur symbole du futur : la jeune épouse est enceinte. Dans une crise de créativité, Twombly peint en une seule journée en juillet 1959 à Sperlonga un ensemble de 24 papiers de dimensions inégales, entre 30 x 31 et 35 x 31 cm, qu'il intitule Poems to the Sea.

Comme dans l'exemple ci-dessus, la technique est un mixed media sur une surface blanche. Les mots et chiffres très clairsemés sont enfouis comme des palimpsestes parmi les traits d'une peinture à l'huile écrasée à la sortie du tube. Le mot caché le plus significatif est 'Sappho'. Ce poème pictural abstrait de 24 pages a été vendu pour $ 21,7M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013 sur une estimation basse de $ 6M, lot 20.

Etude pour le Drapeau Olympique

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Avec les Jeux Olympiques, Pierre de Coubertin a brillamment atteint son objectif d'unir les peuples dans un rassemblement pacifique. Les Jeux de Stockholm en 1912 sont un motif de grande satisfaction. Contrairement à Paris, St Louis et Londres, ils ne sont pas une simple annexe dans une gigantesque exposition. Coubertin a lui-même insisté pour une participation Japonaise, afin que les cinq continents soient représentés.

Coubertin connaît la force des symboles. La devise Citius-Altius-Fortius, dans laquelle le latin est choisi comme langue neutre, avait été créée dès les premiers développements du projet.

En 1913 la toute récente démonstration d'universalité acquise à Stockholm incite à la création d'un drapeau. Coubertin observe que les drapeaux nationaux sur les cinq continents n'utilisent que six couleurs : bleu, noir, rouge, jaune, vert et blanc. Il conçoit une figure de cinq cercles entremêlés en deux rangs sur un fond blanc. La similitude avec la chaîne des Etats fondateurs des Etats-Unis d'Amérique est une coïncidence due à la force de ce symbole d'union.

Coubertin réalise le premier dessin, qui est fourni au Bon Marché pour la production de plus de 300 exemplaires du drapeau. L'original est perdu. Le nouveau drapeau est dressé aussitôt dans des évènements promotionnels mais la guerre survient et sa première utilisation Olympique attendra les jeux d'Anvers en 1920.

Une copie autographe vient de faire surface. Ce dessin 21 x 27 cm à la mine de plomb et à la gouache est signé par Coubertin avec une formule de politesse qui n'indique pas le dédicataire. Ce dessin a été offert par Coubertin en 1913 à un de ses sponsors à Lausanne, où il transférera en 1915 le siège du CIO. Ce document unique en son genre a été vendu pour € 235K incluant premium par Cannes Enchères le 26 juillet 2020.

26 juil. 2020

Apfelbaum par Klimt

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Avec Gustav Klimt l'ornement devient un art majeur. Grâce à sa connivence avec sa compagne la modiste Emilie Flöge, il invente de nouveaux motifs qui pourront être appliqués aux robes chatoyantes des dames.

Il passe ses étés à Litzlberg sur l'Attersee. Loin des obligations professionnelles de Vienne, il est temporairement libéré des portraits, des allégories et même de l'érotisme. Il cherche la vérité de la nature dans les formes élémentaires du paysage et du jardin. Ses toiles sont carrées pour annuler la vision d'ensemble et la distance. Son format le plus fréquent, 110 x 110 cm, est utilisé en plein air devant le sujet, tout comme les toiles autour de 80 x 100 cm peintes par Monet devant son bassin.

Klimt est influencé par Van Gogh et par les post-impressionnistes. Les nuances de verdure sont entremêlées avec des coups de pinceau énergiques. Les taches colorées des fleurs apportent un rythme et des points d'ancrage. Le réalisme est dans le détail et pas dans sa reconstruction.

Un des plus anciens exemples, conservé au Musée d'Orsay, est un Rosen unter Bäumen peint en 1904 ou 1905, avec un minuscule horizon dans le coin droit qui aide à percevoir la forme extérieure des arbres. Une vue de fleurs de tailles et couleurs variées peinte en 1907 a été vendue pour £ 48M incluant premium par Sotheby's le 1er mars 2017.

Le 8 novembre 2006, Christie's a vendu au lot 53 pour $ 33M incluant premium Apfelbaum, huile sur toile 110 x 110 cm peinte en 1912 qui provenait de la restitution Bloch-Bauer. L'image est partagée par Wikimedia. Les contrastes de couleurs sont apportés par les pommes rouges insérées dans le feuillage et par un étroit parterre de fleurs en bas de l'image.

Klimt-Apfelbaum I

25 juil. 2020

Maisons à Unterach par Klimt

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Il est illusoire de représenter un volume sur une toile ou sur une photographie. Klimt en tient compte dans ses peintures, quelque soit le sujet.

Il ne travaille pas d'après photo mais sa suppression de la perspective semble être indépendante des déconstructions de Cézanne. Il trouve dans le paysage les textures et les éléments géométriques, en utilisant un viseur constitué d'un trou dans un carton. Plus tard un ami lui offrira un lorgnon en ivoire.

Après avoir choisi ses éléments, Klimt les réassemble dans des formats carrés. Ses villages peuvent être comparés aux accumulations des maisons de Krumau par Schiele. Les deux artistes obtiennent ainsi une personnification des bâtiments dans des compositions sans personnages. L'effet final est cependant opposé. Schiele veut annihiler sa ville hantée mais Klimt est en vacances : ses couleurs sont joyeuses.

Klimt passe tous les étés dans la résidence de la famille d'Emilie à Litzlberg sur l'Attersee. Unterach est un village très pittoresque à l'autre bout du lac. Pour éviter toute tentation de perspective et d'horizon, l'artiste prend son point de vue avec un télescope depuis l'autre rive du lac.

Une vue d'Unterach, huile sur toile 110 x 110 cm peinte vers 1916 et provenant de la restitution Bloch-Bauer, a été vendue pour $ 31,4M incluant premium par Christie's le 8 novembre 2006 sur une estimation basse de $ 18M, lot 52. L'image est partagée par Wikimedia.






24 juil. 2020

Fusils d'Honneur pour Annie Oakley

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Annie Oakley était une icône du Wild West. Son enfance avait été difficile et elle tirait au fusil pour nourrir sa famille. Elle fit des démonstrations pendant toute sa vie, en tournée avec un cirque, sur scène et dans les foires. Sa précision était incomparable, sur cible ou à la volée. Elle accumulait les difficultés spectaculaires : elle savait éteindre la cigarette d'un partenaire, couper une carte à jouer par la tranche ou viser dans un miroir pour tirer en arrière.

Il n'y avait pas de prodige dans son habileté : pour réussir, il faut s'entraîner. Elle était patriote, donnait aux charités et promouvait l'éducation des femmes. Cette petite femme d'1,52 m était surnommée Little Sure Shot. Elle s'était mariée avec un champion précédemment invaincu qu'elle avait surpassé lors de leur premier match. Ce spécialiste l'aidait à choisir et maintenir ses armes. Ils ne se sont jamais quittés.

L'utilisation d'un fusil par Annie Oakley était un argument de marketing pour le fabricant. Trois fusils d'honneur, spécialement préparés pour lui être offerts, ont été récemment vendus aux enchères.

Le plus ancien est un fusil Stevens plaqué or, portant une marque de brevet de 1894. L'inscription identifie le village de Nutley dans le Massachusetts où Annie résidait depuis 1892 et où elle avait conduit en 1894 une action de charité en faveur de l'American Red Cross. Il a été vendu pour $ 520K incluant premium par Morphy le 29 mai 2020 sur une estimation basse de $ 200K, lot 1369.

Les deux autres sont des fusils Marlin.

L'un d'eux est un modèle de luxe type 1897 plaqué or, fabriqué en 1902 et offert en 1903. Il a été gravé de scènes de chasse, probablement par Conrad Ulrich Jr qui travaillait pour Marlin depuis 1881. Il a été vendu pour $ 575K incluant premium par Rock Island Auction Company le 7 décembre 2019 sur une estimation basse de $ 225K, lot 1089. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

L'autre pièce est un fusil Marlin type 1893 incisé d'or et platine réalisé en 1917. Annie ne l'a pas gardé, préférant le joindre à son effort de guerre. Il a été vendu pour $ 260K incluant premium en mars 2018 par James D. Julia, alors une division de Morphy Auctions.




23 juil. 2020

Portrait dans un Ovale

Le 28 juillet à Londres, Sotheby's vend le portrait d'un homme à mi-corps peint par Frans Hals, lot 7 estimé £ 2M. Cette huile sur toile 88 x 68 cm est datée 1635 et présente plusieurs caractéristiques typiques de sa décennie.

Le portrait proprement dit est cadré dans un ovale peint, un trompe l'oeil qui apporte une illusion de profondeur. Un autre exemple est un auto-portrait peint en 1634 par Rembrandt, vendu pour £ 7M incluant premium par Sotheby's le 10 juillet 2003.

La moitié du visage est dans l'ombre, une fantaisie utilisée pour les portraits en extérieur, avec une exagération par rapport aux règles strictes de la géométrie. Un autre exemple est l'auto-portrait peint par Rembrandt en 1632, qui sera vendu au lot 12 dans la même vente.

Le noir est un symbole de luxe pour les vêtements et est très utilisé par les peintres pour les habits des aristocrates et pour les fonds. Il contribue au goût post-Caravagesque et est utilisé abondamment par Hals mais aussi par Velazquez et Ribera.

Le personnage n'est pas identifié mais son âge est indiqué. S'il était le commanditaire de l'oeuvre, il n'y avait pas de risque de confusion à son époque. Cet homme a 50 ans. Un autre exemple est la femme de 62 ans du portrait ovale peint par Rembrandt en 1632, vendu pour £ 20M incluant premium par Christie's le 13 décembre 2000.

Le portrait ovale qui vient en vente avait été attribué de longue date à Hals mais les experts avaient des doutes. Il a refait surface récemment, avec des repeints qui atténuaient le contraste entre les deux parties du visage et un vernis jauni.

Sa restauration a fait apparaître des repentirs qui l'authentifient définitivement. Toute la surface a été peinte avec le pinceau rapide et souple du maître. Curieusement les gants tenus dans la main, qui sont très fréquents dans l'oeuvre de Hals, sont sur cette peinture spécifique un ajout autographe de dernière minute.

22 juil. 2020

Les Doigts des Demoiselles

Peter Paul Rubens est très occupé en 1622. Il exerce des missions diplomatiques pour le roi d'Espagne et vient à Paris discuter avec la reine mère Marie de Médicis un fabuleux contrat pour une série de groupes allégoriques destinés au Palais du Luxembourg.

Il réalise la même année un séduisant portrait de la reine Anne d'Autriche, âgée de 21 ans. Depuis sa formation en Italie 20 ans auparavant, Rubens est un excellent portraitiste qui sait exprimer la psychologie des jeunes femmes.

Des mains impeccables sont un signe ostentatoire de noblesse. La reine Anne est assise, les mains sur les genoux. Les doigts à peine pliés forment un contrepoint de couleur chair dans le luxueux vêtement noir. A la même époque, Rubens exécute plusieurs portraits de sa chère épouse Isabella avec des positions variées des mains.

Le portrait d'une "damoiselle" (selon l'expression du temps), huile sur toile 110 x 82 cm, a certainement été peint vers 1625, avant la mort d'Isabella dans la peste de 1626. Les détails vestimentaires sont cohérents avec cette date.

Une jeune femme non identifiée est debout devant un grand rideau rouge. Les mains posées l'une sur  l'autre mettent en valeur l'élégance des doigts. Elle est richement habillée sans être une reine : elle n'a pas la fraise d'Anne d'Autriche. Dans les deux oeuvres, les cheveux châtain clair sont parsemés d'imperceptibles lignes jaunes qui donnent du volume aux boucles. La forme ovale du visage apporte une ressemblance avec Isabella, mais sans l'expression toujours ironique de l'épouse de l'artiste.

Cette peinture était reconnue jusqu'au début du XXème siècle comme un authentique Rubens mais elle avait ensuite été enfouie pendant un siècle dans la famille de son propriétaire. Elle a fait surface en 2017 dans une salle de ventes du North Yorkshire. La provenance était identifiée mais sa saleté l'a faite offrir comme une simple oeuvre d'atelier. Elle a été vendue pour £ 78K.

L'acquéreur l'a apportée à Sotheby's. La peinture a été nettoyée. Des repentirs ont été trouvés par inspection infra-rouge, la confirmant comme une oeuvre originale de Rubens. Conformément à la pratique du maître, une participation de l'atelier dans les surfaces de moindre importance n'est pas exclue. Elle est estimée £ 2,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 juillet, lot 43.

Le tweet montre un détail de l'image.

21 juil. 2020

Chrysanthème Blanc par Sanyu

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Sanyu a toujours maintenu son lien entre l'est et l'ouest. Le chrysanthème est le meilleur thème pour exprimer la différence culturelle. En Chine, il est un symbole de longévité. Les anciens Chinois en extrayaient un vin qu'ils buvaient pour fêter l'automne. A la même saison les Européens l'utilisent tristement comme un ornement temporaire de leurs tombes.

Un Bouquet de chrysanthèmes roses dans un vase blanc, huile sur toile 100 x 76 cm peinte en 1931, a été vendu pour HK$ 55M incluant premium par Poly le 3 avril 2017.

Dans les très difficiles années d'après guerre, Sanyu traite abondamment le thème du chrysanthème en pot, qui lui apporte incontestablement un réconfort. La division du tronc unique en une multitude de branches qui s'élèvent parallèlement vers le plafond est une marque de vitalité et donc d'espoir.

Les exemples ci-dessous sont des huiles sur panneau, la principale technique utilisée après guerre par Sanyu. Les oeuvres ne sont pas datées, et beaucoup d'entre elles n'avaient pas été montrées de son vivant, empêchant d'établir une chronologie. Les résultats ci-dessous incluent le premium :

RMB 77M par Poly le 3 décembre 2019 (74 x 53 cm).
HK$ 81M par Sotheby's le 5 avril 2014 (130 x 74 cm).
HK$ 53M par Christie's le 27 novembre 2010 (120 x 90 cm).

Le chrysanthème blanc est une variante très rare dans cette série. Dans le pot bleu et blanc qui symbolise comme toujours l'art chinois, la plante est entièrement blanche : fleurs, feuilles et tiges. Le terreau aussi est blanc. Cette couleur est le symbole du deuil : les Chinois portent des vêtements blancs pour accompagner le défunt vers la pureté suprême. L'artiste y a probablement eu recours dans des circonstances critiques, soit pour surmonter un désespoir soit pour un deuil spécifique.

Un Chrysanthème blanc, huile sur panneau 110 x 60 cm, a été vendu pour HK$ 192M par Christie's le 10 juillet 2020 sur une estimation basse de HK$ 60M, lot 121.

Satin ou Mat

En 1905 le président Roosevelt a la bonne idée de confier le redesign des pièces d'or à un sculpteur, Augustus Saint-Gaudens. L'artiste prépare le double aigle et l'aigle en 1907 mais meurt pendant l'été. Le travail est achevé pour le demi-aigle et le quart d'aigle en 1908 par un autre sculpteur, Bela Pratt.

Cette initiative génère quelques difficultés de développement. Les premiers prototypes du double aigle, désignés comme Ultra High Relief, étaient conçus comme des médailles et ne pouvaient pas être utilisés pour une production de masse.

Après cette spectaculaire erreur, le relief est aplani mais pas suffisamment pour utiliser les techniques traditionnelles de finition. De nombreux essais sont effectués à Philadelphie. Les pattern coins qui n'ont pas précédé une mise en production ont généralement été fondus. Un eagle 1907 de finition satin gradé PR67 par NGC, qui avait appartenu au directeur de l'usine, a été vendu pour $ 2,2M incluant premium par Heritage en janvier 2011.

Les collectionneurs attendent des pièces brillantes pour leurs proof coins. L'usine prend l'option inverse consistant à sabler les pièces pour obtenir une surface mate. Constatant la baisse des ventes des proof coins de 1908, l'usine revient en 1909 et 1910 à une finition satin qui suscite la réprobation du très influent collectionneur William Woodin.

Les essais continuent, souvent sans être documentés, pour essayer de concilier les contraintes techniques et la satisfaction des clients. Un double aigle 1910 d'une finition précédemment inconnue vient de faire surface. Il a été gradé SP66+ par PCGS et sera vendu par Heritage à Dallas le 4 août, lot 4113.

Les surfaces de ce spécimen ont une meilleure réflexion que la finition satin, certainement due à un polissage soigné des matrices. La couleur est vive, entre or et orange, et la qualité de la frappe est presque parfaite.

Cette expérience n'a pas été suivie. Après un débat à l'ANA Convention en 1910, les proof coins sont à nouveau sablées en 1911.

20 juil. 2020

Benefits Supervisor Sleeping par Freud

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En s'appuyant sur sa connaissance de l'histoire de l'art, Lucian Freud ne fait pas comme tout le monde. Ses considérations sur autrui ne sont pas basées sur l'expression des visages mais sur les plus petits détails des corps entièrement nus, masculins et féminins, qu'il observe interminablement comme un zoologiste qui doit décrire un spécimen rare.

Leigh Bowery est depuis 1988 un de ses modèles masculins. Leigh est un danseur post-punk, un styliste et un créateur de night clubs. Il exhibe outrageusement son homosexualité avec des maquillages exubérants, des talons hauts et des collants de corps en latex.

En 1990 Leigh invite Lucian à rencontrer Sue Tilley qui est benefits supervisor dans une agence pour l'emploi et caissière d'un de ses clubs à Piccadilly. Sue a 33 ans et pèse environ 137 Kg. Elle est un spécimen intéressant : Lucian dira que sa chair sans muscle a généré une texture inhabituelle de la peau, dont il observe tous les plis et les ombres.

De 1993 à 1996 Sue figure dans quatre peintures. Elle est seule sur les trois dernières images, blottie sur un canapé puis dans un fauteuil pour supporter sans fatigue la durée et la répétitivité des séances de pose qui occupent tous les samedis et dimanches et parfois plus pendant plusieurs mois d'affilée.

Freud a retenu comme sobriquet l'occupation professionnelle de Sue. Benefits Supervisor resting, huile sur toile 151 x 161 cm peinte en 1994, a été vendue pour $ 56M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015. Les jambes pliées accentuent les boursouflures du corps. La tête penchée vers l'arrière n'a pas d'importance.

Benefits Supervisor sleeping, huile sur toile 151 x 219 cm peinte en 1995, a été vendue pour $ 33,6M incluant premium par Christie's le 13 mai 2008, lot 37. Le corps est allongé sur le canapé avec une position acceptable de la tête sur un coussin, sans doute à la demande du modèle, apportant une meilleure impression d'intimité tranquille. Je vous invite à regarder l'interview de Sue Tilley par Christie's devant cette peinture avant la vente.

Leigh Bowery était mort du SIDA en décembre 1994. Sue Tilley publiera une biographie de lui en 1997.

Femme Assise dans un Jardin par Picasso

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En 1935 Picasso est obsédé par son illusion d'incarnation dans le Minotaure. La douce Marie-Thérèse, qui donne naissance à Maya, ne peut pas l'aider pour cet assouvissement. C'est à ce moment qu'il fait la connaissance de Dora Maar.

Tout oppose la blonde et la brune. Dora est photographe et artiste. Elle est exubérante dans les couleurs de ses chapeaux, de ses broches et de ses ongles, et son rouge à lèvres est trop intense. Dès 1936 Picasso la peint nue, livrée en pâture au Minotaure.

En 1937 Dora participe à la préparation de Guernica par Pablo et devient sa maîtresse. La Femme qui pleure est l'incorporation de Dora dans le drame de l'Espagne. A partir de 1938 Pablo développe une nouvelle iconographie de sa déesse en l'asseyant sur une grande chaise qui ressemble à un trône.

Le 10 novembre 1999, Sotheby's a vendu pour $ 49,5M incluant premium Femme assise dans un jardin, qui est un portrait de Dora.

Cette huile sur toile 130 x 97 cm est une explosion de couleurs vives. Pablo l'a peinte en une seule journée, le 10 décembre 1938. Le jardin est un dessin naïf de branches stylisées. La guerre est provisoirement oubliée.

Femme assise dans un jardin est illustrée en 2006 dans un article partagé par Artnet, au côté de Dora Maar au chat qui venait alors d'être vendue par Sotheby's pour $ 95M incluant premium.

La ressemblance est frappante entre ces deux oeuvres de même dimension. La composition est similaire. Dora Maar au chat, peinte en 1941, est une peinture de guerre. La joyeuse liberté du jardin est remplacée par un mur triste. Ce confinement est compensé par un sourire forcé et le chat noir, seul symbole extérieur pour remplacer le jardin, est une intrusion maléfique.

19 juil. 2020

Bellotto dit Canaletto

Elève et neveu de Canaletto, Bernardo Bellotto quitte Venise en 1747. Jusqu'à sa mort en 1780, il s'établit successivement dans les principales capitales d'Europe du Nord, où il exporte le style védutiste avec un grand succès. Loin de son oncle parti à Londres en 1746, Bernardo n'hésite pas à se faire appeler "Canaletto".

La première étape est Dresde, où il occupe à partir de 1748 la position de peintre de cour. Bellotto peint des vues topographiques avec la même minutie que son oncle et des couleurs froides. Les variantes presque identiques peuvent souvent être datées par l'état des monuments. Quatorze vues de grand format sont préparées pour la Galerie Royale. L'une d'elles, 132 x 247 cm, montre l'alignement des monuments le long de l'Elbe. Une copie autographe 96 x 165 cm est passée à Christie's le 9 juillet 2015.

Une vue des galeries du Zwinger, le palais d'agrément de l'électeur de Saxe, ornait de 1961 à 2005 la résidence présidentielle à Bonn. Elle avait été acquise de force en 1938 pour l'usage du Führermuseum et a maintenant été restituée aux héritiers du collectionneur spolié. Cette huile sur toile 48 x 80 cm est estimée £ 3M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 juillet, lot 33. L'image est partagée par Wikimedia.

Le Zwinger avait été bâti sur d'anciennes fortifications à l'extérieur de la ville. La peinture montre une vue latérale derrière un canal animé par des cygnes. Un rudimentaire pont de bois mène à une orangerie avec une promenade.

L'original était une huile sur toile 133 x 235 cm. Sa variante peut être datée de 1758, l'année du départ de Bellotto pour Vienne. Elle est très comparable par sa composition d'ensemble et par presque tous les détails à une gravure 53 x 84 cm éditée cette année-là avec un titre en français par "Ber(d) Bellotto dit Canaletto".

Bernardo Bellotto - Dresden, A view of the moat of the Zwinger, Sotheby's auction July 2020

18 juil. 2020

Premiers Sommeils

Matisse avait ses muses qu'il aimait habiller en odalisques, avec l'approbation de sa famille. Picasso ne peut pas faire moins mais il doit tenir compte de la jalousie d'Olga. Ce n'est certainement pas un hasard s'il trouve une jeune fille blonde dont la pureté des traits du visage répond à son canon de beauté.

La nouvelle déesse est trop jeune et l'année de leur première rencontre reste controversée. Il est cependant attesté que certains portraits peints en 1926, avec le visage essentiellement dans l'ombre pour éviter une identification, représentent déjà Marie-Thérèse Walter.

Picasso attend que cette beauté finisse de s'épanouir. Il cultive Marie-Thérèse comme une plante en pot et parvient à peine à réfréner ses pulsions amoureuses. Elle est innocente et croit que sa gentillesse suffira pour maintenir leur relation.

L'installation par Picasso en 1930 d'un atelier secondaire à Boisgeloup est un tournant dans sa carrière. Il donne la priorité à la sculpture des bustes de Marie-Thérèse, disponible à temps plein pendant leurs séjours secrets. Ce n'est pas un hasard si La Lampe, huile sur toile 162 x 130 cm commencée à Boisgeloup le 21 janvier 1931, ne montre pas une tête de femme mais un buste sculptural.

Pour Picasso, les années 1920 avaient commencé par un retour au classicisme. Il n'a pas oublié qu'il est un très bon dessinateur. Le 28 juillet à Londres, Sotheby's vend Femme endormie, fusain sur toile apprêtée 46 x 61 cm réalisé le 4 février 1931, lot 14 estimé £ 6M. Cette technique rare permet d'associer avec la finesse du trait les ombres en grisaille rehaussées par la texture de la toile. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Cette oeuvre réaliste et sensible est incontestablement une étude à partir de laquelle Picasso pourra concevoir les futures peintures de sa dormeuse préférée. Elle n'a pas été exposée de son vivant et figurait dans sa succession.



La Ville Evaporée

Gerhard Richter redéfinit l'art, en s'appropriant des photos minables dont la signification a une importance pour lui ou plus souvent pour personne. Il devient ainsi un spécialiste des images brouillées de dimension monumentale.

Il ne veut cependant pas perdre toute filiation avec les grands maîtres du passé. Les nuages attirent son attention. Leur forme et leur couleur sont continuellement changeantes et pourtant ils sont parfaitement identifiables. Par les nuages, Richter retrouve Friedrich, Constable et Turner.

Après des essais en dimensions et quantités limitées en 1968 et 1969, l'artiste explore plus systématiquement les nuages en 1970. Pour cette seule année, son catalogue raisonné inclut quinze peintures sur ce thème, avec des effets variés : rose, bleu, vert-bleu, atmosphère, contre-jour, abstrait.

Dans cet ensemble l'opus 266 intitulé Wolken (Fenster) est le plus ambitieux, et le seul à répondre à une des ambitions fondamentales de Richter : simuler un environnement architectural.

Ce quadriptyque d'huiles sur toile de dimension individuelle 200 x 100 cm apparaît comme une baie vitrée qui ouvre sur rien. A son tour, ce rien prend un sens émotionnel en faisant croire au visiteur qu'il voit le ciel au coucher du soleil depuis les étages supérieurs d'un gratte-ciel, évaporant la ville. Cette oeuvre anticipe de près de dix ans les piscines fragmentées de David Hockney et de quatre décennies les panneaux de montagnes enneigées de Cui Ruzhuo.

Wolken (Fenster) a été vendue pour £ 6,2M incluant premium par Christie's le 13 octobre 2014 et est estimée £ 9M à vendre par Sotheby's à Londres le 28 juillet, lot 20.

Parmi les Wolken du même groupe, citons le triptyque rose opus 267 de même dimension d'éléments que le 266, vendu pour $ 5M incluant premium par Christie's le 11 mai 2011, et l'opus 269, 170 x 170 cm, vendu deux fois par Sotheby's, pour $ 5,7M incluant premium le 9 mai 2012 et pour £ 4,1M incluant premium le 10 février 2015.

17 juil. 2020

La Femme de Rêve de Joan Miro

Quand Breton prépare en 1924 le Manifeste du Surréalisme, ce mouvement est surtout littéraire. C'est Miro qui fera la jointure entre l'art et la poésie, avec son cycle de peintures de rêve. Les titres exubérants font place à une description minimaliste : "Peinture", parfois suivie d'un sous-titre.

Cette phase culmine en 1927 avec la période bleue. Le fond est un bleu ciel opaque, azul en espagnol. Cette couleur trop saturée mais très lumineuse décourageait traditionnellement les artistes mais pouvait évoquer une spiritualité. Elle inspirera l'IKB transcendantal de Klein.

La technique graphique de l'artiste est sans précédent. L'image s'approche d'une réalité très schématisée, par les taches de couleurs vives qui parsèment sa surface. Le rêve est un trait noir d'une grande finesse qui complète les formes précédentes et souvent les contredit. Il reprendra cette opposition avec virtuosité dans sa série de guerre des Constellations.

Cette dualité graphique est présente dans Peinture (Etoile bleue), qui tire son sous-titre d'une étoile bleu de cobalt. La figuration est un minuscule funambule dans un mouvement tournoyant. Cette huile sur toile 115 x 89 cm a été vendue pour £ 23,5M incluant premium par Sotheby's le 19 juin 2012.

Le 28 juillet à Londres, Sotheby's vend Peinture (Femme au chapeau rouge), huile sut toile 130 x 97 cm, lot 17 estimé £ 20M. Cette oeuvre atteste de l'influence de Miro sur Calder qui l'avait acquise en 1966.

Aidé par le sous-titre, l'observateur trouve vite la tache qui représente le chapeau. L'image de la femme se crée progressivement de haut en bas, avec l'encolure dorée, le corset noir et le grand tablier blanc qui vole au vent. La ligne noire pourrait confirmer le torse si elle ne débordait pas au-dessus du chapeau. Dans la partie basse de l'image, elle forme une sorte de crinoline à gauche du tablier.

Le tweet ci-dessous a décapité la femme rêvée par Miro !

16 juil. 2020

L'Obsession du Compotier

L'importante exposition rétrospective consacrée à Cézanne en 1907 au Grand Palais est une révélation pour les jeunes artistes qui veulent échapper au post-impressionnisme. La peinture est une construction qui peut être inspirée par la nature ou l'objet mais ne doit pas chercher à les copier. Dans un tel ensemble, la forme élémentaire est géométrique et l'utilisation de couleurs pures est souhaitée.

Fernand Léger est obsédé par cet enseignement posthume de Cézanne. Pour aller plus loin dans la modernité, il tente le cubisme. En 1909 son Compotier sur table écrase les volumes par une vision plongeante.

Le cubisme analytique de Picasso et Braque va encore plus loin et Léger cherche autre chose pour se démarquer. Il trouve les contrastes, par lesquels le spectateur va chercher dans un enchevêtrement de lignes, de formes et de couleurs une réalité au-delà de l'intention de l'artiste. Dans cette fuite en avant, il devient bien involontairement un des pionniers de l'art abstrait.

En 1913 et 1914 Léger conduit en parallèle sa série des Contrastes de Formes et la réinjection de ses observations dans des thèmes typiquement Cézanniens comme la Femme en bleu et les Natures mortes. Les figures réapparaissent dans un grand fouillis.

En 1914 Léger dispose des objets sur des coins de table : réveils, cafetières. Son effort moderniste a abouti à un résultat peu différent des premiers Picasso cubistes cinq ans auparavant. Ce n'est pas Léger mais Gris qui rend alors aux natures mortes la facilité d'interprétation dont le public a besoin.

Léger n'est pourtant pas libéré de ses obsessions. En 1917 il peint Les Joueurs de cartes, une réinterprétation du thème Cézannien dans un style "tubiste".

Le 28 juillet à Londres, Sotheby's vend une Nature Morte par Léger montrant divers objets à peine discernables sur une table, huile sur toile de jute 80 x 65 cm peinte en 1914, lot 28 estimé £ 8M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.



Le Seul Vrai Ami de Francis Bacon

Francis Bacon aimait les confrontations. Devenu célèbre, il méprisait la déférence de ses interlocuteurs. En 1974 à Soho, il se fait invectiver par le barman John Edwards qui lui reproche son égoïsme. John a vu juste. Francis retourne dans son atelier et commence à peindre son premier portrait de John Edwards.

John était handicapé par une sévère dyslexie qui avait ruiné son éducation. Il parvenait à peine à lire et à écrire mais son comportement était direct et sociable. Francis dira de John qu'il était le seul vrai ami qu'il ait jamais eu, et le désignera dans son testament comme son seul héritier. La différence d'âge était de 40 ans.

Une telle relation de confiance était nouvelle pour le vieil artiste. John devint son photographe. Ce garçon costaud pouvait aussi être son garde du corps. Les jours de bonne humeur, il avait le privilège d'entrer dans l'atelier pendant que Francis travaillait. Il fut le seul témoin du drame secret de l'artiste qui semblait en permanence se battre avec sa toile.

Francis a peint plus de vingt portraits de John. Leur amitié a changé son style. Finis les visages caricaturaux et les corps déliquescents. Sur le grand triptyque peint en 1984, John est gentiment assis sur un tabouret et habillé normalement. Il est reconnaissable à sa mâchoire proéminente, que l'artiste a renforcée d'un trait blanc dans les deux vues latérales. Cette oeuvre a été vendue pour $ 81M incluant premium par Christie's le 13 mai 2014.

Le 28 juillet à Londres, Sotheby's vend Study for Portrait of John Edwards, huile, pastel et aérosol sur toile 198 x 148 cm peinte en 1986, lot 44 estimé £ 12M. L'homme nu est debout, légèrement penché vers la gauche dans une attitude tranquille. Le corps n'est pas dénaturé à part les épaules qui sont trop larges. La mâchoire est soulignée en blanc.

15 juil. 2020

Un Commerce d'Auto-Portraits

Rembrandt Harmenszoon van Rijn avait un don pour l'analyse des visages et désirait se spécialiser dans la peinture de portraits. Le portrait réaliste d'un soldat avec l'ombre du chapeau sur la partie droite du visage, peint à Leyde vers 1626, était probablement un modèle démonstrateur. Il a été vendu pour £ 8,4M incluant premium par Christie's le 3 juillet 2012.

Rembrandt s'intéresse très tôt à l'auto-portrait, peut-être sous l'influence de ses portraits croisés avec son camarade d'atelier Jan Lievens. Il utilise ce thème à partir de 1631 dans plusieurs gravures.

La gloire récompense le talent. Rembrandt s'installe à Amsterdam à la fin de l'année 1631 tout en travaillant également sur commande à La Haye. Il peint en 1632 de nombreux portraits ainsi que son premier chef d'oeuvre de scènes de groupe, la Leçon d'Anatomie du Dr Tulp.

Rembrandt prend alors une initiative sans précédent : plutôt que de proposer des tronies, il peint des auto-portraits dans le but de les vendre. Le travail est exécuté rapidement avec une signature wet in wet. Si l'oeuvre n'est pas vendue, le support est réutilisé. Des auto-portraits de l'artiste sont certainement encore cachés sous un repeint fait par son atelier.

Le 28 juillet à Londres, Sotheby's vend un de ces autoportraits, lot 12 estimé £ 12M. Cette huile sur panneau 22 x 16 cm est datée 1632, ce qui est cohérent avec la très éphémère variante 'Rembrant' de sa signature. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.

La démonstration d'authenticité est basée sur les repentirs autographes, et par l'utilisation d'une planche du même chêne qu'un portrait peint la même année par Rembrandt. C'est un des deux seuls auto-portraits sur lesquels Rembrandt est habillé comme un respectable bourgeois, avec une très large fraise et un chapeau feutre. Le petit format laisse supposer qu'il s'agit d'une pièce portable, pouvant servir en quelque sorte de carte de visite.



Rembrandt Self-portrait 1632

14 juil. 2020

Rolls-Royce 10 hp

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Charles Stewart Rolls, fils d'un Lord et amateur de performances sportives, et Henry Royce, inventeur et mécanicien à Manchester, avaient construit une même vision, indépendamment l'un de l'autre : le retard des automobiles britanniques par comparaison avec les automobiles françaises n'est pas irrémédiable.

Pour concevoir son premier modèle, la Royce 10, Henry Royce démonte et analyse une Decauville modèle 1901 à deux cylindres et construit trois prototypes. Avec une intuition qui peut être qualifiée de géniale, il travaille plus particulièrement le silence et la douceur de conduite, qui seront à l'origine de la fiabilité légendaire des Rolls-Royce.

Un collaborateur de Royce insiste pour une rencontre avec Rolls. Le moment est opportun : las de chercher chez d'autres la solution pour la voiture de ses rêves, Rolls mettait en place depuis 1902 à Londres une affaire de production de moteurs. La rencontre a lieu à Manchester le 4 mai 1904.

Rolls comprend aussitôt les avantages technologiques de la Royce 10. Il assurera le marketing et la vente des voitures conçues et fabriquées par Royce, avec un nouveau nom de marque : Rolls-Royce. Au Salon de l'Automobile de Paris en décembre 1904, Rolls dévoile la Rolls-Royce 10 hp au côté de la Royce 10 et expose le moteur six cylindres de la future 30 hp.

La 10 hp du Salon de Paris est le quatrième véhicule de la marque Rolls-Royce. Sa fiabilité est déjà excellente : elle sera utilisée jusqu'en 1930 par plusieurs propriétaires successifs. Elle a été découverte dans un bâtiment de ferme en 1950, dans la configuration d'origine de tous les éléments mécaniques à l'exception de la boîte de vitesses. La carrosserie phaéton d'origine par Barker n'a pas survécu.

Cette voiture est la plus ancienne Rolls-Royce en existence et la seule 10 hp survivante de la première année. Elle est ainsi la seule Rolls-Royce éligible pour le London to Brighton Veteran Car Run, auquel elle a participé pour la première fois en 1954 : le règlement de ce très pittoresque évènement annuel n'accepte que les véhicules antérieurs à 1905.

Cette 10 hp de 1904 a été vendue pour £ 3,5M incluant premium par Bonhams le 3 décembre 2007, lot 604.

Basketball avec Fleer

Malgré un support de la NBA, les cartes de basketball étaient tombées en désuétude. Topps avait délaissé ce sport après la saison 1981-82. La série publiée en 1986 pour la saison 1986-87 par Fleer, le fabricant de bubble gum, est une résurrection.

Du fait de ce hiatus, bon nombre de jeunes joueurs n'avaient pas encore eu de trading card régulière et leur Fleer 1986 est considérée par les collectionneurs comme leur rookie card. C'est le cas de Michael Jordan, qui a commencé sa carrière NBA en 1984.

En 2020 la gloire de Jordan est à son apogée, poussée par le succès de la série documentaire télévisée intitulée The Last Dance. Les collectionneurs se ruent sur sa rookie card, bien qu'elle ne soit pas rare avec environ 300 cartes gradées Gem Mint.

Une carte gradée Gem Mint 10 par PSA a été vendue pour $ 96K incluant premium par Heritage le 8 mai 2020, pulvérisant le précédent record établi 19 jours plus tôt par la même maison de vente. Un autre exemplaire de même grade sera vendu en ligne par Heritage le 30 juillet, lot 56540.

La série Fleer 1986-87 est composée de 132 cartes et 11 auto-collants. Le 30 juillet dans la même vente que ci-dessus, un ensemble complet entièrement gradé 10 par PSA est estimé $ 200K, lot 56545.

Pour la vente au détail, Fleer avait constitué des paquets composés au hasard de 12 cartes et d'un autocollant, sans oublier le bubble gum. Pour la vente en gros, Fleer constituait des boîtes de 36 paquets et des caisses de 12 boîtes. Dans la même prochaine vente par Heritage, une boîte dont le contenu a été reconstitué avec 36 paquets non ouverts est estimée $ 80K, lot 56605. La liste des stickers est identifiée au catalogue.

Le 6 août en ligne, CollectAuctions vend au lot 31 une caisse scellée à l'usine. Le lot contient donc 5184 cartes et 432 stickers qui n'ont pas été manipulés après leur emballage. Statistiquement, les enchérisseurs peuvent ainsi espérer y trouver à l'état neuf 39 cartes et 39 autocollants de la rookie Jordan. L'enchère a dépassé $ 1M le premier jour (13 juillet) et continue à monter.

13 juil. 2020

Trois Pères Fondateurs

Le Traité de Paris, signé en 1783, reconnaît l'indépendance des Etats-Unis. La délégation américaine est dirigée par John Adams, assisté en pratique par Benjamin Franklin et John Jay et nominalement par Thomas Jefferson et Henry Laurens qui n'étaient pas en France à cette période. Franklin était US Minister to France depuis 1779.

Jefferson rejoint Adams et Franklin à Paris en août 1784. Ainsi sont à nouveau regroupés les trois principaux auteurs du texte de la Déclaration d'Indépendance de 1776. Cette équipe plénipotentiaire a pour mission de négocier des traités d'amitié et de commerce avec presque tous les Etats d'Europe et du pourtour de la Méditerranée.

Le 21 juillet en ligne, Sotheby's vend une lettre préparée à Passy près de Paris le 22 septembre 1784, lot 166 estimé $ 900K. Ce bifolium de deux pages 32 x 20 cm écrit par un clerc porte les signatures autographes d'Adams, Franklin et Jefferson.

Le but de la lettre était de commencer la négociation avec le Royaume des Deux Siciles, avec un texte type approuvé par le Congrès. Le destinataire choisi à l'origine a été biffé et la lettre a été envoyée à un chargé d'affaires.

Le document est important par la réunion de trois signatures prestigieuses mais pas par son impact historique. Le chargé d'affaires a fait une réponse typiquement diplomatique en janvier 1785 : le Royaume de Naples accueillerait avec bienveillance cette amitié avec les Etats-Unis mais ne souhaite pas la formaliser par un écrit.


Nude with Red Shirt par Lichtenstein

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En 1993 Roy Lichtenstein interprète à nouveau les bandes dessinées qui avaient fait sa gloire trente ans plus tôt. L'évolution des moeurs et la nouvelle liberté acquise et revendiquée par les jeunes femmes lui permettent de les dénuder.

Dans les premières oeuvres de la série, exposées par Castelli en novembre 1994, l'esthéthique des courbes voluptueuses prime souvent sur la narration. Les arrière-pensées amoureuses apparaissent déjà dans quelques scènes.

Dans le Nude with Yellow Flower, vendu pour $ 23,6M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013, la jeune femme téléphone tout en préparant une fleur pour son interlocuteur. Dans la bande dessinées des années 1960 elle portait un maillot de bain.

Nude with Red Shirt, huile et acrylique sur toile 198 x 168 cm peinte en 1995, a été vendue pour $ 28M incluant premium par Christie's le 14 novembre 2012, lot 39.

Dans sa chambre, la jeune blonde s'habille. L'attention du spectateur est focalisée sur la peau nue. Dans l'image d'origine, elle portait un slip. Les figures narratives ne sont vues qu'en seconde lecture.

Le bord gauche de l'image est occupé par la chevelure tronquée d'une femme. Que vient-elle faire ? Roy ne donne pas sa solution mais dans la bande dessinée d'origine elle était la soeur. Le portrait encadré d'un jeune homme sur la table de nuit permet cependant de conclure à l'hétérosexualité du personnage principal.

L'année suivante les filles sont plus ouvertement excitantes. A Seductive Girl a été vendue pour $ 31,5M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2013.

8 juil. 2020

Deux Volumes du Yongle Dadian

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L'empereur Yongle des Ming fut extrêmement actif dès son avènement, notamment en matière de diplomatie et de religion. En 1404 CE il ordonne la compilation de tous les savoirs. Plus de 2000 érudits parcourent la Chine pour trouver les sources.

Le travail est terminé en seulement cinq ans. L'ensemble est constitué de près de 23 000 rouleaux répartis en 11 000 volumes, occupant environ 30 mètres cubes. Le nombre de caractères chinois est estimé à 370 millions, correspondant à environ 250 millions de mots en écriture latine. Satisfait de son oeuvre de préservation de la culture, l'empereur attribue à cette compilation son propre nom de règne : le Grand Canon de Yongle, ou Yongle Dadian.

Le Yongle Dadian est trop énorme pour envisager une édition. En 1557 cet ensemble encore unique échappe de très peu à un incendie qui détruit trois palais de la Cité Interdite. L'empereur Jiajing, conscient du risque de perte de ce trésor culturel inestimable, ordonne d'en prendre une copie, sous forme d'albums 50 x 30 cm correspondant aux volumes et chapitres originaux. Ce travail est effectué de 1562 à 1567 CE.

Plus personne n'entendra jamais parler des rouleaux originaux. La copie a existé jusqu'aux guerres de l'opium. Elle a subi incendies et déprédations, et seuls 400 albums ont survécu, soit 3,5 % de l'ensemble original.

Un lot de deux volumes a été vendu pour € 8,1M incluant premium par Beaussant Lefèvre à Drouot le 7 juillet 2020. Les thèmes respectifs sont la géographie des lacs de Chine et une description de rites funéraires. Des usures, taches et accidents étaient annoncés au catalogue.

7 juil. 2020

La Fête d'Antan

Cecily Brown observe que la peinture n'a pas fondamentalement changé depuis la Renaissance : avec des couleurs à l'huile sur une toile, les artistes expriment les sentiments et les passions. Libérée par sa renommée croissante d'une sorte d'obligation d'offrir des scènes sexuelles, elle se tourne vers les grands maîtres du passé.

Elle sent des affinités avec les artistes au style foisonnant, Bosch et Bruegel. Elle a aussi interprété Michel-Ange et aime Titien et Delacroix.

Ainsi le Combat de Carnaval et Carême, huile sur bois 118 x 165 cm peinte par Bruegel en 1559, n'est plus que l'interprétation d'une fête flamande qui met en scène des foules de personnages bigarrés dans des occupations pittoresques et désuètes, et personne ne se préoccupe des intentions moralisantes d'antan.

Le 10 juillet à Londres, Christie's vend Carnival and Lent, huile sur lin 246 x 262 cm peinte par Cecily Brown en 2006-2008, lot 45 estimé £ 4M.

L'artiste a manifestement pris un grand plaisir à ce travail. Elle a copié la suite circulaire des personnages des deux groupes dans une perspective plongeante. Quelques détails dont des têtes émergent dans cette luxuriance abstraite. L'équilibre des couleurs est également inspiré par l'original.

Un "vrai" Carnaval et Carême, huile sur toile 119 x 171 cm peinte par Pieter Brueghel le Jeune, a été vendu pour £ 6,9M incluant premium par Christie's le 6 décembre 2011. Qui va gagner le combat des enchères entre les Anciens et les Modernes ?

Magma et Fumée

Dans l'art de Zao Wou-Ki, les années 1959 à 1972 sont identifiées comme la période des Hurricanes. L'artiste a cessé de prendre référence à la création du monde. Sa violence intérieure est cependant intacte. Il l'exprime par des paysages imaginaires dont les illuminations émergent du sol, une source de feu qui ne peut plus être de la roche et prend les ondulations d'un magma.

Dans sa forme aboutie, ce paysage a un horizon. 9.1.63, 130 x 195 cm, vendu pour HK$ 76M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2017, est une scène nocturne. Une version diurne dans la même dimension, 14.11.63, a été vendue pour HK $ 39M incluant premium par Christie's le 8 mai 2011.

Dans la même période, l'artiste imagine aussi les détails de son feu.

21.10.63, 200 x 180 cm, ressemble à une coulée de lave dans un canal horizontal. Bien que Zao ait réduit sa palette dans cette phase, les oeuvres à dominante rouge vif sont rares. Cette huile sur toile sera vendue au lot 9 par Christie's à Hong Kong le 10 juillet. Le communiqué du 5 juin annonce une estimation au-delà de US $ 10M.

Le 8 juillet à Hong Kong, Phillips vend deux huiles sur toile d'une même provenance qui évoquent une colonne de fumée volcanique montant vers le ciel. La fumée est parsemée de cendres comme au temps des Oracle bones.
22.6.63, 146 x 89 cm avec un fond rouge, est estimée HK$ 38M, lot 8.
24.10.63, 194 x 97 cm, est estimée HK$ 45M, lot 9.
Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Phillips.

29.9.64 agrandit démesurément un détail du magma en incluant une source d'incandescence. Cette huile sur toile 230 x 345 cm a été vendue pour HK$ 153M incluant premium par Christie's le 27 mai 2017.





5 juil. 2020

L'Etincelle Prodigieuse

Clyfford Still perçoit le monde comme un rapport de forces : la vie et la mort, l'horizontal et le vertical, le blanc et le noir. Ces notions ne sont pas indépendantes : la vie est verticale, le paysage et la mort sont horizontaux.

ll voudrait que les spectateurs de son oeuvre découvrent de nouvelles forces en eux-mêmes. L'art figuratif ne peut pas contribuer à cet objectif ambitieux : Clyfford Still est l'inventeur de l'expressionnisme abstrait.

En 1944 il ajoute l'énergie créatrice sous forme d'un éclair brillant qui traverse l'image de haut en bas. Tous les éléments cèdent à ce phénomène, créant des formes effilochées qui glissent dans un espace bidimensionnel tout en tentant de conserver leur position dominante. Des formes jaunes et rouges apportent un contre-poids à l'invasion noire. L'éclair en zigzag est sa force de vie ou ligne de vie, selon sa propre expression.

Une huile sur toile datée 1946-1947 est typique de cette exploration abstraite du monde. Le format est vertical, 136 x 71 cm. L'éclair est visible, ce qui est déjà rarement le cas à cette époque. Il traverse une masse noire pour fertiliser une sorte de terre tout en bas de l'image.

Still a rarement exprimé aussi complètement sa conception de la création. Il a longtemps conservé cet opus avant de le donner à sa fille Sandra en 1976, quatre ans avant sa mort. Cette peinture, numérotée PH-306 dans la nomenclature de ses oeuvres, est estimée HK$ 54M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 9 juillet, lot 1122.

Conçu en 1946, PH-306 préfigure les espaces sans limites de Pollock, les franges des blocs de Rothko, le zip de Newman et les couleurs flottantes de de Kooning.

Un autre opus donnant le rôle principal à la force transcendantale est 1949-A-No.1, 236 x 200 cm, vendu pour $ 62M incluant premium par Sotheby's le 9 novembre 2011.

4 juil. 2020

L'Héritage d'une Orpheline

De nouvelles formes d'art pictural sont développées en Californie autour de 1960 pendant que le pop art naît à New York. Ce n'est pas un hasard si les oeuvres de Warhol et Lichtenstein sont exposées très tôt à Los Angeles. Les innovations de Diebenkorn, Thiebaud et Ruscha ont un effet pérenne.

Ed Ruscha est d'abord influencé par Jasper Johns dont les Targets rigoureusement symétriques ont mis fin à un des grands tabous de la peinture. Par ailleurs Barnett Newman a osé utiliser de larges aplats monochromes délimités par des rectangles parfaits.

Ruscha perçoit l'importance de la typographie pour attirer l'attention du public. Les lettres de l'alphabet prennent pour cette raison les formes les plus variées, dessinées pour un besoin spécifique par des artistes anonymes. Elle peuvent représenter l'élégance dans les images publicitaires, le suspense dans les comics. Ruscha a l'habileté de peindre des mots complets et non des alignements de lettres mais leur signification n'a plus aucune importance.

En 1962 il récupère la typographie la plus récente du titre des pages de Little Orphan Annie. Les lettres sont très reconnaissables : elles sont épaisses et jointives avec des bords noirs ondulants et des orifices minimisés, sans oublier le point ovale oblique sur le i.

Son utilisation du mot ANNIE agrandit sans modification la typographie de la bande dessinée. Le mot peint en rouge vif, désormais isolé de son contexte, est placé comme un titre dans un rectangle de fond doré, séparé par une étroite bande blanche d'un rectangle entièrement vide de même dimension avec un fond bleu.

Une telle rigueur géométrique est l'antithèse de Rothko : un art nouveau est en train de naître. Plus tard les sources éventuelles des typographies utilisées par Ruscha ne seront plus directement identifiables.

Cette ANNIE, huile et graphite sur toile 181 x 170 cm, est estimée $ 20M à vendre par Christie's à New York le 10 juillet, lot 68.

3 juil. 2020

Les Délices de Wayne Thiebaud

Dans les années 1950 Wayne Thiebaud est professeur d'art en Californie. Il fait un long séjour à New York à une époque où le pop art n'est pas encore en gestation. Il rencontre de Kooning, Kline, Rauschenberg, Jasper Johns.

Ses oeuvres sont influencées par les traits simplifiés de la caricature et par les couleurs criardes des publicités. Son intention n'est pas conceptuelle et il est encore gêné soixante ans plus tard quand on le considère comme un artiste.

Il construit son monde avec des objets de tous les jours, quelques années avant Warhol. Chaque type d'objet représente un désir simple : la gourmandise, le gain au jeu. Ils n'ont pas été créés par la nature et il peut les imaginer avec des couleurs excessives. Il aligne ses pâtisseries à l'infini sur des comptoirs ou dans des vitrines, tout en introduisant d'un élément à l'autre des différences qui captent l'attention du visiteur. Il n'aime pas la reproduction mécanique de Warhol.

La géométrie est à la fois rigoureuse et fausse, avec des perspectives et des ombres qui n'apportent pas la distance. Il est très attentif aux avant-gardes minimalistes : Frank Stella, Jasper Johns, Sol LeWitt.

Le 10 juillet à New York, Christie's vend Four Pinball Machines, huile sur toile 173 x 183 cm peinte en 1962, lot 63 estimé $ 18M.

Vue de loin, la composition d'ensemble est plate comme deux rangées de fenêtres. Les plateaux des machines sont entre ces deux zones, avec une variété de couleurs qui expriment la diversité du jeu. La vitre du fond n'est pas l'image clignotante qui attire habituellement le client sur le flipper mais une géométrie basique du nouvel art minimaliste, sans doute un clin d'oeil à ses collègues pour sa première exposition à New York.

Dans l'exemple ci-dessus, le titre est faux. Il n'y a pas quatre machines alignées de front mais cinq, et les deux machines extrêmes sont tronquées. Tout est délicieusement factice dans l'art de Wayne Thiebaud : il rejoint Roy Lichtenstein dans l'interrogation sur la signification de l'art. Ses gâteaux n'existent pas mais son art est joyeux.

2 juil. 2020

La Croisière de l'Olympia

Paul Signac utilise les principes divisionnistes pour montrer les bords de mer sous le plus vif ensoleillement. Après la Bretagne, il valide ses théories en Méditerranée en passant le printemps 1889 à Cassis. Une vue du Cap Canaille a été vendue pour $ 14M incluant premium par Christie's le 6 novembre 2007.

La mort prématurée de Seurat en 1891 est un choc. Signac et Van Rysselberghe organisent deux expositions à sa mémoire, à Bruxelles et à Paris. Après l'ouverture de l'exposition de Paris en mars 1892, ils décident de se changer les idées en faisant une croisière en Méditerranée.

Les deux amis se retrouvent à Bordeaux sur l'Olympia, le bateau à voile que Signac a acheté l'année précédente. Ils atteignent la Méditerranée par le canal du Midi. Théo van Rysselberghe peint quelques huiles sur toile dans le style de Signac, en faisant bien sûr un grand usage du bleu de cobalt. Une vue du port de Cette (Sète), 60 x 70 cm, a été vendue pour $ 7,2M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2017.

Le 10 juillet à New York, Christie's vend une vue de la côte, probablement près de Cette, intitulée Barques de pêche, 63 x 84 cm incluant le cadre peint par l'artiste, lot 59 estimé $ 7M. L'image est partagée par Wikimedia.

La Grande Bleue est montrée avec un réseau de lignes obliques qui simulent les vagues, tandis que plusieurs rangées de voiles s'éloignent dans une composition habilement équilibrée. L'utilisation des couleurs complémentaires, orange et bleu, jaune et violet, est conforme aux préceptes de Seurat.

Le cadre d'artiste est fréquent dans l'oeuvre de van Rysselberghe à cette période. Il est peint comme une abstraction décorative qui attire l'attention sur le pointillisme. Il est également présent sur la vue de l'Escaut, peinte la même année probablement après l'excursion en Méditerranée, vendue pour £ 8,5M incluant premium par Sotheby's le 21 juin 2017.

La croisière s'est terminée début mai à Saint-Tropez, le petit port qui n'était pas encore accessible par la route. Paul est ébloui par la découverte de son paradis personnel. Théo repart après un séjour de quelques semaines. Deux vues de Saint-Tropez peintes en 1892 par Signac ont été vendus respectivement pour £ 19,5M incluant premium par Christie's le 27 février 2019 et pour $ 10,7M incluant premium par Sotheby's le 9 mai 2016.

Barques de pêche-Méditerranée by Théo van Rysselberghe

1 juil. 2020

Les Méandres Colorés de Brice Marden

Brice Marden est un coloriste, sans narration ni interprétation. Son but est de capter et maintenir l'attention du visiteur. Il commence sa carrière par un style minimaliste, juxtaposant des rectangles monochromes pour révéler leurs contrastes en une approche qui rappelle Albers et Klee.

Marden découvre en 1984 que la calligraphie chinoise ou japonaise est un art à part entière qui suit les mouvements de la main de l'artiste. Il commence désormais à peindre sur ses fonds monochromes des lignes sinueuses entrelacées avec fluidité qui atteignent toute la périphérie comme les drippings de Pollock.

La calligraphie a déclenché ce changement majeur dans l'art de Marden mais elle disparaît au bout de quelques années. Les lignes sont peintes une couleur après l'autre, dans un ordre logique par rapport au spectre chromatique. Elles peuvent passer d'un panneau à l'autre sur un polyptyque de monochromes. Leur largeur est très régulière, démontrant qu'elles résultent d'une construction rigoureuse et non d'une gestuelle.

The Attended, huile sur toile 208 x 145 cm datée 1996 1999 a été vendue pour $ 11M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013. Elements (Hydra), huile sur lin 190 x 136 cm datée 1999 2000 2001 a été vendue pour $ 9,2M incluant premium par Phillips le 14 mai 2015.

Le 10 juillet à New York, Christie's vend Complements, daté 2004 2007, lot 55 estimé $ 28M. Complements est un diptyque jointif d'huiles sur toiles pour une dimension totale de 183 x 244 cm. Les panneaux sont monochromes, orange incandescent à gauche et bleu foncé à droite. Les lignes  sont successivement vert, bleu, brun et rouge sur le panneau de gauche et rouge, orange et vert sur le panneau de droite.

Un exemple sur papier de la même période, Butterfly Wings with Green, 28 x 38 cm réalisé en 2005, est estimé $ 1,2M, lot 69 dans la même vente.