31 août 2020

The New Jeff Koons

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La première exposition solo de Jeff Koons, intitulée The New, a lieu en mai et juin 1980 à New York, au New Museum of Contemporary Art. Elle est constituée d'aspirateurs et objets ménagers de marques Hoover et Shelton installés individuellement dans des vitrines en plexiglas, avec un éclairage fluorescent par des spots et par l'arrière.

Une autre étape est aussitôt franchie. Si un aspirateur est une oeuvre d'art, l'artiste lui-même est aussi une oeuvre digne d'être admirée.

Sous le titre The New Jeff Koons, il introduit dans sa série The New un portrait photographique de lui-même à l'age de 4 ans qu'il assemble dans une boîte à lumière fluorescente 103 x 78 x 20 cm. Cette oeuvre restera unique en son genre, comme si c'était un prototype destiné à explorer de nouvelles voies de créativité.

Koons est ambitieux. L'image qu'il donne de lui-même est un modèle de gentillesse dépourvu de timidité : calme, souriant aimablement, habillé et coiffé proprement. Les crayons feutres symbolisent la naissance de son génie artistique.

The New Jeff Koons a été vendu pour $ 9,4M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013 sur une estimation basse de $ 2,5M, lot 9. Elle est la photo la plus chère dans l'histoire des enchères, $ 5 millions de plus que le monumental Rhein II de Gursky.


Héliographie par Niépce

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Au début du XIXème siècle, l'usage des images est considérablement augmenté par l'invention de la lithographie. Nicéphore Niépce développe à partir de 1816 une autre méthode utilisant une plaque couverte d'une substance chimique photo-sensible.

Le bitume de Judée durcit sous la lumière. Niépce le dilue dans l'essence de lavande et enduit la plaque. Si un objet translucide est posé sur la plaque, le durcissement sous la lumière est variable selon les contrastes de l'objet. Cet effet peut être obtenu avec une camera obscura. Le bitume est enlevé après l'insolation et la plaque est encrée dans les creux comme une eau-forte avant d'être pressée contre le papier pour créer l'image positive. Il reste à l'inventeur à mettre au point les fixateurs. Ce procédé est appelé héliographie par Niépce.

Marie-Thérèse et André Jammes sont passionnés par l'histoire de la photographie. Ils acquièrent un lot de 48 lettres autographes de Niépce. L'image peu contrastée sur papier 10 x 14,7 cm d'une ancienne gravure montrant un homme conduisant un cheval est jointe à une lettre. Réalisée en 1825, elle est le plus ancien exemple connu de fixation durable d'une image photographique positive.

La photo toujours accompagnée des lettres a été vendue pour € 500K incluant premium par Sotheby's le 21 mars 2002, préemptée par l'Etat français au bénéfice de la Bibliothèque Nationale de France. L'image est partagée par Wikimedia.

La phase suivante consiste à améliorer la sensibilité de la substance et à régler le temps de pose. Niépce obtient en 1827 une lisibilité acceptable avec sa vue héliographique 16 x 20 cm prise depuis la fenêtre de son laboratoire à Saint-Loup-de-Varennes. Le temps de pose a probablement été réparti sur plusieurs jours.

Nicéphore Niépce Oldest Photograph 1825

30 août 2020

Commode par Carlin et Weisweiler

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Le 11 décembre 1999, Christie's a vendu pour FF 46M incluant premium, qui correspondront plus tard à € 7M, une commode Louis XVI à encoignures estampillée à la fois par Carlin et Weisweiler, sur une estimation basse de FF 15M.

Ce meuble 91 x 135 x 51 cm répond à la mode des incrustations de matériaux luxueux lancée sous Louis XV par le marchand-mercier Poirier. Elle est en placage d'ébène, bois noirci, marqueterie de cuivre et d'étain, incrustations en relief de pietra dura des Gobelins, tableaux florentins en marqueterie de pietra dura, et ornée de bronzes dorés.

Daguerre succède à Poirier en 1777. L'ébéniste Carlin, qui est un des principaux fournisseurs de Poirier et Daguerre, meurt en 1785. Weisweiler succède de facto à Carlin pour la fourniture à Daguerre.

Les plaques florentines constituent l'élément majeur de la décoration. Elles ont été récupérées sur un cabinet fabriqué autour de 1700 dans les ateliers grands-ducaux. Passés de mode, les cabinets florentins monumentaux des collections royales françaises avaient été revendus par le Garde Meuble à partir de 1741.

La commode n'est pas listée dans l'inventaire après décès de Carlin et sa marque est sans doute posthume, avant le remariage de sa veuve avec un autre ébéniste en 1786.

Daguerre s'établit de façon permanente en 1789 à Londres où le prince de Galles, futur George IV, est en train de meubler dans le plus grand luxe sa nouvelle résidence de Carlton House. 

L'inventaire du salon du conseil de Carlton House, effectué en 1793, liste deux commodes à pietra dura, similaires entre elles. L'une d'elles, conservée dans la collection royale britannique et estampillée par Weisweiler, est probablement la commode vendue par James Christie en mars 1791 en provenance directe du stock transféré à Londres par Daguerre. L'autre, qui n'apparaît plus en 1806 dans la collection du prince de Galles, est probablement la commode Carlin-Weisweiler.

Neuf Symphonies par Mozart

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L'éditeur musical August Cranz possédait trois volumes de manuscrits autographes de Wolfgang Amadeus Mozart assemblés par son père Leopold. Le volume 1 incluait une sérénade et une marche, le volume 2 un concerto et trois sérénades, et le volume 3 neuf symphonies.

Ces documents ont un point en commun : toutes les dates ont été biffées pour une raison non identifiée, probablement pour faire croire à une date différente, peut-être par le compositeur lui-même ou par quelqu'un ayant accès à sa succession.

Le volume 3 contenait les symphonies Köchel 162, 181 à 184 et 199 à 202. Selon Köchel, elles ont été composées en 1773 et 1774 et certaines sont localisées à Salzbourg. C'est l'époque où les relations se dégradent entre Mozart, qui n'a pas encore 18 ans, et son employeur le prince-archevêque de Salzbourg qui souhaite restreindre sa liberté de composition et ses voyages. Une inspection des résidus d'inscriptions avec une loupe à grossissement x8, publiée en 2015 par The Musical Times, est cohérente avec la datation de Köchel.

Ce volume a été vendu pour £ 2,5M incluant premium par Sotheby's le 22 mai 1987. Les symphonies ont été prêtées à la Morgan Library à New York et sont désormais reliées individuellement.


29 août 2020

Les Liliacées par Redouté

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Spécialisé dans les aquarelles botaniques, l'artiste belge Pierre-Joseph Redouté vient faire carrière à Versailles en 1788 après une formation dans les jardins royaux de Kew. A partir de 1800 il participe par ses dessins à la réédition du Traité des arbres et arbustes de Duhamel du Monceau et il est à partir de 1798 l'artiste favori de la future impératrice Joséphine.

Sa contribution directe à la botanique se déroule en deux phases : 486 aquarelles sur vélin sur les Liliacées de 1802 à 1816 suivies de 168 Roses de 1817 à 1824. Ses dessins d'une exactitude scientifique sont pris d'après nature dans les jardins de La Malmaison, Saint-Cloud, Versailles et Sèvres.

L'ensemble des aquarelles des Liliacées, relié en 16 volumes 48 x 35 cm pour un poids total de près de 150 kg, est confié à l'origine à la bibliothèque de Joséphine à La Malmaison.

Le lot est vendu le 20 novembre 1985 pour $ 5,5M incluant premium par Sotheby's après une mise à prix sensationnelle de $ 5M, la plus élevée à l'époque dans une vente d'art.

L'acquéreur est un jeune marchand de livres rares et de gravures nommé W. Graham Arader, qui se fait connaître immédiatement. Pour réaliser cette opération, il avait créé un consortium de clients. Chaque action donnait droit à quatre aquarelles, quelques parts étaient encore disponibles et il gardait 30 % de l'ensemble. Il avait été le seul enchérisseur mais selon ses déclarations recueillies par le New York Times il était couvert jusqu'à $ 20M.

Les pièces ont été choisies tour à tour par les clients d'Arader selon une priorité déterminée par une loterie. Arader n'a pas révélé les noms de ses actionnaires. Steve Jobs était probablement l'un d'entre eux.

L'aquarelle d'un iris a été vendue pour $ 200K incluant premium par Freeman's le 29 avril 2018.


La Cosmographia de Ptolémée

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Dans l'antiquité gréco-romaine, le savoir était transmis et enrichi par les compilateurs. Chronologiquement, Ptolémée apparait entre Pline le Jeune et Galien, au 2ème siècle CE. Sa compilation céleste totalisait 1 022 étoiles regroupées en 48 constellations. Sa géographie listait les positions de 8000 localités. La méthode proposée pour dessiner des cartes était un nouvel algorithme de projection de la sphère sur une surface plane, développé à partir d'Euclide.

Cette oeuvre monumentale est ignorée dans le monde chrétien et redécouverte par les astronomes de Bagdad au début du 9ème siècle CE. Vers 1300 l'érudit byzantin Planude retrouve une version grecque de la Géographie de Ptolémée, qui prend le nom de Cosmographia, et reconstitue les cartes. La traduction latine du texte faite en 1406 par Jacobus Angelus est utilisée pour les premières éditions imprimées.

Les 26 cartes basées sur les indications de Ptolémée sont gravées sur plaques de cuivre préparées par Taddeo Crivelli. Elles sont éditées avec le texte de Jacobus Angelus à Bologne en 1477. Chaque carte occupe une double page 42 x 56 cm en tout, qui est le format de prestige Royal folio notamment utilisé pour la Bible de Gutenberg.

Le 10 octobre 2006, Sotheby's a vendu un exemplaire complet de la Cartographia de Bologne, colorée à la main et dans une reliure d'époque, pour £ 2,14M incluant premium, lot 394. Elle a très certainement appartenu au bibliophile Hieronymus Münzer, qui a commencé sa collection de livres imprimés en 1476 et était aussi un grand voyageur. Cette provenance non documentée est rendue plausible par son appartenance ultérieure à l'humaniste Pirckheimer de qui une lettre contenant un éloge posthume de Münzer est connue.

L'étape suivante est l'intégration des découvertes des explorateurs. Dès 1477 Nicolaus Germanus crée un globe terrestre et un globe céleste. En 1482 l'édition d'Ulm de la Cosmographia de Ptolémée est le premier atlas moderne, intégrant les cartes de Nicolaus.

28 août 2020

La Bible de Gutenberg

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La Bible de 42 lignes est le premier livre imprimé en Europe avec la technique des caractères mobiles dans une presse à imprimer, développée par Gutenberg à Mayence depuis 1450. La première édition est disponible en 1455. Gutenberg fait faillite en 1456 après que la justice ait décidé que l'investissement devait être restitué à Fust.

L'ouvrage est divisé en deux volumes, couvrant respectivement l'Ancien et le Nouveau Testament dans le texte latin de la Vulgate, avec un total de 1282 pages 42 x 30 cm en format double folio imprimé recto verso. L'impression est réalisée à l'encre noire en deux colonnes par page. La typographie imite une écriture manuscrite. La décoration en couleurs et la rubrication ne sont pas imprimées mais un guide pouvait être fourni à l'acquéreur.

L'édition originale réalisée sous le contrôle de Gutenberg est estimée à 150 exemplaires sur papier plus 30 exemplaires sur vélin. 21 exemplaires complets ont survécu, plus 13 exemplaires limités à un seul des deux volumes et 15 autres exemplaires avec plusieurs feuilles manquantes.

Le 7 avril 1978, Christie's a vendu pour $ 2,2M incluant premium un exemplaire sur papier, complet depuis que la seule feuille manquante avait été fournie en 1953 par un libraire spécialisé. Cet exemplaire presque parfait est actuellement conservé à la Bibliothèque d'Etat de Stuttgart.

Le 22 octobre 1987, Christie's a vendu pour $ 5,4M incluant premium un Volume I sur papier, avec des pages d'une grande fraicheur dans sa reliure d'origine de Mayence. Ce volume est actuellement conservé dans une université privée au Japon.

 

27 août 2020

Quelques Dimes après la Panique

Les enregistrements officiels de la monnaie américaine fournissent les données de production et d'émission avec une exactitude totale, nécessaire pour éviter les détournements. Il ne fait aucun doute qu'en 1894 la production totale de dimes d'argent de 10 cents à San Francisco a été limitée à 24 unités dont 5 ont été envoyées à Philadelphie pour essais destructifs.

Cette année était perturbée par la panique financière de 1893. Les utilisateurs ne voulaient plus que de l'or, au détriment de l'argent et du papier monnaie. Les réserves fédérales d'or étaient vidées et l'argent s'accumulait et se dépréciait. Le besoin en monnaies d'argent diminuait, surtout pour les dénominations fragmentaires.

Les procédures étaient respectées. L'usine de San Francisco avait reçu en novembre et janvier les paires de matrices pour la production des dimes de 1894. La production a continué avec les matrices marquées 1893 jusqu'à la production des 24 pièces le 9 juin, trois semaines avant la clôture de l'année fiscale.

Les officiels de l'usine ne se sont pas rendu compte qu'ils avaient créé la plus grande rareté de la monnaie régulière américaine. La logique de décision de cette opération reste inconnue. Elle n'étaient pas des pièces de prestige faites sur des planchettes polies. Aucune n'a été vendue à un collectionneur malgré une demande insistante de certains d'entre eux pour constituer des séries complètes. Elles n'étaient plus dans l'inventaire du caissier en janvier 1895.

La chasse au trésor était lancée. Neuf pièces seront retrouvées.

Quatre pièces en excellent état constituent deux groupes. Le collectionneur John H. Clapp en possédait deux, sans doute acquises neuves auprès d'un ouvrier de l'usine. L'une d'elles, gradée PR66 par PCGS, a été vendue pour $ 2M incluant premium par Heritage le 7 janvier 2016.

Deux autres pièces ont été achetées en 1949 par un marchand à une femme âgée identifiée comme la fille d'un banquier de Californie. Elles ont donné lieu à la légende selon laquelle elle en aurait reçu trois de son père pendant son enfance mais aurait immédiatement utilisé l'une d'elles pour acheter une crème glacée. 

La meilleure de ces deux dernières pièces, gradée PR66 par NGC, a été vendue pour $ 1,04M incluant premium par Heritage en janvier 2005. Elle sera vendue par Heritage à Dallas le 17 septembre, lot 10055. L'autre pièce, gradée PR63 par PCGS, a été vendue pour $ 1,32M incluant premium par Stack's Bowers le 15 août 2019.


26 août 2020

Le First Folio de Shakespeare

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Le Globe Theatre est créé en 1599. Il est géré par les acteurs de la compagnie des Lord Chamberlain's Men sous forme d'un capital par actions. William Shakespeare a peu de parts dans cette affaire mais il est le principal auteur des pièces qui y sont jouées. Il meurt en 1616, sans avoir prêté attention à la valeur littéraire de ses oeuvres.

John Heminges et Henry Condell, qui possèdent en cumulé la moitié des actions du Globe Theatre, décident judicieusement de reconstituer avec la meilleure exactitude possible la totalité de l'oeuvre dramatique de Shakespeare. Ils connaissent 36 pièces dont 18 n'avaient jamais été éditées. Ils devront racheter les droits d'édition de certaines pièces et retrouver les manuscrits partiels qui avaient été confiés aux acteurs pour jouer leur propre rôle.

L'impression est luxueuse, en relation avec la magnificence littéraire de l'oeuvre. Ce qu'on appellera plus tard le First Folio est un superbe volume de 454 feuilles 32 x 21 cm, imprimé en 1623 par Jaggard et Blount.

Le 8 octobre 2001, Christie's a vendu une copie du First Folio pour $ 6,2M incluant premium, lot 100. Elle est complète et est considérée au catalogue comme un des deux plus beaux exemplaires en mains privées.

 

25 août 2020

La Soupière Penthièvre-Orléans

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Nommé orfèvre du roi en 1723, Thomas Germain est le maître de l'argenterie rococo. Il cisèle sur ses pièces une pléthore d'éléments de repas, légumes, artichauts, écrevisses, coquillages, oiseaux, enchevêtrés dans le style des peintures de natures mortes. Le réalisme laisse supposer qu'il a effectué des moulages d'après nature, selon une technique qu'il aurait apprise pendant son apprentissage à Rome.

Un de ses chefs d'oeuvre, réalisé en 1733-1734, est une paire de soupières couvertes, avec deux poignées à tête de sanglier et six pieds de cochon, pesant plus de 13 kg chacune avec le plateau et le support.

Cette paire appartenait à Henry Janssen, un anglais naturalisé français en 1741 qui était un courtisan du comte d'Eu, petit-fils de Louis XIV par la Montespan. Janssen avait une importante collection d'argenterie, un symbole d'opulence à son époque. 

En 1759 toute l'argenterie française est réquisitionnée pour financer la Guerre de sept ans. Eu en profite pour récupérer la collection Janssen qui évite ainsi d'être fondue. Cet ensemble constitue la majeure partie de la collection du duc de Penthièvre, cousin et héritier d'Eu, qui rassemblait 370 kg de pièces d'argenterie par les plus grands orfèvres de l'époque Louis XV : Germain, Ballin, Balzac, Auguste, Durant. 

230 kg sont fondus après confiscation pendant la Révolution. Le reste constitue après restitution au futur roi Louis-Philippe, petit-fils de Penthièvre par sa mère, le service Penthièvre-Orléans, restauré et augmenté par Odiot et dispersé au XXème siècle.

Une des soupières à têtes de sanglier est conservée au Detroit Institute of Arts. L'autre a été vendue pour $ 10,3M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 1996.


Bol à Punch à l'Usage de New York

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En Amérique du Nord, la guerre anglo-hollandaise a mis fin au Nieuw Nederland en 1674 mais les riches marchands hollandais restent influents à New York City et à Albany. Abraham de Peyster est maire de New York City de 1691 à 1694. Son frère puis son beau-frère sont maires de 1698 à 1700.

Cornelius Kierstede appartient à la même communauté. Il est orfèvre à New York City de 1698 à 1722 sauf une brève installation à Albany de 1704 à 1706. Il termine sa carrière à New Haven. Il est spécialisé dans les chopes et bols en argent repoussé.

Les hollandais raffolent du brandewijn, une eau-de-vie de vin qu'ils boivent coupée d'eau. Leur communauté New Yorkaise maintient cette tradition. Dans les fêtes de famille, les convives se servent avec une cuiller en argent dans un bol contenant le délicieux liquide avec des raisins.

Un bol de style New Yorkais avec six panneaux en argent repoussé fait surface en 2009 en Angleterre dans la descendance d'un officier Loyaliste de la guerre d'indépendance.

Cette pièce réalisée entre 1700 et 1710 porte la marque CK de Kierstede. Mesurant 32 cm de diamètre et 44 cm hors tout avec les poignées, il pèse 2065 g et est la plus grosse pièce connue d'argenterie coloniale d'avant 1750.

Son commanditaire était forcément un des plus riches marchands hollandais de New York City ou Albany. Plusieurs pièces marquées par Kierstede ont appartenu à la famille de Peyster. Abraham est le meilleur candidat : son testament établi en 1634 listait près de 50 kg d'argenterie incluant un grand bol à punch qui peut être la pièce récemment retrouvée.

Ce bol a été vendu par Sotheby's le 22 janvier 2010 pour $ 5,9M incluant premium sur une estimation basse de $ 400K, lot 443.

24 août 2020

Commode par Chippendale

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Thomas Chippendale n'est pas seulement un très important ébéniste. Il est aussi un architecte d'intérieur et un influenceur, attentif à produire le meilleur dans tous les styles de son temps. Il publie en 1754 un manuel de croquis intitulé The Gentleman and Cabinet Maker's Director. Dans cette approche du marché unique en son genre, il laisse le client choisir des designs de meubles dont il garantit par avance la faisabilité dans son atelier.

La première édition du Director exploite trois styles : Gothique, Chinois et moderne, ce dernier étant surtout inspiré par les meubles français. La dernière édition, en 1762, introduit le style néoclassique.

Le 7 décembre 2010, Sotheby's a vendu une commode pour £ 3,8M incluant premium sur une estimation basse de £ 600K, lot 69.

Ce meuble 89 x 140 x 65 cm fabriqué vers 1770 était identifié comme une Commode française sur la planche LXVIII de l'édition finale du Director. Elle ouvre à deux portes sous un long tiroir, et les portes peuvent représenter des tiroirs factice. La forme des pieds est inspirée d'un modèle imaginé par Bérain.

La commode vendue par Sotheby's est en bois précieux et marquèterie, et montée en laiton conformément à la prescription du Director. Le laiton a été doré à la laque. Elle est anonyme mais sa splendeur ne laisse pas de doute : elle a été faite par Thomas Chippendale.

Par chance cette commode n'avait pas d'ivoire. Dépouillée de cette matière désormais réglementée, une commode en acajou et ébène de style néoclassique est restée invendue à Christie's le 5 juillet 2018 sur une estimation basse de £ 3M.


Table à Ecrire à Porcelaines de Sèvres

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Sous le règne de Louis XV, l'artisanat est géré par les corporations dont les périmètres sont définis de façon très stricte. Les marchands-merciers sont les seuls qui puissent concevoir des meubles appelant plusieurs spécialités. L'ébéniste Cressent, qui voulait que ses bronzes soient préparés dans son atelier, a été désavoué. La décoration des meubles avec des plaques en porcelaine de Sèvres est une spécialité du marchand-mercier Simon-Philippe Poirier. 

L'ébéniste Joseph Baumhauer, dont la marque est limitée à son prénom, réalise des meubles avec des formes simples, embellies de métal, pierres dures, bronzes finement ciselés et panneaux de laque. Il est spécialiste du luxe et habilité par la cour, et sa production est peu abondante.

Les meilleures plaques en porcelaine de Sèvres sont marquées d'un code correspondant à l'année, qui aide aujourd'hui à dater les meubles qu'elles ornent.

Un bureau plat est assemblé par Joseph avec des porcelaines de date H pour 1760. Trois autres exemplaires de ce modèle sont connus. L'un d'eux a été vendu pour € 6,9M incluant premium par Artcurial le 13 décembre 2005 sur une estimation basse de € 800K.

Cette table 76 x 114 x 58 cm est estampillée par Joseph. Elle est en placage de bois de rose et amarante et ouvre à trois tiroirs en face avant. Elle est décorée sur tout son pourtour avec 24 plaques en porcelaine de Sèvres ornées de fleurs polychromes. Un tiers des plaques portent la lettre K pour 1763. La décoration est complétée par des bronzes dorés.

Le comte de Cobenzl, diplomate et homme de confiance de l'impératrice Marie-Thérèse d'Autriche, était un client de Poirier. Le bureau vendu par Artcurial est probablement la "table à écrire incrustée de porcelaine de Sèvres" qui est listée dans son inventaire après décès.

23 août 2020

Bureau-Bibliothèque par Christopher Townsend

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Appartenant à la communauté Quaker de Newport RI, Job et Christopher Townsend s'établissent comme charpentiers en 1723 et pratiquent aussi la menuiserie. A cette époque Newport a besoin de prendre son indépendance économique et religieuse par rapport à Boston. Les deux frères deviennent ébénistes.

Ils travaillent ensemble. La plus ancienne référence à leur nouvelle activité est une lettre de Christopher  décrivant en 1733 un bureau-bibliothèque que Job vient de vendre. Pendant près d'un siècle, cette famille, étroitement liée aux familles Goddard, Casey et Spencer, réalisera des meubles en acajou de très haute qualité.

L'attribution est difficile. Une seule pièce connue, qui est aussi un bureau-bibliothèque, porte l'étiquette de Job Townsend. La signature de Christopher Townsend, précédemment inconnue, a été découverte en 1998 sur un autre bureau-bibliothèque qui était en France depuis près de deux siècles. Sa traçabilité est parfaite : il avait été fourni à un ministre de Cambridge MA et exporté vers 1800 par son petit-fils chargé d'une mission diplomatique permanente en France.

Ce meuble en superbe condition est typique du meilleur savoir-faire des ébénistes Américains des années 1740. Il a été monté en argent marqué par un très jeune orfèvre nommé Samuel Casey qui a établi son affaire en 1745 à Exeter RI après un apprentissage à Boston. C'est le seul cas connu d'un meuble américain avec des poignées en argent massif. Il a été vendu pour $ 8,3M incluant premium par Sotheby's le 16 janvier 1999.

Table à Thé par John Goddard

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Appartenant à la seconde génération de la famille d'ébénistes Townsend-Goddard installée à Newport RI, John Goddard réalise des meubles en acajou avec une très grande finesse de ciselure. Non loin de là, à Providence RI, les quatre frères Brown, travaillant en partenariat jusqu'en 1771, font fortune dans le commerce maritime.

Les mariages sont une opportunité pour acquérir des meubles. Les transactions entre John Brown et John Goddard, en 1760, sont documentées par un reçu listant toute la marchandise commandée et par un rapport d'avancement.

Cette fourniture incluait une table à thé à bords chantournés. En 1763 deux autres tables sont documentées par Goddard dans des lettres similaires, l'une pour un proche collaborateur des Quatre Browns et l'autre pour un de leurs cousins. Ces livraisons dans un cercle de clientèle étroit laisse supposer une exclusivité du modèle.

En 1762 Nicholas Brown, le chef de famille, se marie à son tour. Il commande sa table. Un an plus tard le plus jeune des frères réprimande John Goddard pour avoir fait passer d'autres priorités. La table est livrée à Nicholas à l'automne 1763. Satisfait de cette acquisition, Nicholas Brown fait faire une réplique de ce meuble deux ans plus tard. Celle-ci n'est pas documentée mais la conformité presque parfaite de la copie la fait attribuer à l'entourage de John Goddard.

Les deux tables étaient restées dans la descendance de Brown, ensemble pendant trois générations puis à nouveau réunies en 1970. La table fournie par Goddard, dans un remarquable état de conservation, a été vendue pour $ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 22 janvier 2005, lot 809. La réplique a été vendue pour $ 910K incluant premium par Sotheby's le 21 janvier 2017.

22 août 2020

Un Bureau-Bibliothèque du Rhode Island

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Le style Block and Shell, désignant les ornements des tiroirs, apparaît vers 1755 à Newport RI dans les meubles de la dynastie Townsend-Goddard. Les maîtres de la seconde génération sont John Townsend et John Goddard.

Le style Chippendale succède au Queen Anne. John Goddard est probablement le premier à réaliser des bureaux-bibliothèques qui sont une adaptation du Block and Shell au Chippendale. Ces meubles ne sont pas signés et très difficiles à attribuer à l'un ou l'autre des ébénistes de cette famille. Neuf exemples dans le design à six coquilles ont survécu, tous en acajou.

Les frères Brown étaient de riches marchands et hommes d'état de Providence RI, impliqués dans le commerce des esclaves et la contrebande. Un bureau-bibliothèque dans le style de Newport ayant appartenu à John Brown, 272 × 113 × 64 cm, est conservé à Yale University. Le meuble ayant appartenu à Nicholas Brown, 287 × 108 × 64 cm, est très similaire. Il était resté dans la descendance directe de son premier propriétaire et a été vendu pour $ 12M incluant premium par Christie's le 3 juin 1989.

Pour l'attribution de ces deux meubles, il a été remarqué que Daniel Spencer, neveu de John Goddard, avait quitté Newport et établi un atelier de fabrication de cabinets et chaises à Providence en 1772. Le terminus ante quem est son emprisonnement pour dettes en 1785. Il termina sa carrière dans le Kentucky.



L'Autoportrait Repeint de Rembrandt

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Une photo prise en 1935 montre le portrait ovale d'un jeune homme dans un faux-cadre peint. Le personnage est habillé à la mode russe du XVIIème siècle, avec un très haut chapeau rouge. Cette oeuvre n'est pas majeure mais elle suscite la curiosité du collectionneur qui parvient à faire réapparaître un béret à la place du chapeau.

Vers 1966 un nouveau propriétaire reprend l'investigation. Les attributs russes lui semblent incongrus. Il enlève les boucles d'oreilles et raccourcit la moustache, la barbe et les cheveux.

En 1995 le chef du Rembrandt Research Project est informé et recommande une investigation supplémentaire, qui est commencée quatre ans plus tard par Sotheby's. La qualité d'exécution de la partie basse du visage est très supérieure au reste de l'image, suggérant une oeuvre du maître. 

Le minutieux retrait par pelage des couches repeintes révèle le contraste de lumière sous le béret, typiques de Rembrandt, et la signature du maître avec la date de 1634. Rembrandt est à nouveau reconnaissable sur cet autoportrait effectué à l'âge de 28 ans.

La signature et la date ont été peintes wet on wet, attestant d'une exécution rapide. Rembrandt a fait environ 80 auto-portraits pendant sa carrière, et ce thème est particulièrement prolifique dans la période qui suit son installation à Amsterdam en 1632.

Les peintures qui cachaient l'autoportrait sous les traits du tronie russe sont d'époque. Le comité Rembrandt retrouve trois autres autoportraits qui avaient été couverts par une intervention volontaire de son atelier, dont un repeint par sa propre main. Cette investigation fournit un élément inédit sur la pratique de Rembrandt : dans cette période, les autoportraits étaient destinés à la vente et les invendus étaient disponibles pour un nouveau travail.

Cet autoportrait a été vendu pour £ 7M incluant premium par Sotheby's le 10 juillet 2003. Les étapes de sa réhabilitation sont décrites et illustrées dans le communiqué de presse préparé par Sotheby's avant la vente. L'image est partagée par Wikimedia.

Rembrandt, Self-portrait with Shaded Eyes, 1634

21 août 2020

La Princesse du Taille-Crayons

En 1911 Edgar Rice Burroughs exerce la profession peu lucrative de marchand de taille-crayons. Il a du temps libre et lit les pulp magazines. Il dira en 1929 : "Si des gens sont payés pour écrire des inepties comme celles que je peux lire dans certains de ces magazines, je peux écrire des histoires aussi pourries."

Burroughs trouve aussitôt la triade qui plaira aux lecteurs : un héros idéal part au secours d'une femme sublime prisonnière d'un super-méchant. L'action se passe sur une autre planète, ce qui permet les fantaisies les plus extravagantes en matière de biomorphisme, de civilisation et de technologie. Le premier roman est Une Princesse de Mars, bientôt suivi de Tarzan qui assure son succès planétaire, voire même galactique.

Bien plus tard, Frank Frazetta prépare des couvertures pour les éditions en cours des romans et des magazines. Il aime passionnément son travail. Il parvient à récupérer de l'éditeur son Egyptian Queen, qu'il embellit par quelques retouches. Conservée par sa famille, cette oeuvre a été vendue pour $ 5,4M incluant premium par Heritage le 16 mai 2019.

Peinte en 1970 pour illustrer le chef d'oeuvre de Burroughs, A Princess of Mars met en scène la triade dans une ambiance interplanétaire. Le couple en pleine gloire est presque nu, avec des muscles puissants. La femme fière est devant l'homme qui brandit un immense sabre au-dessus de leurs têtes. Une créature mi-arachnide mi-anthropoïde meurt au premier plan sur une lune de Mars. La planète rouge est en arrière-plan

Frazetta comprend que Doubleday Publishing ne lui rendra pas son oeuvre. Il exécute pour son usage personnel une copie identique, qu'il embellira par la suite. Avec la même provenance que l'Egyptian Queen, cette huile sur toile 40 x 50 cm sera vendue par Heritage à Dallas le 10 septembre, lot 91010.


20 août 2020

Le Bucentaure par Canaletto

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Jusqu'à sa destruction par Napoléon en 1798, le Bucentaure est le symbole festif de Venise. Le jour de l'Ascension, depuis 1178, cette énorme galère d'Etat à deux ponts de 35 m de long et 8,5 m de haut propulsée par 168 rameurs convoyait le Doge et les plus hauts dignitaires. Le Doge bénissait la mer et jetait un anneau d'or dans l'Adriatique. Le reste de l'année, le bateau restait à l'Arsenal.

Contrairement à son prédécesseur Carlevarijs, Canaletto n'est pas intéressé par les célébrations officielles. Il préfère observer la vie de tous les jours dans toute la variété des costumes et des occupations de cette ville cosmopolite. L'ambiance de l'Ascension est très spécifique et il ne dédaigne pas le sujet, mais le Bucentaure, bien que parfaitement reconnaissable, est toujours loin derrière le quai animé et les gondoles bien chargées.

Le 6 juillet 2005 au lot 20, Christie's a vendu pour £ 11,4M incluant premium sur une estimation basse de £ 4M une vue prise depuis la Riva degli Schiavoni, dans la lumière superbe de la fin de journée, avec le Bucentaure accosté au Môle. 

Cette huile sur toile 152 x 138 cm a été peinte vers 1754. Canaletto, installé à Londres depuis 1746, a certainement répondu à une demande spécifique d'un aristocrate anglais qui en sera le premier propriétaire. La toile est restée dans son cadre d'époque de style anglais, ciselé, ajouré et doré.

L'image est partagée par Wikimedia.

Canaletto - Venice, Bacino di San Marco on Ascension Day

19 août 2020

My Lonesome Cowboy par Murakami

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Otaku est la culture factice par laquelle les Japonais s'adonnent sans limites aux mangas et aux jeux vidéo, ignorant délibérément le monde réel. Takashi Murakami perçoit une similitude entre l'Otaku et le Pop Art américain, et tout particulièrement avec la dérive pornographique de Warhol.

En 1996 Murakami crée une société de production pour éditer son art. Il la nomme la Hiropon Factory. Factory est ici une référence directe à l'atelier de Warhol, et Hiropon est un mot d'argot japonais signifiant héroïne (la drogue). Cette entreprise sera incorporée en 2001 sous le nom de Kaikai Kiki.

Sous prétexte de dévoiler la sexualité sous-jacente à l'Otaku, Murakami crée aussitôt une triade de personnages grandeur nature en fibre de verre, chacun édité en trois exemplaires et une ou deux épreuves d'artiste. Chaque exemplaire est peint par l'artiste à l'huile et acrylique. Les couleurs varient, comme fait Koons pour ses Celebrations. L'influence de la Pink Panther de Jeff Koons sur ce groupe apparait d'ailleurs comme évidente.

Miss ko² est la première à apparaître. Elle est accueillante, habillée comme une soubrette de la chaîne de restaurants Anna Miller. Le titre est aguichant : Ko désigne les futures geishas avant leur maturité sexuelle. Un exemplaire a été vendu pour $ 6,8M incluant premium par Phillips le 8 novembre 2010 et pour $ 3,1M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2019.

La triade est complétée par le couple occidental obscène, avec respectivement le lait et la semence qui jaillissent en lasso autour du corps du personnage. La femme presque nue à la poitrine hypertrophiée est Hiropon. Un exemplaire a été vendu pour $ 430K incluant premium par Christie's le 15 mai 2002.

L'homme nu n'a pas de nom mais cette figure de 2,54 m de haut éditée en 1998 est intitulée My Lonesome Cowboy par récupération du titre du film pornographique Lonesome Cowboys réalisé par Warhol en 1968. Un exemplaire a été vendu pour $ 15,2M incluant premium par Sotheby's le 14 mai 2008 sur une estimation basse de $ 3M, lot 9.


Portrait d'une Vieille Femme par Rembrandt

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En 1631 Rembrandt Harmenszoon van Rijn commence à être connu. Ses clients ne sont plus en majorité à Leyde mais à Amsterdam. Le marchand d'art Hendrick van Uylenburgh l'héberge et lui fournit un atelier dans la ville la plus riche du monde.

Ainsi libéré des contraintes matérielles, Rembrandt peut dès lors se consacrer à son art. 1632 est une année à la fois prolifique et expérimentale. Il commence à vendre des auto-portraits, probablement pour mieux s'introduire auprès des riches clients de van Uylenburgh.

Le principal talent de Rembrandt est dans le réalisme expressif des portraits. La lumière est centrée sur le visage et s'estompe à la périphérie de l'image. Le jeune artiste expérimente le format ovale qui réduit élégamment les coins sombres. Il semble que les panneaux ovalisés aient précédé les faux cadres peints sur des panneaux rectangulaires.

Le 13 décembre 2000, Christie's a vendu le portrait d'une vieille femme pour £ 20M sur une estimation basse de £ 4M, lot 52. L'image est partagée par Wikimedia. Le biseautage de ce panneau 74 x 56 cm atteste que l'image était ovale dès l'origine.

Le portrait est signé van Ryn avec le monogramme RHL qui marque les initiales de son prénom et son installation précédente à Leyde. L'artiste n'a pas encore trouvé le meilleur moyen de s'identifier : la même année, il signe parfois avec la version simplifiée Rembrant de son prénom.

La peinture est datée 1632. La femme n'est pas identifiée, ce qui atteste que le portrait avait été peint à l'usage de sa famille. Son âge est indiqué : 62 ans.

Dans ce portrait à mi corps, Rembrandt utilise le rembourrage des épaules pour montrer que la femme est frêle et menue. Le regard et le sourire sont un peu fatigués. La coiffe est un accessoire indispensable pour une bourgeoise de ce temps.

Après recherche parmi l'entourage de l'artiste, cette personne ne peut être qu'Aeltje Sylvius née van Uylenburgh, une cousine du marchand Hendrick. Elle et son mari apparaissent aussi sur d'autres peintures. Rembrandt épousera en 1634 sa nièce Saskia van Uylenburgh.


Rembrandt Portrait of a 62-year-old Woman

18 août 2020

Un Kard Moghol

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Rien n'est trop beau pour les empereurs Moghol de l'Inde. Le prince Salim, qui succède à Akbar, est connu sous le nom de Jahangir qui signifie le possesseur du monde. Le plus compétent de ses fils, qui lui succède en 1628 CE après une courte guerre civile, prend aussitôt le nom de règne de Shah Jahan, le roi du monde.

Le 19 juin 2019, Christie's a vendu au lot 387 pour $ 3,4M incluant premium sur une estimation basse de $ 1,5M un kard qui atteste du caractère cosmopolite de l'art Moghol.

Le kard est un couteau de ceinture à lame droite, avec une poignée mais sans garde. L'exemple vendu par Christie's a 30 cm de long incluant la lame en acier trempé et une poignée de 11 cm. Les incisions d'or sur le dos de la lame sont de style persan.

La poignée est d'un type extrêmement rare, qui n'a pas livré ses secrets. Elle est en jade vert très pâle, que les Moghols importaient de Chine. Son terminal servant de pommeau est une tête sculptée en ronde bosse, avec une fraise. Cette tête est inhabituelle dans l'art Hindou mais correspond au goût des Européens, qui ne travaillaient pas le jade.

Une tête humaine au-dessus du fourreau d'une dague apparaît sur une image posthume de Jahangir, montrant le prince avant son accession au trône. Un attribut similaire existe aussi sur une image remémorant la jeunesse de Shah Jahan. Rien ne permet de supposer que la lame et la poignée aient été préparées en même temps. On retiendra l'hypothèse d'un assemblage réalisé dans la phase de transition entre ces deux empereurs. La couleur du jade semble cohérente avec cette hypothèse.

La physionomie réaliste du personnage d'apparence juvénile laisse supposer qu'il était suffisamment cher à un haut dignitaire Moghol, peut-être un empereur, pour qu'il l'exhibe à sa ceinture. Aucune hypothèse n'est proposée concernant son identité. Je suggère qu'il s'agit du portrait posthume d'un frère ou d'un fils d'un empereur. La fraise est inexpliquée.


17 août 2020

Le Service à Marli Rouge

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Napoléon I a besoin de résidences impériales pour que son prestige soit visible de toute l'Europe. En avril 1807 il ordonne par décret la remise en état du palais de Compiègne. La Manufacture Impériale de Sèvres reçoit des commandes pour des services en porcelaine.

Cette vaisselle est prête en octobre 1809, mais les préoccupations de l'empereur ont changé. Compiègne a servi à héberger pendant quelques mois le roi d'Espagne que Napoléon vient de destituer, et l'empereur s'apprête à divorcer de sa chère Joséphine, incapable de lui donner un héritier. Les services sont livrés à Fontainebleau.

Le service à dessert est désigné comme "fond rouge, papillons et fleurs" dans les archives de Sèvres, et plus communément comme le "service à marly rouge". Le marli, anciennement orthographié marly, désigne la couronne en pente d'une assiette.

Ce grand service daté de 1807 à 1809 était composé à l'origine de 180 assiettes décorées d'un papillon au centre ainsi que d'une couronne de fleurs dans une bande circulaire, 36 petites assiettes à fruits, 16 compotiers en deux modèles, 4 bols, 4 sucriers, 4 seaux à glace en deux modèles, et 8 paniers en deux modèles également. Les pièces de forme incluent des détails d'animaux : pied de dauphin, tête d'aigle, tête d'éléphant, aiglon sortant de l'oeuf.

Napoléon a emporté ce service dans son exil à l'île d'Elbe. En 1829 il est donné en cadeau de mariage par l'ancien roi Jérôme à son fils. Il sera dispersé au XXème siècle. Des sous-ensembles apparaissent parfois aux enchères. Un lot de 12 assiettes a été vendu pour £ 81K incluant premium par Bonhams le 5 juillet 2018.

Abby Aldrich Rockefeller possédait 22 pièces acquises vers 1940. Cet ensemble constitué de 12 assiettes, 6 compotiers, une glacière, deux sucriers et un bol a fait surface dans la collection de son fils David vendue par Christie's le 9 mai 2018. Il a été vendu pour $ 1,8M incluant premium sur une estimation basse de $ 150K, lot 118.

Les Pistolets de Bolivar

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Le 17 novembre 2004, Christie's a vendu au lot 60 une paire de pistolets à silex pour $ 1,7M incluant premium sur une estimation basse de $ 600K. Ce coffret est un intéressant témoin à la fois du tout début et de la phase finale de la carrière d'El Libertador, Simon Bolivar.

Ces armes sont décorées sans être des pièces de présentation. Elles portent la marque de Boutet et de la Manufacture de Versailles ainsi qu'une inscription d'un contrôleur qui a travaillé pour Boutet de 1804 à 1806. Le couvercle du coffret porte une plaque en argent marquant le don par Manuela Saenz à Richard Illingworth à Bogota le 1er juin 1830 de "esta caja de pistolas por haver sido esta del uso del Libertador".

Bolivar arrive à Paris en 1804. Originaire de la grande bourgeoisie de Caracas, le jeune veuf âgé de 21 ans veut se changer les idées et trouver sa place dans la société. Des armes à feu seront utiles en cas de duel. Il admire l'ascension fulgurante de Napoléon Bonaparte. Face à la décadence politique de l'Espagne, seule l'indépendance permettra à l'Amérique du Sud d'échapper à une domination française ou anglaise.

Les succès militaires de Bolivar ont été exceptionnels mais sa Grande-Colombie est trop disparate et il est malade. Sa démission, offerte le 20 janvier 1830, est acceptée le 4 mai. Il quitte Bogota le 8 mai. Sa maîtresse et très active collaboratrice Manuela dispose de ses affaires sur ses instructions. Richard était l'assistant qui gérait ses dettes.

Il apparaît de la plus haute probabilité que cette paire de pistolets a été achetée neuve par Bolivar à Paris entre 1804 et 1806. Les armes connues pour avoir appartenu à Bolivar sont très rares, et la correspondance des dates n'est pas un hasard. Boutet avait un local à Paris à proximité de l'hôtel où résidait Bolivar.

La volonté finale de Bolivar d'honorer ses plus fidèles collaborateurs est attestée par un autre exemple. La paire de pistolets montés en argent, également par Boutet, qu'il avait reçue en cadeau de Lafayette en 1825, a été donnée par lui à un ami qui l'aidait financièrement. Cette paire a été vendue pour $ 1,8M incluant premium par Christie's le 13 avril 2016.


15 août 2020

Triade Bouddhiste des Wei du Nord

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Les Wei du Nord étaient d'origine étrangère. Au pouvoir dans le nord de la Chine depuis 386 CE, ils avaient conduit un très long processus de sinisation. Après avoir été persécuté par cette dynastie, le Bouddhisme est reconnu comme religion d'état pendant le règne de l'empereur Xuanwu.

La mort de Xuanwu en 515 CE ouvre une longue période de guerres civiles pendant lesquelles la personnalité dominante est sa veuve l'impératrice douairière Hu. Encore plus zélée que Xuanwu, Hu fait construire de gigantesques sanctuaires Bouddhistes autour de la capitale Luoyang. Ces temples sont peuplés d'innombrables figures d'autel en bronze doré ou en pierre, pour lesquelles une perfection sans précédent est exigée. Beaucoup d'entre elles portent la date de leur consécration.

Bouddha est le personnage principal, souvent flanqué par deux bodhisattvas plus petits. Le groupe en ronde bosse est positionné devant une mandorle centrée d'une auréole radiante. La technique de ciselure de la pierre est inspirée des schistes du Gandhara mais les détails figuratifs sont différents avec une grande attention apportée à l'amplitude des longues robes.

Une triade en marbre haute de 61 cm, remarquablement conservée, a été vendue pour $ 5,8M incluant premium par Christie's le 15 mars 2017 sur une estimation basse de $ 600K, lot 529 dans la vente de la collection du Fujita Museum.

Cette pièce est datée de la seconde année de Xiaochang, la quatrième ère de l'empereur enfant Xiaoming, correspondant à 526 CE. Les trois personnages ont les yeux mi-clos et le sourire apaisant. Bouddha a une main levée et l'autre baissée, dans le geste bénissant de l'abhayamudra et du varadamudra. Devant chacun des bodhisattvas figure un lion assis rugissant. La pointe de la mandorle est manquante.


Portrait de Soliman

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Mehmed le Conquérant, le septième Sultan de l'empire Ottoman, n'a pas respecté l'obligation iconoclaste de l'Islam. En 1479, pour célébrer le traité de paix avec la République de Venise, il souhaite que son portrait soit peint dans la tradition occidentale par le meilleur artiste Vénitien. Gentile Bellini effectue cette mission pour la plus grande satisfaction du Sultan. Son image sera aussi utilisée comme cadeau diplomatique.

Cette mission génère une sorte de frustration quand le successeur de Mehmed revient à l'iconoclasme. Les riches marchands Vénitiens qui profitent de la nouvelle expansion Ottomane aimeraient bien savoir à quoi ressemble le "patron". 

Une nouvelle ère s'ouvre en 1520 avec l'arrivée au pouvoir de Soliman. Agé de 26 ans, il a des ambitions mondiales et beaucoup de talents. Il tiendra ces promesses : son règne de 46 ans fut l'apogée de la culture Ottomane et il a été surnommé "le Magnifique" par les Occidentaux pour son activité de législateur.

Dès son avènement, un artiste non identifié a fait un portrait de Soliman de profil dans le style de Bellini, probablement sans avoir l'autorisation formelle du sultan. Cette image a été réutilisée en 1526 en Europe après la victoire de Soliman contre les Hongrois à la bataille de Mohacs.

Une huile sur panneau 33 x 28 cm portant l'inscription latine Suleiman Turchorum Imperator Maximus pourrait bien être la version originale de ce portrait. Elle a été vendue par Sotheby's le 1er mai 2019 pour £ 5,3M incluant premium sur une estimation basse de £ 250K, lot 129.


14 août 2020

Canterbury Tales imprimé par Caxton

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William Caxton voyage au service d'Edouard IV.  Sa fonction est à la fois diplomatique et commerciale, et il est nommé en 1462 gouverneur de la Company of Merchant Adventurers of London, agissant en Flandres.

Il est un très important promoteur de la littérature en anglais, faisant lui-même de nombreuses traductions de textes profanes. Il comprend l'utilité culturelle de l'imprimerie au cours d'une visite à Cologne en 1471. Il transfère aussitôt une presse à imprimer à Bruges. Traduit du français par Caxton et imprimé en Flandres en 1473, le Recuyell of the Historyes of Troye est le tout premier incunable en langue anglaise. Un exemplaire a été vendu pour £ 1,08M incluant premium par Sotheby's le 15 juillet 2014.

Quand Caxton revient à Londres en 1476, son nouveau savoir faire est très attendu. Il installe à Westminster une presse à imprimer, la première de son genre en Angleterre.

Sa passion pour la littérature anglaise est exacerbée par cette possibilité de diffusion. Il est un grand admirateur de Chaucer, qu'il publie sans recourir à des commanditaires. Le chef d'oeuvre de Chaucer, les Contes de Canterbury, devient en 1477 le premier chef d'oeuvre de l'imprimerie anglaise. Ce travail est d'autant plus méritoire que Caxton s'est plaint plus tard de la mauvaise qualité littéraire du manuscrit à sa disposition.

Environ dix exemplaires de cette édition princeps ont survécu, plus trois importants fragments. La seule copie complète est l'exemplaire du roi George III, conservé à la British Library. L'exemplaire enluminé conservé à Oxford a été complété.

Le 8 juillet 1998 au lot 2, Christie's a vendu pour £ 4,6M incluant premium le seul exemplaire en mains privées, qui est également un des plus complets avec seulement 4 feuilles manquantes.

13 août 2020

Le Maillot Team Canada de Paul Henderson

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En 1972 les Soviétiques prétendent être les champions suprêmes du hockey sur glace, parfois menacés par les Tchécoslovaques. Les Canadiens ne sont pas d'accord : leurs équipes professionnelles ne sont pas admises dans les tournois d'amateurs. 

Les Soviétiques acceptent le défi. Les matchs entre les deux équipes nationales ont lieu en septembre, d'abord quatre au Canada puis quatre à Moscou, sous le nom de Summit Series.

Les deux équipes sont du meilleur niveau et le huitième match est décisif. Les Soviétiques ont marqué plus de buts et un match nul leur suffit pour remporter la série. Le score de 5-5 leur est donc favorable. La tension monte. 34 secondes avant la fin du match, Paul Henderson marque le but de la victoire pour le score final de 6-5.

Le maillot rouge et blanc numéro 19 porté par Henderson pour les quatre matchs joués en Russie, incluant bien sûr le but triomphal, a été vendu pour $ 1,27M incluant premium par Classic Auctions le 22 juin 2010. Voici le lien vers le compte-rendu de la vente par ESPN.

12 août 2020

Qian Long Yu Bi Zhi Bao

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Grand amateur à titre personnel de toutes les formes de littérature et d'art, l'empereur Qianlong apposait un sceau sur l'oeuvre qu'il venait de consulter. Pour les pièces qui ne méritaient pas la création d'un poème spécifique, le choix du sceau permettait de connaître le degré de satisfaction de l'empereur.

L'un des plus prestigieux était le Qian Long Yu Lan Zhi Bao, signifiant Le trésor attentivement examiné par l'empereur Qianlong. Par exemple, le rouleau du Banquet de la Victoire, vendu pour € 6,1M incluant premium par Christie's le 22 novembre 2005, avait été récompensé de cette marque.

Encore plus haut dans cette hiérarchie, il y avait le Qian Long Yu Bi Zhi Bao, le Trésor du pinceau impérial de Qianlong, réservé aux peintures et calligraphies réalisées par l'empereur lui-même. Cette marque équivalait à une signature.

Le 14 décembre 2016, la maison de ventes Pierre Bergé et Associés a vendu pour € 21M incluant premium un sceau Qian Long Yu Bi Zhi Bao. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Hôtel Drouot.

Ce grand sceau 10,5 x 10,5 cm d'une hauteur totale de 9 cm a été fait en stéatite beige et rouge de Shou Shan. Sa décoration est une oeuvre d'art chargée de symboles.

La partie supérieure, 5 cm de haut, montre un noeud de pas moins de neuf dragons étroitement enlacés pour poursuivre la perle sacrée, bien visible et accessible en plein milieu du groupe. Cette figure symbolise l'autorité impériale à son plus haut niveau. Elle surmonte une base sculptée de 4 cm de haut constituée d'une frise de dragons stylisés dans le style archaïque.


Goudron et Plumes par Basquiat

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Après son expérience artistique à Modène au printemps 1981, Basquiat revient sous influence New Yorkaise. Son installation temporaire dans le sous-sol d'Annina Nosei commence en septembre.

Petit à petit, le militantisme contre les conditions de vie humiliantes des Afro-Américains devient son thème majeur. Pollo Frito, inspiré par l'esclavage dans les Etats du Sud, est inclus dans l'exposition à la Galerie Nosei en mars-avril 1982. Cette oeuvre a été vendue pour $ 25,7M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2018.

Basquiat part aussitôt après pour Los Angeles. Il a beaucoup d'idées, travaille vite et est incontestablement inspiré par la Californie. Cette opportunité lui permet d'expérimenter les techniques plus complexes du mixed media.

L'exposition à la galerie Gagosian à Los Angeles avec le support de Nosei en avril-mai 1982 inclut déjà ses premiers chefs d'oeuvre de cette nouvelle phase, dont deux oeuvres formant pendant sur le thème du goudron et des plumes.

Les deux oeuvres n'ont pas de titre défini par l'artiste et sont identifiées par leur couleur dominante : Yellow Tar and Feathers, et Black Tar and Feathers. Avec une intention narrative qui fait suite au Pollo Frito, l'artiste sépare chaque oeuvre en deux registres. Il n'utilise plus la toile mais le bois sur lequel il peut coller à volonté des photocopies de dessins et engluer d'ignobles masses de plumes dans la peinture.

La version jaune, 245 x 230 cm, a été vendue pour $ 26M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013, lot 10. Comme dans le Pollo Frito, elle intègre pas mal de subtilités dont certaines ne sont identifiables que par les initiés.

A gauche du registre supérieur, un sac difforme porte l'inscription TAR juste à côté d'un lynchage, l'autre type de sévices abjects traditionnellement infligés aux Nègres. Un peu plus loin, un des trois personnages a la tête de Harry Geldzahler, le gourou blanc de cet art moderne New Yorkais que Basquiat vient de fuir.

11 août 2020

Untitled à la Couronne d'Or par Basquiat

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Dès qu'il peut travailler dans le sous-sol d'Annina Nosei en 1981, Jean-Michel Basquiat rassemble les éléments de sa mythologie personnelle. Un acrylique, oilstick et émail pulvérisé sur toile 173 x 262 cm est typique. Le personnage est un guerrier africain à l'état brut qui brandit un énorme glaive et une poignée de flèches ou d'éclairs radiants. Cette oeuvre a été vendue pour $ 35M incluant premium par Christie's le 13 mai 2014.

Le 12 novembre 2013, Christie's a vendu pour $ 29M incluant premium au lot 15 une version simplifiée de cette image. Tout aussi délicieusement terrifiante, cette acrylique et oilstick sur bois 183 x 122 cm peinte en 1982 pour Annina Nosei apporte une meilleure lisibilité du personnage, presque grandeur nature dans un environnement de couleurs plus vives.

Les principales caractéristiques biomorphiques sont conservées, comme la tête en forme de crâne et l'ouverture du torse sur les organes internes. Il est un chef tribal ou un champion afro-américain, avec une culotte de boxeur et des pieds gigantesques qui assurent la stabilité et le triomphe. La couronne à trois pointes est plus grande et dorée. Les yeux rouge sang sont remplacés par un placage doré.

Contrairement à l'exemple de l'année précédente, le personnage n'a plus besoin de tags pour transmettre son message. Les armes sont remplacées par un gigantesque fémur doré brandi comme un sceptre par ce roi de haute fantaisie. Il est à la fois vainqueur et victime, ridicule et autobiographique, en conformité avec l'humour cinglant de Basquiat à cette époque.

RPA ou RPP

L'intérêt des enchérisseurs pour les trading cards contemporaines est à la fois nouveau, intense et durable. Les caractéristiques de ce nouveau marché ne sont pas encore stabilisées.

Les deux cartes qui atteignent les plus hauts prix sont l'Upper Deck Exquisite Collection 2003-04 de LeBron James et la Refractor Topps 2009 de Mike Trout. Elles ont des points communs. Elles se rapportent à des joueurs dans leur rookie year. Les deux champions sont en activité. Les cartes sont des éditions de prestige avec des variantes, le tirage de la variante est identifié et chaque carte est sérialisée. Elles ont une différence notable : elles ne concernent pas le même sport.

L'Upper Deck Exquisite est composite, avec la photo du joueur, sa signature autographe et un petit morceau de son maillot. Les deux variantes RPA (Rookie Patch Autograph) et RPP (Rookie Patch Parallel) sont différenciées par la position de la pièce de tissu. Le RPA a été édité en 99 exemplaires et le RPP en 23 exemplaires.

Dans un état comparable, les collectionneurs et les investisseurs préféreront les séries les plus limitées. La carte rookie  RPP 14/23 de LeBron James qui a été vendue pour $ 1,85M incluant premium le 18 juillet 2020 par Goldin est gradée Gem Mint 9.5 par BGS. La répartition de l'évaluation est fournie par BGS : Centering: 9.5, Corners: 9, Edges: 9.5, Surface: 9.5.

La vente en ligne par Goldin à clore le 22 août inclut deux exemples de la même carte.

La RPP 16/23 est gradée NM/MT 8.5+ par BGS à cause de coins gradés à 8, compensés par un excellent centrage à 9.5. Elle a été vendue pour $ 264K incluant premium par Goldin en octobre 2019, lot 241. Listée au lot 20 de la prochaine vente, elle a déjà largement dépassé son prix de l'an dernier.

Moins de deux semaines avant la clôture de la vente, les enchérisseurs lui préfèrent la RPA 02/99, listée au lot 3. Elle est gradée Gem Mint 9.5 par BGS avec le détail Centering: 9.5, Corners: 9, Edges: 9.5, Surface: 10.

Tous les exemples ci-dessus ont des signatures autographes parfaites, gradées 10 par BGS.

 

10 août 2020

1947 Y No 2 par Clyfford Still

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Clyfford Still, qui fut un des principaux inventeurs de l'expressionnisme abstrait, mettait en scène des formes aux bords très déchiquetés. Sa pratique excluait toutefois la spontanéité. Son but était de transmettre une idée sur un thème unique qui était l'énergie transcendantale.

Pendant toute sa carrière, Still a protégé son oeuvre. Une peinture vendue faisait un manque dans l'enregistrement de sa propre créativité. Vingt ans avant de développer l'expressionnisme abstrait, il prenait déjà soin de créer des répliques. Les oeuvres qu'il gardait pour lui ont été parfaitement conservées.

Il ne faisait pas un secret de cette pratique, mais il n'a pas dévoilé la technique qu'il employait pour obtenir une copie parfaite, sans rien perdre de la violence apparente de la forme ni de la subtilité des couleurs.

Pour financer sa création, le Clyfford Still Museum a pris l'initiative astucieuse de proposer aux enchères quatre peintures du maître, qui ont été incluses dans la vente de prestige de Sotheby's le 9 novembre 2011. Les deux oeuvres majeures ont rapporté respectivement $ 62M incluant premium pour 1949-A-No.1, 236 x 200 cm, et $ 31,4M incluant premium pour 1947-Y-No.2, 177 x 150 cm, lot 12.

La référence 1947-Y-No.2 laisse suggérer que c'est une réplique. Effectivement elle est identique à 1947-Y-No.1, 174 x 150 cm, vendue pour $ 29M incluant premium par Sotheby's le 29 juin 2020, et à 1947-Y-No.3, 197 x 177 cm, conservée par le musée. Le catalogue de la vente Sotheby's de 2011 incluait une photo de 1951 montrant l'artiste devant le numéro 2 de la 1949-A.


Aston Martin Lightweight

Aston Martin a voulu concurrencer Ferrari sur un de ses terrains de prédilection, la berlinette GT. La stratégie consiste à alléger la DB4, sortie en 1958, pour créer une version "competizione". La DB4 GT sort en 1959, avec un gain de 85 kg. Sa version de base sera produite en 75 exemplaires.

Ferrari va aussi de l'avant, avec le nouveau châssis SWB de la 250 GT et la préparation de la 250 GTO. Pour maintenir la compétitivité de sa DB4 GT, Aston Martin engage une coopération avec Carrozzeria Zagato, le spécialiste des carrosseries légères.

Zagato retravaille l'aérodynamisme et supprime les équipements inutiles. La carrosserie toute en courbes harmonieuses est une splendeur. La DB4 GT Zagato est dévoilée au London Motor Show à la fin de l'année 1960. Elle pèse 1225 kg, ce qui fait 44 kg de moins que la DB4 GT de base.

Une des premières DB4 GT Zagato, faite en 1961, est estimée £ 7M à vendre par Gooding à Hampton Court le 5 septembre, lot 7. Elle a conservé son moteur d'origine. Voici le lien vers le communiqué de presse du 22 janvier (la vente, qui était prévue pour le 1er avril, a été reculée à cause de l'alerte sanitaire).

Un autre exemplaire de la même année, avec un historique de compétition en Australie, a été vendu pour $ 14,3M incluant premium par RM Sotheby's le 10 décembre 2015.

Le modèle est superbe mais il n'est pas compétitif face aux nouveaux développements de Ferrari. Le dernier espoir est un allègement supplémentaire, également confié à Zagato. Trois DB4 GT Zagato sont modifiées en 1962 sous la référence de spécification MP209. Une fois de plus les résultats ne sont pas suffisants. Une DB4 GT Zagato MP209 a été vendue pour £ 10M incluant premium par Bonhams le 13 juillet 2018. En tout, le beau coupé Britannique aura été construit en seulement 19 exemplaires.


9 août 2020

Prodrive en GT

Créé en 1997, le championnat GT de la FIA parvient tout d'abord à intéresser les constructeurs : Mercedes, Chrysler, Porsche. Il est divisé en deux catégories de puissance, GT1 et GT2. En 1999 les constructeurs sont évincés par de nouvelles règles, laissant la place aux préparateurs et aux privateers, et la GT1 est supprimée. L'appellation GTS qui est parfois utilisée prête à confusion avec cette ancienne désignation par Ferrari pour ses spiders.

En 2000 le promoteur Care Racing Development (CRD) demande au Britannique Prodrive de préparer des Ferrari pour la compétition GT. Ferrari coopère pour la réalisation en dix exemplaires d'un modèle Ferrari 550 GT1 Prodrive basé sur une 550 Maranello allégée, avec un nouveau chassis 550 GTS.

Ce projet est réussi. Construite en 2001, la seconde GT1 Prodrive, confiée depuis 2002 par CRD à BMS Scuderia Italia, accumule les victoires dans sa classe de 2003 à 2005, incluant une première place toutes catégories aux 24 heures de Spa en 2004 qui marque indirectement le retour très attendu de Ferrari à la victoire en GT.

Restée jusqu'à ce jour la propriété de CRD et certifiée par Ferrari Classiche, cette voiture est estimée $ 3,85M à vendre en ligne par RM Sotheby's le 15 août, lot 240.

Prodrive, créé en 1984, est devenu un intervenant majeur du business automobile et a racheté Aston Martin à Ford en 2007.

La Guitare Martin d'Elvis Presley

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Le rock and roll a de nombreux antécédents qui passionnent les ados de Memphis : rhythm and blues, gospel, country, bluegrass. Une sorte de compétition s'établit entre les influences blanches et africaines-américaines. Le Sun Studio sent bien qu'une synthèse est possible et organise des auditions.

En 1954 Elvis Presley a 19 ans. Il a le trac. Il a appris à jouer de la guitare, réinterprétant diverses ballades sans avoir les moyens d'utiliser un piano. Un auditeur de Sun Studio forme un groupe avec Elvis, un autre guitariste et un bassiste pour tenter une session d'enregistrements, en juillet. 

Cela ne donne rien. Tard dans la nuit, le patron s'absente et les trois garçons se défoulent. La scène est historique : What are you doing ?, dit l'auditeur à son retour. We don't know, répondent les trois gamins. C'est l'acte de naissance du rock and roll, dans lequel une gestuelle sautillante génère la nouvelle façon de chanter que Memphis attendait.

Elvis a encore la guitare de son adolescence, qui ne suffit évidemment pas pour ses nouveaux engagements. En novembre il apporte cet instrument à un marchand local, qui accepte de la prendre pour $ 8, la met immédiatement à la poubelle et vend au jeune musicien pour $ 175 une guitare C.F. Martin D-18 de 1942.

Pendant deux ans la Martin est l'instrument de travail quotidien d'Elvis Presley, qu'il utilise jusqu'à l'usure pour des enregistrements et sur scène, attestés par d'innombrables photos. Elle est la plus ancienne guitare survivante du King. Elle a été vendue pour $ 1,32M incluant premium par Gotta Have Rock and Roll le 1er août 2020. Un article a été préparé après la vente par Barnebys.

8 août 2020

Vitesse à Sebring

Kirk F. White est très actif en 1971. Il est vendeur de voitures à Philadelphie, spécialisé dans les Ferrari. Le 1er mai, il modernise les ventes aux enchères de voitures avec le format sous tente qui est restée jusqu'à ce jour la pratique la plus courante pour ces évènements.

Il participe aussi à des compétitions en tant que propriétaire de voitures. Le Cannonball run est une compétition illégale sans itinéraire fixe destinée à protester contre les limitations de vitesse sur les routes Américaines. Les amendes sont à la charge des compétiteurs. Le premier évènement, en novembre 1971 entre New York et la Californie, est gagné en moins de 36 heures par une Ferrari 365 GTB/4 équipée d'un moteur Traco, prêtée par White.

Il s'engage aussi dans les courses de prototypes avec une Ferrari 512M mais ses résultats sont médiocres et il opte pour la classe GT.

Ferrari n'a plus d'équipe de compétition en GT mais offre depuis 1969 une version compétition de la 365 GTB/4 Daytona pour concurrencer la Lamborghini Miura. White achète une 365 GTB/4 ordinaire de 1971. Pour préparer les 12 heures de Sebring en 1972, il fait transférer le moteur Traco dans sa nouvelle 365.

La démonstration à Sebring est concluante mais brève. Le modèle Daytona a globalement la réputation d'être la voiture de sport la plus rapide de son temps et la voiture de White domine la course pendant les trois premières heures. Le moteur Traco est trop puissant pour les boulons d'origine de la Ferrari et la transmission casse. Après cet échec, la voiture est rendue par White et ne sera plus engagée en compétition.

Cette Ferrari modifiée par un privateer est estimée $ 2,25M à vendre en ligne par RM Sotheby's le 15 août, lot 246. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


7 août 2020

Le California Spider Delon-Baillon

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La Ferrari 250 GT California Spider de chassis 2935GT est exposée en octobre 1961 au Salon de l'Auto à Paris. Elle est très élégante avec le nouveau châssis court SWB, désormais systématique pour ce modèle, et la rare option des phares couverts. L'acteur Gérard Blain l'achète une semaine après la fermeture du Salon.

Son second propriétaire est Alain Delon, qui l'utilise à Monaco et Los Angeles et est photographié avec elle en charmante compagnie : Jane Fonda, Shirley MacLaine, sa femme Nathalie. Delon la revend en 1965 avec 37 000 km au compteur.

Après plusieurs intermédiaires, la voiture est acquise en 1971 par Roger Baillon et son fils Jacques, entrepreneurs en carrosserie et transport par camions. En 1950, plus de dix ans avant les frères Schlumpf, Roger avait commencé à récupérer et restaurer des chefs d'oeuvre de l'automobile, en vue de créer un musée.

Baillon met la Ferrari en grange. Il ne l'utilise vraisemblablement pas, bien qu'il paye sa vignette jusqu'en 1975. La collection Baillon est secrète, en grande partie à cause de la faillite de l'entreprise. Quelques éléments de la collection sont saisis et vendus aux enchères près de Niort en 1979 et 1985. Les autres sont cachés.

Jacques Baillon meurt en 2013. Les héritiers ouvrent le hangar pour une expertise par Artcurial le 30 septembre 2014, créant ainsi la plus sensationnelle "sortie de grange" des temps modernes.

La préservation n'avait pas été homogène. Deux voitures avaient été préservées de l'humidité pendant ces quatre décennies, la Ferrari et une berlinette Maserati A6G 2000 Gran Sport. Sous sa couche de poussière, la Ferrari est en matching numbers, avec une carrosserie intacte à l'exception du coffre qui a plié sous des piles de magazines, et avec sa sellerie et sa documentation d'origine.

Artcurial organise la vente à Paris le 6 février 2015, avec un battage médiatique autour de l'ancienne appartenance de la Ferrari à Delon. Les connaisseurs ne s'y trompent pas : cette Ferrari est un California Spider intouché. Estimée € 9,5M, elle est vendue pour € 16,3M incluant premium, lot 59. La Maserati est vendue pour € 1,96M incluant premium. Dans un état proche de l'effondrement, une exceptionnelle Talbot Lago T26 Grand Sport par Saoutchik a été vendue pour € 1,7M incluant premium.


Le Fils du Concierge par Modigliani

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Les jeunes artistes étrangers qui s'installent à Paris n'avaient pas prévu la guerre. Zborowski, lui-même arrivé de Pologne vers 1910, prend leur destin en mains. Zbo et sa femme organisent en avril 1918 l'exode à Cagnes-sur-Mer de Modigliani avec son amie Jeanne et la mère de celle-ci, Foujita et son épouse Fernande, et Soutine.

Le groupe travaille pour Zbo, et chacun expérimente de nouveaux thèmes ou de nouveaux styles. Soutine transfère ses déséquilibres sur le paysage. Foujita rencontre le vieux Renoir. 

Modigliani observe les classes populaires de la Côte d'Azur, et s'intéresse particulièrement à la fraîcheur psychologique des enfants.

Les attitudes sont stéréotypées. Le modèle prend la pose sagement assis sur une chaise, les mains jointes, et regarde droit devant lui. Les moins timides ont la tête penchée et le regard plus vif. La variété des visages démontre l'intention d'un réalisme stylisé. Ils ont en commun avec les femmes nues de Montparnasse de susciter auprès de l'artiste une empathie forte mais temporaire.

Le Fils du Concierge est identifié par sa fonction. Il est le jeune fils du gardien de la villa où Modigliani réside. Cette huile sur toile 92 x 60 cm peinte en 1918 a été vendue pour $ 31M incluant premium par Sotheby's le 7 novembre 2006 sur une estimation basse de $ 14M, lot 38. L'image est partagée par Wikimedia.

Deux autres portraits de la même année dans le même format ont été vendus par Sotheby's. L'un d'eux, montrant un garçon sensiblement du même âge, a été vendu pour £ 18,4M incluant premium le 19 juin 2019. Garçon à la veste bleue a été vendu pour £ 6,2M incluant premium le 21 juin 2004.

Amedeo Modigliani - Le Fils du Concierge

6 août 2020

On the Road par Kerouac

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Jack Kerouac est le père fondateur de la Beat generation, qu'il définit comme un groupe d'enfants sur la route qui parlent de la fin du monde. Il ne trouvera jamais la solution pour sa propre vie. Il est tiraillé entre ses envies de découverte par le voyage et les retours auprès de sa maman. Son rejet de la société conventionnelle, son sac à dos et ses pulsions mystiques inspireront les beatniks et les hippies.

Sa boulimie de lecture se transforme en une frénésie d'écriture autobiographique, avec laquelle il met en scène sous des pseudonymes ses compagnons de route, de drogue, d'alcool et de relations homosexuelles ou hétérosexuelles. En 1948 il trouve un titre pour ses "notes de voyage" : On the Road.

En décembre 1950 Neal Cassady lui envoie la Joan Anderson letter, un récit exacerbé déclenché par la tentative de suicide d'une petite amie. Cassady a tapé 16 000 mots sur un total de 18 pages, d'affilée, sans ponctuation, sans chapitre, réalisant le vieux rêve de Breton d'une prose spontanée alimentée par les sentiments.

La version finale d'On the Road est inspirée pour le style par la lettre Anderson, avec bien plus d'emphase. Elle est écrite sur du papier semi-transparent dont on saura bien plus tard que Kerouac l'a récupéré après le suicide d'un ami. Il attache les feuilles bout à bout comme pour former une route sans fin qui se déroule dans sa machine à écrire, sans ponctuation et sans paragraphes.

Kerouac travaille sans interruption du 2 au 22 avril 1951 à ce roman sans précédent. Le résultat est un document de 36,50 m de long et 23 cm de large, avec de nombreuses révisions manuscrites. Le format peut être comparé au rouleau autographe 12,10 m x 11,3 cm des 120 Journées de Sodome par Sade.

Le tapuscrit d'On the Road a été vendu pour $ 2,43M incluant premium par Christie's le 22 mai 2001, lot 307. Le segment final est manquant parce qu'il avait été mâché par le chien d'un ami, selon une note autographe de l'auteur. Une photo d'une exposition en 2012 à Paris est partagée par Wikimedia avec crédit d'auteur..

Kerouac n'a jamais été en phase avec son temps. Ses amis beats lui reprochent son refus d'engagement politique, qui semble effectivement en contradiction avec son rejet de la société. On the Road est refusé par les éditeurs jusqu'en 1957. Découragé par l'incompréhension, Kerouac est encore plus désarçonné par la reconnaissance. Il meurt d'une cirrhose en 1969, devenant pour toujours le symbole de ce nomadisme moderne qu'il avait lancé dans sa pathétique fuite en avant.

Jack Kerouac's a piece of the roll On The Road

AB Courbet par Richter

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En 1986 Gerhard Richter redéfinit l'art abstrait. Son innovation n'est pas seulement l'utilisation du rateau mais bien la conjonction de ce nouvel outil avec le pinceau et le couteau. En mêlant des impastos et les voiles transparents, l'artiste crée des effets de miroitement tout en utilisant toute la gamme des couleurs.

Abstraktes Bild 599 est étincelant, avec des contrastes lumineux au milieu d'une structure géométrique qui rappelle un peu le cloisonnement futuriste de Boccioni. Cette huile sur toile 250 x 300 cm a été vendue pour £ 30,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015. L'oeuvre séminale de ce style était l'opus 590 intitulé SDI, peut-être par référence à la Guerre Froide.

Le développement continue et la fragmentation de l'espace fait place à un chaos total avec un effet multicolore somptueux. A.B. Still, opus 612-4, 225 x 200 cm, a été vendu pour $ 34M incluant premium par Sotheby's le 17 novembre 2016.

L'artiste dévoile rarement ses inspirations. A.B. Courbet vient un peu plus tard dans la nomenclature, avec deux opus qui ne sont pas des séries, 615 et 616, huiles sur toile 300 x 250 cm. Les compositions ne sont pas similaires : 615 est centrée d'un losange lumineux qui attire l'attention sur la partie haute de l'image.

Les titres qui font référence à un autre artiste sont exceptionnels, et le Still ci-dessus n'est pas le maître américain de ce nom. L'abstraction totale et le mélange des couleurs ne peuvent pas avoir un rapport avec le maître du réalisme pré-impressionniste. Les couleurs peuvent évoquer le jardin de Monet. Les vues du Parlement de Londres par Monet inspireront d'ailleurs explicitement Richter l'année suivante.

Richter maintient ses envies révolutionnaires. La création de son chaos abstrait a une motivation anarchiste. "Courbet" est son hommage à un de ses prédécesseurs les plus innovants et les plus intransigeants, attestant indirectement de sa satisfaction sur ses propres résultats. A.B. Courbet 616 a été vendu pour $ 26,5M incluant premium par Sotheby's le 13 novembre 2013, lot 22.

5 août 2020

Two Little Girls dans Gentlemen prefer Blondes

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La guerre est finie et les pin-up girls redeviennent des showgirls. A Broadway, Gentlemen prefer Blondes, inspiré d'un roman comique des années folles, est un grand succès. La comédie musicale est transposée au cinéma en 1953 sans changement de titre mais avec de nouvelles vedettes et de nouvelles chansons.

Le film met en vedette deux femmes, la grande brune et la petite blonde, qui cherchent ensemble l'homme idéal avec des stratégies opposées. La blonde rêve de diamants. Les rôles sont joués par Jane Russell, 31 ans, dont la beauté et l'audace sont déjà légendaires, et par Marilyn Monroe, 27 ans, qui a ici son premier grand succès. Les costumes sont réalisés par Travilla.

Two Little Girls from Little Rock est une chanson adaptée de la comédie musicale pour être chantée et dansée ensemble par les deux filles. Elles portent des robes en crêpe de soie rouges à paillettes et d'extravagants chapeaux à plumes. Pour éviter la censure pudibonde de ce temps, le buste n'ouvre pas sur une nudité mais sur un sous-vêtement de couleur chair.

Provenant de la collection de Debbie Reynolds, la tenue complète de Marilyn, robe et chapeau, a été vendue pour $ 1,44M incluant premium par Profiles in History le 18 juin 2011, lot 282 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers.

Diamonds are a Girl's Best Friend provenait également de la comédie musicale mais c'est son interprétation par Marilyn qui en fera une locution populaire. Un prototype de la robe de satin rose avec laquelle Marilyn excitera tous les hommes a été vendue pour $ 356K incluant premium le 11 juin 2010, également par Profiles in History. Sa configuration en deux pièces ne convenait pas parce que le haut et la jupe se dissociaient quand l'actrice levait les bras.

4 août 2020

Nu au Fauteuil Noir par Picasso

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L'art érotique de Picasso atteint son paroxysme pendant l'hiver 1932 dans son atelier Parisien de la rue La Boëtie. Son modèle est Marie-Thérèse qu'il n'avait pas pu exhiber précédemment du fait de son jeune âge. Le couple illégitime n'a cependant pas fait d'escapade à Boisgeloup pendant cette période.

Cette série comprend environ 25 huiles sur toile, avec pour principal thème la femme dormant ou lisant. Dans la première phase, Picasso joue à cacher des symboles sexuels dans l'image. Le Rêve est peint le 24 janvier. Les nus font leur apparition à l'approche du printemps avec un rythme accéléré : Nu couché avec feuilles vertes et buste le 8 mars, Nu au fauteuil noir le 9 mars, Le Miroir le 12 mars, Jeune femme au miroir le 14 mars. La Dormeuse, huile et fusain sur toile, vient s'intercaler le 13 mars.

Le 17 mars, considérant que cette série est achevée, Picasso invite Kahnweiler dans son atelier. Deux des peintures de nus sont présentes mais on ne sait pas lesquelles. Kahnweiler est ébloui par l'audace du nouveau style de Picasso, où l'érotisme est accentué par les courbes raccourcies du corps. Il écrira plus tard à Leiris que ces oeuvres érotiques auraient pu être peintes par un satyre venant tout juste de tuer une femme.

Selon Picasso lui-même, les points culminants de sa recherche créative étaient les nus du 8 et 9 mars, dans le même format 162 x 130 cm. La position de la femme est presque identique sur les deux images, avec la tête complètement renversée en arrière. Le Nu couché avec feuilles vertes et buste est la composition la plus complexe, réunissant plusieurs symboles. Cette peinture a été vendue pour $ 106M incluant premium par Christie's le 4 mai 2010.

Le Nu au fauteuil noir offre un contraste spectaculaire entre la chair rose et le siège noir. Le seul autre élément est une plante verte qui met en valeur le symbole de fécondité. Cette huile sur toile a été vendue pour $ 45M incluant premium par Christie's le 9 novembre 1999. Elle est illustrée par Wikipedia sur une page dédiée.

La Loterie du Baseball

L'ère des cartons ternes prend fin pour Topps en 1993 quand cet éditeur ajoute une couche réfléchissante au recto de ses trading cards. Une carte spécifique est désormais fournie en plusieurs variantes. De petites séries sont sérialisées. La bande de couleur autour de l'image permet une visualisation immédiate du tirage spécifique de la variante. Bowman et Refractor sont des marques déposées par Topps.

Les cartes ont été réparties au hasard par l'éditeur dans les emballages d'origine. Leur découverte est un jeu qui s'apparente à la loterie. Dans des évènements annoncés à l'avance par des sociétés spécialisées, un client ouvre une vieille boîte encore scellée. Quand l'un d'eux met la main sur un saint-graal, la vidéo de l'évènement est une bonne opération de marketing pour l'opérateur.

Les cartes les plus recherchées sont celles des rookies. Les plus prometteurs ont toute la gamme des variantes, dont le Red Refractor en cinq exemplaires. On trouve en haut de cette hiérarchie la 2009 Bowman Chrome Draft Prospect de Mike Trout, qui sera le meilleur joueur de baseball de sa génération.

Le 22 mai 2020, Goldin a vendu pour $ 920K incluant premium la Red Refractor 5/5 2009 de Mike Trout, gradée Gem Mint 9.5 par BGS avec une signature autographe gradée 10 par Beckett.

Peut mieux faire !

Le Red Refractor, malgré son édition limitée, n'est pas le haut de gamme. Voici le Superfractor. La photo du joueur est revêtue d'un cloisonnement réfléchissant qui apporte un scintillement. Plusieurs variantes de la même carte peuvent coexister mais chaque pièce est unique dans sa variante, et sérialisée 1/1.

Dans une vente en ligne qui se termine le 22 août, Goldin vend au lot 1 un Superfractor 1/1 de la rookie card de Mike Trout. Elle est gradée Mint 9 par BGS avec une signature autographe gradée 10 par Beckett. L'enchère de départ était $ 1M.

3 août 2020

De l'Air Ship à l'Air Jordan

Quatre paires de chaussures disponibles aux enchères en ligne en 2020 forment une démonstration convaincante de la genèse du modèle créé par Nike pour Michael Jordan.

Jordan fait ses débuts très remarqués en NBA en 1984 avec les Chicago Bulls. Le 13 août, Christie's vend en partenariat avec Stadium Goods une paire Air Ship MJ PE (Michael Jordan Player Exclusive), signifiant que ce modèle n'est pas disponible pour d'autres clients.

Le rouge et blanc respecte les règles officielles selon lesquelles les chaussures doivent avoir les couleurs du club et ne doivent pas être individualisées par les joueurs. Cette paire qui a été portée en match par Jordan en novembre et décembre 1984 est estimée $ 350K, lot 1.

Le modèle Air Jordan 1, sorti le 17 novembre 1984, suscite la réprobation de la NBA par sa configuration  non autorisée en trois couleurs, ajoutant le noir au rouge et au blanc.

Le 22 août, Goldin vend au lot 4 une paire Air Jordan 1 marquée 850102 TYPS. TY est le code de l'usine en Corée du Sud, PS signifie Player Sample et les six chiffres sont un code de date identifiant la période janvier-février 1985.

En 1991 Jordan, qui avait donné cette paire à son coéquipier Gene Banks, la retrouve entre les mains du broadcaster Rick Lozano. Il reconnaît non seulement son authenticité mais aussi son importance historique en la signant pour Lozano avec le commentaire "1st pair". Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Goldin, incluant l'acte de signature de Jordan pour Lozano.

La NBA a cédé et le modèle de chaussures peut poursuivre sa prestigieuse carrière. Voici maintenant deux paires 850204 TYPS. La différence entre la PS et la version commerciale est la hauteur à la cheville, à la demande de Jordan pour son confort. Elle sont aussi aux mesures de Jordan, taille 13 pour le pied gauche et 13,5 pour le pied droit. 

L'une d'elles, régulièrement utilisée en matchs par Jordan jusqu'en octobre 1985, a été vendue pour $ 560K incluant premium par Sotheby's le 17 mai 2020. La paire de même date code à vendre par Christie's le 13 août était un rechange qui n'a pas été utilisé. Elle est estimée $ 55K, lot 2.