30 sept. 2020

Claustrophobie

De Guernica à l'Occupation Nazie, Dora Maar est une Cassandre pour Picasso. Il a choisi en 1940 de rester à Paris mais il se sait menacé. Il vit en confinement avec sa muse, qu'il adore physiquement mais qui devient une fois de plus le symbole de la résistance à l'horreur, voire même tout simplement le symbole de l'horreur.

Dora devient par la force des choses son seul modèle et son principal thème. Un dessin 27 x 22 cm vendu pour € 52K incluant premium par Sotheby's le 7 décembre 2016 est typique de cette dérive morbide. Le visage de Dora est une double boursouflure où le nez et la bouche prennent des directions divergentes. Le temps de l'utilisation cubiste d'un double angle de vue pour donner une nouvelle vigueur à l'image est périmé. 

Picasso marque son instabilité d'une façon inhabituelle en changeant la date par une rature, de 7 mai 1941 à 7 juin 1941. Il ne maîtrise plus le temps. On ne saura pas si Dora Maar au Chat, incluant l'animal qui symbolise les dangers du monde extérieur, a été peint avant ou après cette frénésie anxieuse de juin 1941.

La nouvelle configuration du visage répond aux angoisses de Picasso qui a décidément peu de respect pour Dora. Il commence une série d'huiles sur toile sur lesquelles les autres attributs habituels de Dora sont maintenus : la longue chevelure noire, le chapeau tricorne, le sourire malgré l'adversité. Il l'enferme sur un fauteuil qui symbolisera la liberté si un jour elle parvient à s'échapper et qui anticipe les Papes impuissants de Bacon. Le nez, qui prend son autonomie dans ce désastre, a été comparé au museau du chien ou à une trompe d'éléphant.

Tête, 61 x 38 cm, peinte le 13 juin, a été vendue pour $ 9,2M CAD incluant premium par Heffel le 20 novembre 2019. Femme dans un fauteuil, huile sur toile 130 x 97 cm peinte le 19 juin 1941, est estimée $ 20M à vendre par Christie's à New York le 6 octobre, lot 8.

Le malaise persiste avec très peu de variations, ce qui est contraire à la vitalité créative habituelle de l'artiste. Femme assise dans un fauteuil, 92 x 73 cm, 23 octobre 1941, a été vendue pour $ 29M incluant premium par Sotheby's le 2 mai 2012. Femme dans un fauteuil, 92 x 73 cm, 24 avril 1942, a été vendue pour £ 19,4M incluant premium par Christie's le 20 juin 2018. Portrait de femme, huile sur panneau 100 x 80 cm, 5 août 1942, a été vendue pour $ 22,6M incluant premium par Christie's le 6 mai 2014.

Le tweet montre un détail de l'image.

Paysage du Corps

Pour compenser la désillusion de Sanyu après l'annulation d'une exposition solo à Taipei qui aurait pu assurer sa notoriété internationale, Natacha et Etienne Lévy organisent une exposition privée dans leur résidence à Paris du 17 au 21 décembre 1965.

La carte d'invitation est illustrée du Nu le plus novateur de l'artiste. La femme nue est couchée, les jambes au premier plan. La jambe droite est levée, occupant toute la hauteur de l'image comme un pic rocheux dans un paysage traditionnel chinois. Les seins et la tête constituent un horizon de collines. Cette métaphore est perçue plus nettement quand on considère le déhanchement de la jambe levée et l'éloignement apparent de la tête.

Annotée d'un commentaire autographe nostalgique daté avril 1965, cette huile sur isorel 123 x 135 cm a été considérée comme son ultime chef d'oeuvre. Elle a été vendue pour HK$ 198M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2019.

La famille Lévy a conservé des photos de cet évènement. Leur ami Sanyu apparaît sur une photo devant un autre nu de la même femme, peint dans le même style minimaliste et à la même échelle, avec une peau quasiment monochrome dans d'épais contours noirs sur un fond vide.

Dans cette image, la jambe gauche est levée et le pied gauche est posé en fleuron sur le genou droit. Le contour des jambes et des fesses forment désormais un carré, dans un ultime raffinement chinois qui évoque le yin et le yang. Les seins et la tête apparaissent maintenant au travers d'une ouverture triangulaire entre les jambes. Cette oeuvre non datée est très certainement un prolongement de la version d'avril 1965.

Cette huile sur isorel 125 x 95 cm sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre 2020, lot 1016.


29 sept. 2020

Le Roi des Badlands

Les découvertes successives de squelettes fossiles de tyrannosaures permettent de mieux comprendre les caractéristiques de cette bête qui vivait à la fin du Crétacé juste avant la catastrophe finale de cette ère il y a 66 millions d'années. Stan est un des spécimens qui ont apporté le plus d'éléments à ces analyses.

Il faut se rendre à l'évidence : le tyrannosaure, lointain successeur de l'allosaure, avait des caractéristiques bien plus efficaces que l'être humain, en termes de vue et odorat, de vitesse de course, de force et d'appétit. Je n'ai pas d'informations sur son intelligence. 

Les gisements sont surtout concentrés sur la Hell Creek Formation, un continent insulaire aux limites du Montana, des Dakotas et du Wyoming. La répartition de l'espèce était certainement plus vaste, mais les marécages de ces Badlands ont limité à l'origine la dispersion des squelettes et offert de bonnes conditions de fossilisation. Plus de 50 spécimens ont été trouvés.

Hell Creek est connue depuis le début du XXème siècle comme un réservoir de tyrannosaures. C'est un prospecteur amateur qui découvre en 1987 les os de hanche d'un spécimen à qui on donnera son propre prénom, Stan. Une erreur d'interprétation paléontologique retarde les analyses. L'excavation a nécessité 30 000 heures de travail entre 1992 et 1995. Ce tyrannosaure mâle environ 70 % complet en masse est un des plus grands spécimens, mesurant 11,3 m entre le museau et le bout de la queue.

Les traces sur les os donnent de précieux renseignements sur la vie des animaux préhistoriques. Stan porte des lésions créée par les dents d'autres tyrannosaures. Une fracture du cou avait été guérie par fusion des deux vertèbres blessées. Il a mangé juste avant sa mort un edmontosaure et un triceratops. A notre époque il joue les vedettes avec plus de 60 moulages complets utilisés dans les musées et les expositions.

Le fossile comprend 188 pièces originales sur les 350 os d'un animal complet. Le crâne est presque parfait. Les éléments manquants sont représentés par des moulages. Il sera vendu sans prix de réserve par Christie's à New York le 6 octobre, lot 59 estimé $ 6M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Stan mérite une notoriété similaire à Sue, le tyrannosaure mâle de 12,30 m de long trouvé par une lady nommée Sue en 1990, qui a été vendu pour $ 8,4M incluant premium par Sotheby's le 4 octobre 1997.



28 sept. 2020

Neige avec Mao

En 1949, au moment de la création de la République Populaire de Chine, Wu Guanzhong est à Paris où il étudie l'art moderne et se familiarise avec la peinture à l'huile. Son retour est enthousiaste : il pourra apporter ses nouvelles compétences en Chine.

En 1966 la Révolution Culturelle interdit à Wu de peindre. Un peu plus tard une rééducation lui est imposée. Il ne résiste pas, parce que son ambition n'était pas politique. Quand on a à nouveau besoin de son art, en 1972, il reprend ses pinceaux sans exprimer de rancune.

Le Président Mao vieillit et son régime devient moins restrictif. Wu peut désormais devenir un artiste résolument moderne, par la diversité de ses thèmes, l'équilibre subtil entre le réalisme et la géométrie et entre le goût traditionnel chinois et les techniques picturales occidentales.

Une huile sur panneau 72 x 160 cm peinte en 1973, une grande dimension pour cette période, est peut-être un démonstrateur de son savoir-faire. Par prudence, le thème est résolument Maoïste. Li Keran, qui avait été également persécuté par la Révolution Culturelle, suivra bientôt une trajectoire similaire.

La peinture de Wu, intitulée Paysage de la Chine du Nord, est basée sur Neige, le plus célèbre poème de Mao, qui commence par glorifier la puissance de la nature avant de déclarer que son régime fera mieux que les plus grands empereurs. L'image de Wu est chargée de symboles : la neige immaculée qui couvre les montagnes, la vivacité protectrice du pin, la ligne sans fin de la Grande Muraille. Une locomotive à vapeur, qui n'était pas prévue par le poème, illustre le progrès technique.

Cette peinture a été vendue pour HK$ 32M incluant premium par Christie's le 27 mai 2007. Elle sera vendue par Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre, lot 1013.

En 1979 Wu est un des artistes commissionnés pour peindre les décorations murales de l'aéroport de Beijing. Il réalise une version de 6 m de large de ce paysage qui restait politiquement correct trois ans après la mort du Grand Timonier.


La Peinture Automatique

Jackson Pollock passe sa jeunesse dans l'Ouest Américain. Sa créativité exacerbée ne retient rien de la peinture conventionnelle. Bien au contraire, il trouve ses influences avec les figures de sable des Navajos, les peintures murales mexicaines et l'écriture automatique des poètes surréalistes français.

Arrivé à New York en 1930 à l'âge de 18 ans, il est attentif à toutes les originalités. Il assiste à une démonstration d'utilisation de peinture liquide par Siqueiros et voit les réseaux de Janet Sobel couvrant toute la surface de l'image sans interruption au cadre.

Peggy Guggenheim ouvre en 1942 à New York sa galerie judicieusement nommée Art of this Century. Elle est vivement intéressée par la synthèse d'influences disparates pratiquée par Pollock. Dans la grande ville, l'artiste ne peut pas résoudre ses problèmes sociaux. Son installation avec sa femme Lee Krasner dans une grange au fin fond de Long Island à la fin de 1945 lui permet enfin de développer son propre langage artistique.

Il améliore sa technique tout au long de 1946, et abandonne sa figuration stylisée. Voulant travailler sur une surface dure, il utilise l'isorel. Il commence à poser le pigment en impasto directement en sortie du tube et renonce progressivement au pinceau. Par commodité, il pose la surface à peindre directement sur le sol. 

L'utilisation de peinture liquide aspergée ou coulante est rendue possible par cette position du support. Sa main acquiert une liberté sans précédent. L'art de Pollock traduit son énergie subconsciente, tout comme la calligraphie chinoise est une transcription directe des émotions de l'artiste. Masson est cité avec Miro parmi les influences surréalistes de Pollock, mais on notera que les dessins automatiques de Michaux étaient influencés par la calligraphie chinoise.

La toute première oeuvre utilisant le dripping est peinte à la fin de 1946. La surface est rouge vif et les apports sont noir et blanc. Intitulée Free form, cette huile sur toile 49 x 36 cm est conservée au MoMA.

L'étape suivante est la diversification des couleurs. Une huile sur isorel 48 x 60 cm datée 1946 est peinte en jaune vif, bleu vif et noir par dripping et éclaboussures sur un fond du même rouge. Elle est estimée entre $ 12M et 18M à vendre par Christie's à New York le 6 octobre, lot 5. Son premier propriétaire avait été Peggy Guggenheim. Elle est dé-accessionnée par l'Everson Art Museum à Syracuse NY pour recentrer sa collection sur la lutte contre les inégalités raciales et sexuelles.

Les danses musicalistes de Pollock autour d'oeuvres de grande dimension viendront peu après.

27 sept. 2020

Une Souriante Abstraction

La femme idéale est une obsession pour Willem de Kooning. Diverses solutions artistiques existent depuis la préhistoire, avec les Vénus paléolithiques et les idoles Cycladiques. Picasso a démontré l'inutilité du réalisme dans la configuration des corps.

De Kooning est un peintre abstrait, sous l'influence d'Arshile Gorky. Pour revenir à la femme et à la chair, il conçoit l'inverse de la déconstruction cubiste : les formes apparaissent en bousculant l'abstraction par des coups de pinceau d'une grande violence.

Woman I est exposée en 1953 après deux ans de travail. Elle suscite le scandale, sans même offrir l'humour dérangeant des Corps de Dames par Dubuffet. La nouvelle idole est debout avec un corps moche, horriblement proche de la réalité, en opposition totale avec les pin-ups de l'après-guerre.

Les réactions négatives confirment a contrario l'impact émotionnel de l'oeuvre. De Kooning continue la série dans la même année jusqu'à Woman VI, ainsi que de nombreux essais réalisés en parallèle. Woman (blue eyes), huile, émail et fusain 71 x 51 cm, a été vendu pour $ 19M incluant premium par Christie's le 15 mai 2013 sur une estimation basse de $ 12M.

De Kooning est désormais reconnu comme le maître d'une nouvelle tendance figurative liée à l'expressionnisme abstrait. Il réalise de nouvelles expériences en 1955. La dérive de l'abstraction génère aussi le paysage, qui peut venir s'entremêler avec le corps de la femme. 

Woman as Landscape, huile et fusain sur toile 166 x 125 cm, a été vendu pour $ 69M incluant premium par Christie's le 13 novembre 2018. Dans Interchange, qui contribua en 2016 à une des plus importantes transactions privées du marché de l'art, l'abstraction a généré le paysage qui a dérivé pour évoquer le corps d'une femme. Police Gazette est un paysage abstrait en perspective verticale.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend Woman (green), lot 7 estimé $ 20M. Cette huile et fusain sur toile 77 x 60 cm, sans doute commencée en 1953, a les principales caractéristiques des Woman I-VI. Terminée en 1955, elle humanise le personnage par un gentil sourire tout aussi dérangeant que les rictus grotesques des versions précédentes.

Un Rothko Abyssal

Les collectionneurs millionnaires Texans John et Dominique de Menil ont permis à Rothko d'atteindre l'aboutissement de sa démarche artistique. La Rothko Chapel, commencée en 1964, est conçue comme un lieu de méditation.

Rothko a toujours voulu que le visiteur soit mesmérisé par son oeuvre. Quand on tourne le dos au soleil, on ne l'oublie pas pour autant. Inspiré par les scènes de nuit de Rembrandt, il comprend que les couleurs sombres sont le meilleur vecteur de la méditation transcendantale.

Ce projet nécessite de porter une attention particulière à la lumière. Rothko aménage un nouvel atelier à New York, un peu inquiet toutefois quant à la différence de luminosité entre New York et Houston. Ses exigences concernant la lumière intérieure de la chapelle sont telles que l'architecte Philip Johnson doit renoncer.

Pour ses nuances sombres, Rothko invente des pigments dont personne n'avait eu besoin avant lui. Ses traditionnels mélanges de couches encore humides augmentent la subtilité de ses blocs, qui peuvent apparaître de loin comme monochromes mais ne le sont absolument pas. De Menil décrira cet ensemble comme une impénétrable forteresse abstraite au seuil du divin.

Rothko vieillit. Bientôt il ne peut plus peindre lui-même sur ses grandes toiles et doit superviser des assistants. Contrairement aux Seagram Murals, il va jusqu'au bout de ce projet. La quatorzième et dernière toile pour la Rothko Chapel est prête en 1967. Sa carrière est interrompue au début de l'année suivante par une ruture d'anévrisme dont il guérira partiellement. Les peintures seront installées dans la chapelle en 1971, un an après sa mort.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend une huile sur toile 173 x 153 cm peinte en 1967 dans le style de la Rothko Chapel, lot 11 estimé $ 30M. L'image est composée de deux registres avec diverses nuances de rouge foncé. Le bloc du haut est irradiant. Le bloc du bas, plus petit et plus sombre, absorbe la lumière à une place que l'artiste avait parfois aimé réserver à un blanc aveuglant.


26 sept. 2020

Petit Déjeuner aux Lauves

Paul Cézanne, comme les vieux maîtres hollandais, utilise la nature morte pour exprimer la lumière. Son atelier des Lauves, aménagé en 1902, est bien éclairé par la lumière du matin. Les objets hétéroclites attendent sur une étagère le rôle que le maître voudra bien leur donner. Il ne peut pas travailler par imagination ou par construction spontanée : il choisit à l'avance les éléments de son prochain assemblage et détermine la distance et la perspective.

Il est un perfectionniste de la projection géométrique. Le papier est plat mais les fruits sont des volumes que la lumière atteint par leur milieu. Les ustensiles du petit déjeuner, comme la théière ou le sucrier, sont également convexes.

L'oeuvre commence par un dessin des contours sur une feuille de papier. Chaque surface est remplie par les couleurs qui traduisent les zones d'éclairement sans se chevaucher. Cette phase devrait être intermédiaire mais Cézanne n'est jamais satisfait : le produit fini, qui est l'huile sur toile, devient très rare. Ses rares visiteurs, comme Emile Bernard, sont décontenancés par la complexité et la lenteur de son processus créatif. Sa réinterprétation de la nature est tellement novatrice qu'il a créé l'art moderne.

Le 6 octobre à New York, Christie's vend au lot 13 une nature morte à l'aquarelle et gouache réalisée dans le plus grand format de papier utilisé par l'artiste, 48 x 62 cm. Le point focal est le melon vert, par sa couleur vive et sa position centrale sur l'image. Il est pourtant posé de l'autre côté de la table, partiellement caché par le pot à lait et le sucrier. Le communiqué de presse du 26 août annonce une estimation autour de $ 25M.

Une aquarelle 32 x 48 cm de la même période a été vendue pour $ 25,5M incluant premium par Sotheby's le 8 mai 2007 sur une estimation basse de $ 14M. Cette nature morte en gros plan est focalisée dans des conditions similaires sur un melon vert derrière un gobelet.

Apesanteur à Bolsena

Cy Twombly aime trouver l'inspiration en Italie. En 1969 il passe l'été dans un palais Renaissance au-dessus du lac de Bolsena, où il s'isole pour approfondir sa recherche sur la génération primordiale de l'énergie humaine par le mouvement. Il travaille à la peinture industrielle, mine de plomb ou graphite, crayon à cire et parfois crayon feutre sur des toiles 200 x 240 cm.

A son arrivée à Bolsena en mai, il tente de réinterpréter ses tableaux noirs sans la pseudo-écriture en boucles. Le résultat est plutôt austère. Un opus a été vendu pour $ 6,2M incluant premium par Phillips de Pury le 10 mai 2012.

Il trouve soudain, comme tout le monde pendant cet été, un intérêt intense pour la mission lunaire Apollo 11. Renonçant temporairement au fond noir, il répartit ses formes flottantes sur un fond crème ou faux blanc. Des rectangles et des chiffres remplacent dans cette cascade ses habituels graffitis des passions antiques.

Quatorze Untitled (Bolsena) répondent à cette nouvelle tendance. L'un d'eux est daté très précisément du 10 juillet 1969, pendant la phase de préparation de la fusée. Il a été vendu pour $ 43M incluant premium par Christie's le 13 mai 2015. Un autre a été vendu pour $ 15,4M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013.

Un autre opus de la même série est estimé $ 35M à vendre par Christie's à New York le 6 octobre, lot 16.

25 sept. 2020

La Grande Vague par Hokusai

VENTES PASSEES

Hokusai divisait sa propre carrière par périodes. Il considérait que son art devait s'améliorer de façon continue jusqu'à atteindre un niveau divin à l'âge de 110 ans, qu'il n'atteignit évidemment pas. En 1820 CE, quand l'illustration devient sa principale préoccupation, il est Iitsu. Le nom de la phase suivante, qui commence en 1834, montre son enthousiasme : il est Gakyo Rojin Manji, le vieillard fou de dessin.

Commencée en 1831 à l'âge de 71 ans, la série d'estampes 26 x 38 cm intitulée 36 vues du Mont Fuji est son oeuvre la plus ambitieuse, qui inclura non pas 36 planches mais 46. La montagne sacrée est montrée sur toutes ses faces, à toute heure, par tous les temps, en toutes saisons, avec une interprétation de la perspective qui est nouvelle dans l'art japonais. Elle occupe une section plus ou moins grande sur l'horizon et est presque toujours confrontée à une occupation humaine. Cette série ne doit pas être confondue avec la suite, les 100 vues du Mont Fuji, préparées de 1834 à 1840.

La gravure sur bois était effectuée par un artisan spécialisé qui ciselait le bois au travers du dessin. Le dessin d'origine était perdu et les épreuves s'affaiblissaient de façon irrémédiable au fur et à mesure de la production. Les catalogueurs des maisons de vente ne parviennent manifestement pas à détecter les plus fines impressions.

Les trois premiers opus de la première série sont des chefs d'oeuvre, par l'équilibre de la composition basée sur une géométrie stricte, la beauté du bleu de Prusse récemment importé au Japon, et la dimension émotionnelle.

Le tout premier est la Grande Vague au large de Kanagawa. Une vague gigantesque enserre des barques de pêcheurs tout en rejetant l'écume et l'embrun sur toute la surface de l'image. Elle a la forme d'une double virgule simulant le yin et le yang, dans le fond de laquelle le mont Fuji est posé comme une divinité impassible à la perdition des hommes. Cette vague est un monstre naturel qui inspira probablement la Nuit étoilée de van Gogh.

Un exemplaire de la Grande Vague a été vendu pour $ 1,1M incluant premium par Christie's le 22 septembre 2020 sur une estimation basse de $ 150K, lot 117.

Un exemplaire du second opus, le Fuji Rouge, a été vendu pour $ 510K incluant premium par Christie's le 19 mars 2019 sur une estimation basse de $ 90K, lot 235. Sa géométrie simple et efficace anticipe la Montagne Sainte-Victoire par Cézanne.

24 sept. 2020

Bleu Roi de Birmanie

Les pierres les plus exceptionnelles se trouvent souvent dans une seule région. Mogok, en Birmanie (Myanmar), cumule deux merveilles : le rubis sang de pigeon et le saphir bleu roi.

Le saphir birman fait le délice des monarques asiatiques depuis environ un millénaire. La forme classique est le coussin. La couleur bleu roi, intense et très saturée, est parfaitement mise en valeur dans un entourage de diamants. Il n'a pas la texture veloutée des saphirs bleus du Cachemire mais des inclusions d'apparence soyeuse avivent aussi sa luminosité.

Le 7 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1755 un pendant composé d'un saphir birman de forme coussin pesant 118,88 carats entouré de 16 carats de diamants de forme poire. Cette dimension est considérée comme exceptionnelle par les experts. Sa pureté et son homogénéité sont excellentes. Il n'a pas eu de traitement thermique.

Un collier par Boucheron composé d'un saphir birman bleu roi de forme rectangulaire à pans coupés pesant 91,95 carats dans une guirlande de 48 carats de diamants a été vendu pour HK$ 29,5M incluant premium par Poly le 7 avril 2015.

Un anneau composé d'un saphir coussin birman pesant 49,06 carats, sans traitement thermique, entouré de 10 carats de diamants baguette, a été vendu pour HK$ 16,2M incluant premium par China Guardian le 31 mars 2019. Sa couleur est bleu fleur-de-maïs mais il peut devenir bleu roi dans certaines conditions d'éclairage.

23 sept. 2020

La Tourmaline Ovale

Une nouvelle variante de tourmaline est découverte en 1989 dans l'Etat de Paraiba au Brésil. Des inclusions de cuivre lui donnent des couleurs inédites : bleu vert, bleu électrique, vert. Le premier filon, concentré dans une surface de 400 x 200 m, est rapidement épuisé mais d'autres sources apparaissent au Brésil, au Nigeria et au Mozambique. La variante est désignée sous le nom de tourmaline Paraiba.

Miné en 2001 au Mozambique, un cristal brut est aussitôt écarté de la production courante pour ses propriétés exceptionnelles, échappant ainsi au traitement thermique : il pèse 262 carats, sa couleur bleu-verdâtre est rare et plaisante et sa clarté est excellente. Elle est taillée au Mozambique en un ovale facetté joliment équilibré pesant 100,59 carats, pour 33,2 x 23,6 x 16,4 mm. Cette forme met spécialement en valeur la couleur et la brillance.

Elle est acquise par un collectionneur de gemmes complètement naturelles qui prospecte directement auprès des mines tout autour du monde. Nommée le Flawless Jena Blue, elle est estimée $ 700K à vendre par Heritage à Dallas le 5 octobre, lot 72111. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. Les caractéristiques exceptionnelles de ce spécimen ont été confirmées par le GIA et par le Smithsonian.

La tourmaline Paraiba est de plus en plus aimée en joaillerie. Voici deux résultats sur des bijoux basés sur des pierres brésiliennes.

Une paire de pendants d'oreilles avec des tourmalines en forme de poire, respectivement 7,46 et 6,81 carats, dans des entourages de diamants, a été vendue pour HK$ 21,7M incluant premium par Christie's le  29 mai 2018 sur une estimation basse de HK$ 12,8M. Leur couleur bleue avait été avivée par un traitement thermique.

Un anneau Tiffany composé d'une tourmaline de 9,70 carats dans un entourage de diamants a été vendu pour $ 720K incluant premium par Christie's le 26 avril 2017 sur une estimation basse de $ 200K. La couleur résulte certainement d'une amélioration thermique.


22 sept. 2020

Feuilles de Poésie

Essayiste et conférencier influencé par le panthéisme, R.W. Emerson militait pour une nouvelle culture américaine basée sur la relation entre l'âme et la nature. Convaincu par cette incitation, un jeune écrivain décide vers 1850 d'écrire des poèmes en vers libres.

Le nouveau poète publie son premier livre à Brooklyn en 1855 à compte d'auteur. Le titre, Leaves of Grass, est un jeu de mots provocant qui associe à la feuille de papier le grass, une oeuvre mineure selon le jargon des imprimeurs.

Les innovations sont nombreuses. Les poèmes n'ont pas de titre. Le nom de l'auteur n'apparaît pas sur la page de garde : il est remplacé par un portrait en trois quarts. Les poèmes n'ont pas de titre. Leur cadence est vaguement inspirée de la Bible. Surtout, les thèmes sont basés sur la relation du Soi avec le monde, une nouveauté pour l'époque. Il faut atteindre le 500ème vers pour découvrir le nom de l'auteur, Walt Whitman, un Américain charnel et sensuel qui rejette le sentimentalisme et ne prétend pas être modeste ni immodeste.

Leaves of Grass est publié en 795 exemplaires 29 x 21 cm en format folio avec une reliure conçue par l'auteur, ornée d'un titre doré. Certains volumes sont truffés de quatre coupures de presse sur des textes par Whitman plus la copie dactylographiée d'une lettre par Emerson lui-même prédisant une grande carrière à son émule.

Whitman retravaillera ses Leaves of Grass jusqu'à la fin de sa vie. Il résistera aux pudibonds qui confondent sensualité et péché. Il sera soumis à la fin de sa vie à des accusations d'homosexualité, qu'il niera peut-être par simple prudence.

Un livre considéré comme l'exemplaire de travail de Walt Whitman est passé à Bonhams le 12 mars 2019 sur une estimation basse de $ 200K. Un autre, truffé des cinq encarts, a été vendu pour $ 305K incluant premium par Christie's le 18 juin 2014. Un autre, dans un très bel état avec les mêmes documents additionnels, sera vendu en ligne par Doyle le 30 septembre, lot 186 estimé au-delà de $ 150K. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Doyle New York.



Des Photos pour les Psychiatres

Armée de son Rolleiflex, Diane Arbus observe les rites modernes de la vie Américaine. Elle photographie des gens ordinaires dans des situations socialement aberrantes et dérangeantes. Elle a depuis toujours de violentes crises de dépression et recherche pour elle-même si la vie humaine a une signification.

En 1968 elle décide d'étudier plus particulièrement le thème de la famille. Cherchant le monstrueux dans la normalité, elle voit dans une boutique une blonde excessive d'environ 35 ans, incroyablement fardée et  bottée. Cette femme a certainement une famille et le mari doit être un couturier ou un restaurateur. Elles prennent rendez-vous pour un dimanche d'été, pour profiter du jardin.

Le mari est un éditeur de rhythm and blues et ils ont trois enfants. Diane capte un moment de détente. Le mari et la femme font la sieste sur leurs chaises longues bien séparées par une table basse portant quelques objets ordinaires. Plus loin le garçon âgé de quatre ans est penché au-dessus d'un petit bassin. Aucun d'entre eux ne s'intéresse aux autres ni à la photographe. Les deux autres enfants ne sont pas visibles.

Diane commentera : "I think all families are creepy in a way." (Je pense que d'une certaine façon toutes les familles sont terrifiantes"). Cette photo, intitulée A Family on their Lawn One Sunday in Westchester NY, répond à sa recherche. Diane l'inclut en 1970 dans sa "Boîte de dix photographies" qui résume son oeuvre et dont les images les plus récentes sont le géant, le nain et le bal des anciens.

Les tirages signés de cette photo sont très rares. L'un d'eux, 40 x 40 cm, a été vendu pour $ 550K incluant premium par Sotheby's le 8 avril 2008 sur une estimation basse de $ 200K, lot 264.

Le 1er octobre 2020 à New York, Sotheby's vend un tirage de même dimension, lot 9 estimé $ 300K. Il a été dédicacé par Diane vers 1969 à un psychiatre qui lui avait conseillé de chercher la cause racine de ses dépressions. Elle avait bien compris que sa vision des côtés aberrants de la normalité pouvait intéresser un docteur. Elle choisit cependant une autre psychiatre à qui elle donna un tirage des Identical Twins, qui est passé à Christie's le 6 octobre 2010.


21 sept. 2020

Couple de Lions en Porcelaine de Meissen

VENTE PASSEE

Auguste le Fort réunissait à titre personnel les couronnes de Saxe et de Pologne, sous le nom respectivement de Frédéric-Auguste I et Auguste II. Mégalomane et tenté par l'absolutisme, il s'inspirait de Versailles pour embellir sa capitale Dresde.

L'alchimiste Böttger cherchait la pierre philosophale au service d'Auguste et bien entendu il ne la trouvait pas. Il expérimenta des températures de plus en plus hautes auxquelles il soumit des pâtes à base de kaolin. Il créa ainsi pour la première fois en Europe une porcelaine dure comparable à la porcelaine de Chine.

Auguste comprend tout de suite l'intérêt de cette invention pour son propre prestige. Il fonde en 1710 la manufacture de porcelaines de Meissen, à proximité de Dresde. Il fait collecter des céramiques de toutes provenances afin de démontrer la supériorité de sa nouvelle porcelaine de Saxe.

Les métaphores animales sont à la mode. Auguste conçoit vers 1730 une ménagerie en porcelaine dans laquelle les petits animaux seront en grandeur nature, les oiseaux souvent par groupes de quatre ou huit. Des salles entières devront être consacrées à leur exposition dans son Palais Japonais, à Dresde. Les artistes de Meissen commencent à préparer des centaines de sujets.

Cette nouvelle technique est particulièrement difficile pour les figures de grande dimension. La glaçure ne peut pas être faite au trempé. Le traitement thermique crée des rétrécissements et des fissures, à tel point que leur mise en couleurs, illusoire en termes de rendement, n'est pas développée.

La mort d'Auguste en février 1733 met fin à la commande de la ménagerie spécifique mais son successeur continue à protéger Meissen, dont l'édition commerciale de petites figures aux couleurs brillantes devient la spécialité.

Une paire de sculptures de 50 cm de haut et 80 cm de large montrant un lion et une lionne couchés a été vendue pour £ 2,8M incluant premium par Christie's le 18 décembre 2006, lot 51. Conçues en 1732, elles ont été réalisées en porcelaine blanche de Meissen, avec quelques exemples des inévitables anomalies de mise à feu de cette période. Elles étaient restées dans la descendance d'Auguste.


20 sept. 2020

Le Coeur Envolé

La Petite Fille au Ballon, peinte au pochoir par Banksy, apparaît pour la première fois en 2002 sur un mur à Londres. Sous un fort vent qui la décoiffe et gonfle sa jupe, l'enfant vient de lâcher la ficelle d'un ballon en forme de coeur. Une seconde peinture également à Londres apporte le message de l'artiste, "Il y a toujours de l'espoir", qui revisite en quelque sorte le thème traditionnel de la bouteille jetée à la mer.

L'image est simple et sans agression sociale, et devient immédiatement populaire. Banksy prépare plusieurs éditions dans lesquelles le personnage est en noir et le coeur volant est rempli de rouge ou d'une autre couleur. Après 25 épreuves signées en 2003, 150 exemplaires signés et 600 non signés sont édités en screenprint en 2004 et 2005, avec 88 exemplaires d'artiste couvrant les variantes de couleurs. L'image mesure 40 x 25 cm sur une feuille 70 x 50 cm.

Un exemplaire d'artiste avec le coeur violet, une des plus rares couleurs de la série, sera vendu en ligne par Christie's le 23 septembre, lot 2. 3 jours avant la clôture de la vente, l'enchère a atteint l'estimation haute, £ 350K.

Banksy a souvent réutilisé cette image pour des happenings ou des opérations de promotion de ses opinions politiques.

Une peinture au spray et acrylique sur toile 101 x 78 cm est listée par Sotheby's à Londres dans la vente de soirée d'art contemporain du 5 octobre 2018. Au moment où le marteau tombe pour £ 1,04M incluant premium, elle est déchiquetée dans la salle par un mécanisme caché dans l'épais cadre d'artiste. 

Banksy a revendiqué avec des preuves flagrantes cette destruction télécommandée. L'oeuvre modifiée a été certifiée par son organisme d'authentification Pest Control, avec un nouveau titre, Love is in the Bin. La nouvelle propriétaire a compris la place spécifique de son acquisition dans l'histoire de l'art. Une collusion entre Banksy et Sotheby's pour ce happening sans précédent n'est pas crédible.


19 sept. 2020

Le Triomphe du Râteau

Pour Gerhard Richter, le rôle de l'artiste est de créer une image. Elle peut être figurative ou abstraite : il s'ingénie à faire se rencontrer ces deux extrêmes. Ce n'est pas par hasard qu'il intitule Abstraktes Bild (AB) sa très longue suite de peintures abstraites.

Au début des années 1980, il crée des abstractions multicolores en ajoutant et retirant successivement sur ses toiles des couches de couleurs transparentes, de préférence sur des fonds brillants. Il développe la solution technique convenant à ce besoin en 1986, avec des râteaux de grande largeur et une finition au pinceau.

Gaitonde n'a pas donné d'explications sur la création de ses propres abstractions, mais le râteau y a certainement aussi le rôle principal. Tandis que l'artiste zen révèle la variété à partir d'une monochromie, Richter obtient un enchevêtrement complexe de couleurs brillantes qui rejoint Pollock et de Kooning.

Richter est habile. Il acquiert très vite la maîtrise de ses râteaux. En 1987 il n'a déjà plus besoin du pinceau. AB 649-2, huile sur toile 200 x 200 cm, est estimée HK$ 120M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 6 octobre, lot 1118

Pour préparer une exposition à Londres, Richter s'amuse à créer des abstractions basées sur les couleurs des Parlements de Monet. Son inspiration pour l'AB 649-2 n'est pas connue, mais cet opus s'inscrit dans la nomenclature après AB Brick Tower (643-1) et AB Tower (séries 646 et 647) et avant les autres titres de Londres (séries 652 et 653).

Le tweet montre un détail de l'image.

Merci Kobe

Kobe Bryant a fait toute sa carrière avec les Los Angeles Lakers, pour qui il a porté successivement les numéros 8 et 24. Un des meilleurs joueurs de basketball de tous les temps, il a marqué plus de 30 000 points au long de ses 20 saisons en NBA. Il a choisi lui-même son surnom Black Mamba au milieu de la décennie 2000 par référence à la précision des mouvements de ce serpent en pleine vitesse.

Après plusieurs blessures, Bryant annonce en novembre 2015 qu'il prendra sa retraite à la fin de la saison. Les résultats de son équipe semblent lui donner raison. Le dernier match, qui aura lieu au Staples Center de Los Angeles le 13 avril 2016 contre Utah Jazz, est perçu comme un évènement : Mamba est très populaire.

Le dernier match de Kobe Bryant est un merveilleux exploit sportif. Utah commence le dernier quart temps avec 9 points d'avance, qu'ils poussent à 14 points. Kobe veut que les Lakers gagnent ce match. Il y parvient sur le score de 101-96, dont 60 points par lui.

Kobe prend le micro pour un petit speech sous les applaudissements, qu'il conclut en disant "Mamba Out". Le Staples Center a orné le parquet d'un 8 et d'un 24 en peinture blanche cernée de violet, que le champion vient signer. Le 24 est conservé par les Lakers et le 8 par Bryant.

Kobe et sa deuxième fille meurent le 26 janvier 2020 dans un accident d'hélicoptère. Le 8 de son dernier exploit en NBA, composé de quatre panneaux 120 x 240 cm chacun, est estimé $ 500K à vendre en ligne par Heritage le 3 octobre, lot 53363. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes. 10 % du produit de ce lot sera remis à la Mamba and Mambacita Sports Foundation.




18 sept. 2020

Malone avec Shakespeare

La compilation posthume des oeuvres complètes de Shakespeare par Heminges et Condell, ses associés du Globe Theatre, est un travail remarquable. L'édition originale est un très beau livre de format folio 31 x 20 cm, publié en 1623 et connu sous le nom de First Folio.

Shakespeare est le plus grand succès de la littérature anglaise et les éditions se multiplient. Garrick remet Shakespeare à la mode et Edmond Malone y consacre sa vie. Malone propose en 1778 une chronologie des oeuvres, constate la perfection littéraire du First Folio et fait paraître une nouvelle édition en 1790.

Le tirage du First Folio est estimé à environ 750 exemplaires dont moins d'un tiers survit aujourd'hui. 56 exemplaires complets de leurs 454 feuilles sont connus dont 5 seulement sont en mains privées. L'un d'eux a été vendu pour $ 6,2M incluant premium par Christie's le 8 octobre 2001.

Le 14 octobre à New York, Christie's vend un autre exemplaire complet, lot 12 estimé $ 4M.

En 1809 son propriétaire l'avait soumis à l'appréciation de Malone juste avant de le faire relier. La lettre autographe de l'expert est jointe au volume. Malone a constaté qu'il s'agit d'un bel exemplaire authentique du First Folio. Quelques petites réparations seront effectuées selon ses recommandations. Cet exemplaire a conservé la propreté constatée par Malone il y a plus de 200 ans.

17 sept. 2020

Régulateur de Parquet par Berthoud

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La maîtrise des mers passe par la mesure précise de la longitude. L'effort anglais a porté ses fruits : John Harrison invente le chronomètre de marine.

Le marquis de Choiseul, nommé duc de Praslin en 1762, troque en 1766 le ministère des affaires étrangères pour le ministère de la marine, tout aussi stratégique. Pour rattraper le retard français, il commissionne les deux plus habiles horlogers de Paris, Pierre Le Roy et Ferdinand Berthoud. C'est Praslin qui conçoit la première circumnavigation officielle française, dont le capitaine est Bougainville.

Praslin achète successivement en 1764 et 1765 le château de Fouquet à Vaux et un hôtel à Paris construit en bord de Seine pour le petit-fils de Fouquet, qui devient l'hôtel de Choiseul-Praslin. Le luxe de sa  décoration, incluant quelques meubles par Boulle, est digne du ministre disgracié par Louis XIV.

Le régulateur de parquet du grand salon de l'hôtel est un travail par Berthoud, avec une caisse estampillée par Lieutaud et des bronzes dorés par le fils de Caffiéri. C'est bien entendu ce qui se fait de mieux à Paris pour ce type d'objet. Il inclut le calendrier, les complications liées au Soleil et à la Lune, un baromètre à aiguille, ainsi que l'équation de Berthoud présentée à l'Académie des Sciences en 1752 pour différencier le temps vrai et le temps moyenné.

Cette somptueuse pièce d'horlogerie et d'ameublement de 2,66 m de haut a été vendue pour £ 1,93M incluant premium par Christie's le 8 juillet 1999, lot 207. La seule référence de date est un ressort marqué 1774.

16 sept. 2020

Dead Troops Talk par Jeff Wall

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L'image publicitaire est un mensonge qui doit avoir toutes les apparences d'une réalité. Jeff Wall transpose ce constat à l'art et au reportage photographiques. Il n'est jamais un témoin de ce qu'il photographie. Quand elle ment, une image photographique d'une grande netteté est plus troublante que le cinéma.

Depuis 1977 l'artiste canadien installe ses photographies transparentes de grande dimension devant des boîtes à lumière, comme si elles étaient dans un abribus. Dans une première phase, il recrée des perspectives complexes, s'inspirant entre autres des Folies Bergères par Manet.

Au début des années 1990, le développement de l'image numérique ouvre de nouvelles voies, permettant d'utiliser de multiples photographies sans que les raccordements soient perceptibles. Il introduit par exemple des fragments humains dans des images par ailleurs réalistes. Réalisé en 1992, Adrian Walker drawing from a specimen in a laboratory, 119 x 164 cm, est passée à Christie's le 11 mai 2010.

Egalement en 1992, Dead Troops Talk est préparée comme un documentaire sur une guerre contemporaine, dans le style des photos de tranchées rapportées par les soldats de la première guerre mondiale. Le sous-titre est précis : A vision after an ambush of a Red Army patrol near Moqor, Afghanistan, winter 1986.

Contrairement à la Mort d'un soldat républicain de la guerre d'Espagne par Robert Capa, l'auteur ne masque pas sa mise en scène. Les soldats aux blessures irréparables deviennent des zombies pour reprendre leurs activités dérisoires ou grotesques par groupes de deux ou trois. La préparation a été complexe, avec une maquette en bois pour le champ de bataille et des dessins définissant les attitudes à adopter par ces morts bavards. L'artiste simule un cauchemar de guerre, sans intention politique.

Dead Troops Talk a été édité en deux exemplaires plus une épreuve d'artiste. Le numéro 1, 230 x 420 cm, équipé de sa boîte à lumière, a été vendu pour $ 3,7M incluant premium par Christie's le 8 mai 2012 sur une estimation basse de $ 1,5M, lot 27.


Claude et Paloma par Picasso

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Après la guerre, Picasso a besoin de changer de vie. Il promeut la paix, au côté d'Aragon et des communistes, et dessine la Colombe en 1949. Par-delà la peinture, il commence à apporter un style artistique personnel à la poterie. Après plusieurs séjours prolongés sur la Côte d'Azur, il s'installe de façon permanente en 1948 avec Françoise à Vallauris, à proximité de l'Atelier Madoura.

Il prend un nouvel intérêt aux enfants, qui avaient symbolisé l'avenir en 1905 pendant la période rose. Les enfants ne sont plus des futurs adultes mais des êtres humains à part entière, avec leur propre sensibilité, curiosité et créativité. Il crée avec Françoise un nouveau cercle familial : Claude était né en mai 1947 et Paloma nait en avril 1949.

Le 4 novembre 2013, Christie's a vendu au lot 17 pour $ 28M incluant premium sur une estimation basse de $ 9M un portrait de Claude et Paloma, huile et ripolin sur panneau 116 x 89 cm peinte à Vallauris le 20 janvier 1950.

Le bébé est sur une chaise haute, et son frère est assis à ses côtés. La perspective est prise à hauteur d'enfant pour entrer dans leur propre monde. Bien éclairée, Paloma est le principal centre d'intérêt de l'image. Son jeune visage est réaliste et confiant, dans une tête ovalisée. La main gauche est active, avec les doigts écartés. Claude est à moitié dans l'ombre, dans le style à double perspective typique de Picasso.

Ce bonheur familial est éphémère. En 1953 Françoise excédée quitte Pablo en emmenant les deux enfants. Picasso parviendra à construire sa quiétude en 1961 à Mougins, avec Jacqueline.


15 sept. 2020

Sutra du Coeur par Zhao Mengfu

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Les plus grands maitres de la calligraphie transmettent leur savoir aux literati. Sous les Jin au 4ème siècle CE, Wang Xizhi atteint la suprême élégance avec la calligraphie cursive, à laquelle son fils Wang Xianzhi apporte une fluidité en écrivant chaque caractère en un seul coup de pinceau.

Actif après la chute des Song en 1279 CE, Zhao Mengfu est un prince-artiste qui appartient à la dynastie déchue.  Poète, juriste, peintre et calligraphe, il joint à la stricte netteté de la calligraphie régulière l'expressivité de la calligraphie semi-cursive. Malgré l'ambiguïté de son engagement politique sous les Yuan, sa calligraphie a toujours été considérée comme exemplaire. Zhao est un des plus grands calligraphes de tous les temps.

Zhao est Bouddhiste. La Sutra du Coeur, est parfaite pour servir de modèle, pour deux raisons. Elle est la plus courte des Sutras et sa version la plus classique tient dans cinq ou six feuilles. Elle est spécialement appréciée en Chine parce que sa plus ancienne version connue est en langue Chinoise. 

Plusieurs versions calligraphiées par Zhao sont connues. Après une longue carrière, il est mort en 1322 CE à l'âge de 68 ans, et ces versions ne peuvent pas être datées avec précision. Une légende ancienne montre l'artiste copiant une Sutra du Coeur pour l'échanger avec un moine contre du thé.

Une Sutra du Coeur par Zhao Mengfu a été vendue pour RMB 190M incluant premium par Poly le 17 décembre 2017, lot 3535. Cette pièce est un album de cinq feuilles 28,6 x 12 cm, sans dessin d'accompagnement. Les cinq feuilles sont illustrées deux fois dans l'article publié après la vente par The Value.

14 sept. 2020

Danaïde par Brancusi

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Chaque tête humaine est différente des autres. Constantin Brancusi va à l'encontre de la tradition réaliste du portrait sculpté : il cherche les caractéristiques essentielles pour les simplifier à l'extrême. Tant que le modèle prend plaisir à se reconnaître, on peut considérer que l'oeuvre est réussie. Il est trop en avance sur son temps : les critiques d'art et le public ne suivent pas.

La baronne Frachon est son modèle de 1908 à 1910. Brancusi rencontre ensuite Margit Pogany, une étudiante hongroise reconnaissable à sa tête ronde, ses yeux globuleux, ses épais sourcils et son chignon austère. Il l'invite à venir voir ses oeuvres récentes dans son atelier à Montparnasse. Elle reconnaît son propre regard dans un visage qui n'était pas le sien.

Pogany accepte de poser pour l'artiste en décembre 1910 et janvier 1911. Brancusi observe sa visiteuse puis détruit ses propres esquisses en argile : un portrait pris sur le vif ne l'intéresse pas. Pogany quitte Paris peu après. 

L'artiste commence en parallèle deux séries de têtes, qui viennent s'ajouter aux Muses inspirées par Frachon. L'une d'elles, avec les yeux bombés, est intitulée Mlle Pogany. L'autre, intitulée Danaïde, montre une arcature des yeux qui rappelle la géométrie parfaite des meilleurs masques africains. ll réalisera pendant plusieurs décennies des variantes de ce catalogue de têtes. Danaïde, qui est une référence aux cinquante filles de Danaos, est une incitation à créer des multiples.

Le 7 mai 2002, Christie's a vendu une Danaïde pour $ 18M incluant premium sur une estimation basse de $ 8M, lot 27. Ce bronze de 28 cm de haut a été conçu en 1913, fondu par Valsuani avec une patine brun foncé, et le visage a été doré à la feuille. Six autres bronzes sont connus, dont un seul a été doré.


Eve par Rodin

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En 1880, quand Rodin reçoit la commande pour la Porte de l'Enfer, il a déjà en chantier sa Création de l'Homme qu'il expose au Salon de 1881. Cet Adam après le péché exprime la repentance suprême, debout avec la tête baissée et les bras ballants. Espérant obtenir un complément à la commande, il propose de jouxter la Porte avec Adam et Eve en grandeur nature.

Il prépare son Eve au Rocher avec un petit modèle en plâtre. La position pudique des bras annihile volontairement l'érotisme de la nudité, ce qui convient aux traditions académiques et religieuses. La forme du corps prend minutieusement en compte l'anatomie des muscles sous la peau.

Rodin n'obtient pas le complément de commande. Il chasse de son Enfer le couple primordial et abandonne son Eve. Il reprend ce thème au milieu des années 1890 pour une sculpture grandeur nature, avec la même attitude et une autre femme. Il veut la perfection et ne comprend pas pourquoi il doit retravailler les lignes du corps à chaque nouvelle séance de pose. Il ne savait pas que son modèle pour la femme pécheresse avait commencé une grossesse.

Le 6 mai 2008, Christie's a vendu une Eve dans la version sans le rocher pour $ 19M incluant premium sur une estimation basse de $ 9M, lot 15. Ce bronze à patine brune d'1,73 m de haut a été fondu par François Rudier en 1897 avec l'inscription Première Epreuve.

L'année suivante le Balzac est refusé par la Société des Gens de Lettres. Le collectionneur Auguste Pellerin veut aider Rodin et propose d'acheter l'objet du scandale. Rodin préfère attendre. Il garde son Balzac et vend son Eve Première Epreuve à Pellerin.

12 sept. 2020

La Préparation du Dollar

Deux ans après le Coinage Act du 2 avril 1792, la préparation du dollar d'argent n'a pas encore commencé. Le temps presse. Une paire de matrices est créée sur un design de Robert Scot et un premier essai est fait en cuivre. Une pièce a survécu. Elle a été vendue pour $ 92K par Goldberg le 16 février 2001.

Une seconde paire est créée pour insérer les quinze étoiles dans la circonférence autour de la tête de la Liberté. Une pièce d'essai en cuivre est conservée au Smithsonian.

Pour ce qui concerne l'argent, une seule pièce a les caractéristiques d'un spécimen selon la définition de PCGS : Frappe de qualité supérieure, d'aspect brillant. Elle a été comparée avec le prototype de cuivre : l'état des matrices est absolument le même, sans usure ajoutée, et la définition du trait est parfaite.

Cette pièce est certainement le premier dollar d'argent, frappé en octobre 1794 dans l'usine de Philadelphie avant les toutes dernières retouches des matrices et le lancement du premier lot de production. 

Gradée SP66 par PCGS, elle a été vendue pour $ 7,85M en vente privée en mai 2010 puis pour $ 10M incluant premium aux enchères par Stack's Bowers le 24 janvier 2013, lot 13094. Elle est estimée $ 8M à vendre le 8 octobre à Las Vegas par Legend Auctions, lot 11.

1758 pièces ont été remises au caissier le 15 octobre 1794. Techniquement, ce lot était prématuré. La presse disponible était trop petite pour le diamètre requis. L'alignement des matrices n'a pas résisté, affaiblissant la frappe et limitant le rendement.  

La préparation du spécimen avait été extrêmement soignée. La planchette d'argent avait été ajustée par un plug et le poids du spécimen est presque exact, avec seulement 0,24 grain (15 mg) de plus que les 416 grains prescrits par le Coinage Act. Sa splendide réflectivité n'a aucun équivalent parmi les 135 pièces survivantes. Il est peut-être l'échantillon offert au Président Washington par le Secrétaire d'Etat Edmund Randolph. Il fait surface en 1942 dans la succession du Colonel Green avec une provenance antérieure de la collection Virgil Brand.

11 sept. 2020

Le Diamant Canadien

Le sud du continent africain a produit bon nombre de diamants parfaits, dont il est la meilleure source depuis l'épuisement des mines de Golconde. L'Afrique n'a cependant pas l'exclusivité.

La prospection n'est plus l'effet du hasard. Le diamant remonte dans le magma lors d'une éruption volcanique. Sa présence éventuelle est révélée par la kimberlite, une roche ignée qui lui sert de gangue dans la cheminée du volcan après le refroidissement.

Depuis les années 1960, De Beers a cherché de la kimberlite au Canada. Ils ont exploité de 2008 à 2019 la Victor Mine à ciel ouvert sur le territoire de l'Attawapiskat First Nation dans le nord de l'Ontario. Le 5 octobre à Hong Kong, Sotheby's vend au lot 1818 sans prix de réserve un diamant parfait nommé Victor 10239. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

La pierre, extraite en 2018, pesait 217 carats, probablement le plus gros diamant pur trouvé à Victor. Diacore a taillé un brillant ovale avec une excellente symétrie sans descendre en-dessous du seuil mythique des 100 carats. Il pèse 102,39 carats avec une clarté Flawless, la couleur D de la meilleure transparence et sa pureté chimique est la meilleure, de Type IIa. Le brillant ovale intensifie la transparence tout comme le brillant rond pour les plus petits diamants,.

La clarté parfaite est le Flawless, sans inclusion visible à grossissement x60. Internally Flawless représente la même clarté intérieure mais admet des petites taches à la surface.

On le comparera à un diamant africain de la même forme brillant ovale, également Flawless, pesant 118,28 carats avec le même constat d'excellent polissage et d'excellente symétrie. Il a été vendu pour HK $ 240M incluant premium par Sotheby's le 7 octobre 2013, ce qui fait HK $ 2M au carat.


Abstraction par VS Gaitonde

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Vasudev S. Gaitonde cherche à exprimer par une oeuvre picturale la relation entre l'esprit et le monde. Il trouve l'inspiration dans le Zen.

Pendant plus de trois décennies, son format est invariablement vertical. La perception de bas en haut est assimilable à une prière. La technique aussi varie peu. L'adjonction successive de couches de peinture transparente a comme objectif final la meilleure relation possible entre le pigment et la lumière, avec une subtilité qui ne peut pas être reproduite par la photographie.

Les oeuvres de Gaitonde ne sont pas monochromes, parce qu'elles sont compartimentées en zones de nuances légèrement différentes. Cette texture, ainsi que le contour et la densité des formes flottantes légèrement biomorphiques, varie au fil du temps. Pour Gaitonde, chaque opus est unique, séparé du précédent par une longue méditation. Cette fausse figuration marque la partie variable du corpus de cet artiste unique en son genre.

Autour de 1974 l'image est divisée en plusieurs bandes horizontales adjacentes de hauteur similaire. Pour mieux partager la méditation, les formes flottantes sont de moins en moins contrastées.

Le 3 septembre 2020 à Mumbai, Pundole's a vendu au lot 11 pour INR 32 crores hors frais, valant US $ 4,4M, une huile sur toile 153 x 102 cm peinte en 1974, sur une estimation basse de INR 15 crores.

10 sept. 2020

Le Traité de Bianqiao par Li Gonglin

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Li Gonglin, actif entre 1070 et 1095 CE, fut un des peintres les plus prolifiques de la période des Song du Nord. Son nom d'artiste était Li Longmian. Ses dessins étaient réalisés à l'encre noire sur papier sans ajout de couleurs. Il fut le mentor de Mi Fu.

Le Shiqu Baoji des Qing liste 107 de ses oeuvres, sur des thèmes très variés : confucéens, taoïstes, papillons, fleurs, paysages, portraits, chevaux. La minutie extrême du trait permet d'exprimer la diversité des personnalités dans un groupe.

Li a créé plusieurs oeuvres sur le thème de l'intervention de Guo Ziyi contre les Tibétains. A la déchéance de l'empereur Xuanzong des Tang en 756 CE, Guo combat contre les rebelles. Les Tibétains menacent d'envahir la Chine avec une puissante armée. Guo obtient le tribut décisif des Uighurs sans bataille, en apparaissant comme un revenant après la fausse annonce de sa mort. Il est le général qui n'a pas daigné devenir empereur.

Un dessin par Li conservé au National Palace Museum à Taipei illustre la négociation de Guo avec le chef Uighur en 765 CE. Les barbares se différencient des Chinois par leur visage déformé, leur gros nez, leur barbe mal taillée et leur costume bariolé.

Le 15 mars 2017, Christie's a vendu au lot 508 pour $ 17,6M incluant premium un rouleau à main 26 cm x 9 m par Li Gonglin intitulé le Traité de Bianqiao, qui est un autre exemple de cette interprétation ethnographique ancienne.

Dans la scène centrale, les barbares viennent négocier en deux groupes. Le groupe de gauche porte les étendards. L'autre inclut la cavalerie. Les guerriers portent leurs arcs débordant d'un carquois pendu à la ceinture. Devant et derrière eux le paysage est minimaliste dans le style de Su Shi. Le camp chinois est à gauche du rouleau. A la fin de l'histoire, des acrobates sur des chevaux volants célèbrent la victoire chinoise.


Le Trophée Anglais

La Football Association (FA) est fondée en 1863 par onze clubs anglais qui veulent uniformiser les règles et interdire de tenir le ballon à la main. Les fondateurs sont vite rejoints par d'autres clubs et il devient tentant d'organiser une compétition. Le plus simple est de procéder par élimination directe : la FA Challenge Cup est créée pour la saison 1871-72.

Cette compétition est symbolisée par un trophée qui est confié au club gagnant jusqu'à la finale de l'année suivante. Cette lourde pièce d'argenterie à soulever par deux grandes anses passe ainsi de club en club. Elle est volée en septembre 1895. Malgré une récompense promise de £ 10, elle n'est pas retrouvée. Bien plus tard, un faux-monnayeur déclarera sans preuve convaincante qu'il l'avait volée pour la fondre.

Il faut donc un nouveau trophée pour 1896. Il est réalisé par un orfèvre de Birmingham, en réplique exacte de la pièce perdue dont un moulage avait été conservé. Il mesure 41 cm de haut, 51 cm en tout avec la plinthe, et son couvercle est orné d'un footballeur.

Un changement de design est décidé en 1910 dans l'intention de protéger un nouveau modèle par un copyright. Le trophée obsolète, qui porte répartie sur plusieurs cartouches la liste des clubs vainqueurs de 1872 à 1910, est offert au président de la FA, Lord Kinnaird, un champion qui était membre du conseil depuis 1868.

Provenant de la descendance du Lord, la coupe a été vendue pour £ 480K incluant premium par Christie's le 19 mai 2005, lot 100. Elle est estimée £ 700K à vendre par Bonhams à Londres le 29 septembre, lot 6.


8 sept. 2020

L'Enveloppe de Bordeaux

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En 1847 l'Ile Maurice est le septième territoire à émettre des timbres postes pré-payés. Deux dénominations sont préparées. La première impression est réalisée avec une unique plaque de cuivre sur laquelle une seule figurine de chaque valeur a été gravée. Les encres sont différentes, orange pour le penny et bleu foncé pour le 2 pence et chaque exemplaire est imprimé individuellement. La plaque a été vendue pour € 1,23M incluant premium par David Feldman le 1er décembre 2016.

L'émission de 500 timbres de chaque valeur est prête juste à temps pour affranchir les enveloppes pour une invitation à un bal costumé au Government House. Le tarif postal est 1 penny pour une distribution à Port Louis et 2 pence pour le reste de l'île.

Les timbres portent sur le bord gauche l'inscription POST OFFICE, qui correspond aux marques précédemment utilisées par cette poste, et aussi aux premiers timbres Américains édités la même année. Cette première édition est unique. Quelques mois plus tard, de nouvelles plaques sont préparées pour une impression multiple. Les deux éditions se différencient par le texte, qui devient POST PAID.

La version POST OFFICE des timbres de l'île Maurice est extrêmement rare. Quatre lots ont été vendus par David Feldman le 3 novembre 1993 : deux timbres neufs et deux enveloppes. 

Le seul exemplaire neuf connu du 1 penny a été vendu CHF 1,4M hors frais. Un des quatre exemplaires neufs du 2 pence a été vendu pour CHF 1,5M hors frais. Une des quatre enveloppes survivantes ayant servi pour l'invitation au bal a été vendue pour CHF 1,4M hors frais.

Une enveloppe envoyée de Port Louis à un marchand de vin à Bordeaux a été affranchie au tarif international et inclut un exemplaire de chaque dénomination. Découverte en 1902 par un écolier qui consultait les archives du destinataire, elle est conservée avec sa lettre. Elle a été vendue pour CHF 5M hors frais, CHF 6,1M incluant premium.

Les images sont partagées par Wikimedia.




Bordeaux Cover

7 sept. 2020

Choc de Cavaliers Arabes par Delacroix

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Eugène Delacroix nourrissait sa fougue romantique avec un Levant imaginaire. En 1832 son voyage au Maroc, en Andalousie et en Algérie lui révèle la vraie vie et les couleurs chatoyantes de l'orientalisme. Il rapporte sept carnets de dessins et 800 feuilles qui l'inspireront pendant de nombreuses années.

En 1834 l'huile sur toile Femmes d'Alger dans leur appartement est le chef d'oeuvre de ce nouvel exotisme. Il reconstitue le salon d'un harem en mettant en scène des femmes de Paris habillées à la mode d'Alger. La peinture qui aborde indirectement le thème tabou de la prostitution est acceptée au Salon et aussitôt achetée par le Louvre. Picasso comparera ce mélange des genres à ses propres Demoiselles d'Avignon.

La même année, le Choc de cavaliers arabes est un souvenir d'une fête militaire. L'artiste montre le moment d'énergie exacerbée où deux cavaliers stoppent leurs chevaux en plein galop après avoir tiré le coup de fusil requis par la fantasia. Le thème ne séduit pas le jury parisien : cette oeuvre est rejetée par le Salon. Influencé directement par Géricault et Gros, Delacroix excellait dans la représentation des chevaux.

Cette huile sur toile 80 x 100 cm a été vendue par Piasa le 19 juin 1998 pour FF 51M, équivalant à € 7,7M, incluant premium, sur une estimation basse de FF 8M.

Le rejet par le Salon n'a pas découragé l'artiste : deux dessins autographes ont été réalisés en 1834 en sens inverse pour préparer l'édition lithographique. L'un d'eux, 18 x 25 cm, a été vendu pour € 39K incluant premium par Artcurial le 16 juin 2020.


Ramel de Nogaret par David

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Jacques-Louis David s'engage passionnément dans la Révolution. Il est élu député de Paris à la Convention et vote pour la mort de Louis XVI. Son soutien à l'Empire sera indéfectible. Il applique les traditions de la peinture d'histoire aux évènements contemporains, avec une emphase grandiose.

David dirige bien son affaire. Ses prix sont élevés et son exposition payante des Sabines pendant cinq ans dans une salle du Louvre lui rapporte une fortune. Il reçoit une pension comme Premier Peintre de l'Empire et augmente ses revenus par l'enseignement et le droit de gravure.

Les régicides sont proscrits à la chute de l'Empire. David rejoint la diaspora impériale à Bruxelles où il ne parvient pas à obtenir une fonction officielle. Dès lors, pour gagner sa vie, il suscite les commandes de portraits.

L'oeuvre de David a toujours été duale : d'un côté les oeuvres héroïques qui attirent le public, de l'autre les portraits réalistes. Le portrait de Delahaye, peint à Paris en 1815, a été vendu pour € 2,14M incluant premium par Christie's le 22 juin 2006.

Le régicide Ramel, dit Ramel de Nogaret, était également expatrié à Bruxelles. Il fut ministre des Finances sous le Directoire et tenta de reprendre du service politique pendant les Cent Jours. Il fut un ami proche de David dont il prononcera l'oraison funèbre.

En 1820 David peint les portraits de Ramel et de son épouse. Ramel, âgé de 60 ans, exprime avec dignité sa vertu incorruptible.

Les deux peintures, qui avaient été séparées, sont réunies après la vente du portrait de Ramel par Binoche pour FF 16M le 18 octobre 1995. Ils ont été à nouveau séparés dans la vente aux enchères par Christie's le 15 avril 2008. Le portrait de Ramel, huile sur toile 59 x 46 cm, a été vendu pour $ 7,2M incluant premium, lot 72. Le portrait de son épouse n'a pas été vendu. Les images sont partagées par Wikimedia.

Dominique-Vincent RAMEL by Jacques-Louis DAVID 1820

Pauline PANCKOUCKE, wife of Dominique-Vincent RAMEL, by Jacques-Louis DAVID 1820

6 sept. 2020

Armonia par Remedios Varo

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L'art de Remedios Varo est surréaliste, avec une subtile ambiance néo-médiévale. Elle intègre des contradictions et des aberrations dans des figures finement dessinées, apportant l'occultisme et l'alchimie parmi un réalisme apparent. Beaucoup de ses peintures sont des auto-portraits, dans lesquels elle est reconnaissable à un menton trop court.

Le 30 juin 2020, Sotheby's a vendu au lot 1004 pour $ 6,2M incluant premium sur une estimation basse de $ 2M une huile sur isorel 75 x 93 cm peinte en 1956, intitulée Armonia (Autorretrato sugerente).

L'atelier de l'artiste a pris la forme d'une chapelle romane. La femme est assise sur un tabouret devant une table. Elle enfile sans y porter attention de petits objets sur une portée de musique qui a pris la fonction d'un réseau de cordes, parallèlement à une figure murale qui apparaît comme un auto-portrait monochrome grandeur nature.

L'aménagement de l'atelier est symétrique, avec une autre figure monochrome et une autre portée du côté droit de la pièce. A cette place, la portée est perpendiculaire à la figure murale, dont la main jaillit hors du cadre pour attraper un objet accroché. 

Maintenant que l'attention est attirée sur ces objets, on s'aperçoit qu'ils sont partout, indéfinissables et transparents, parfois végétalisés : ils dégorgent de trappes dans le parquet et débordent des tiroirs, des coffres et du bidet. Un grimoire qui est peut-être un antiphonaire est ouvert devant la clé de sol. Cette femme qui semblait moderne est une sorcière, revendiquée dans le sous-titre comme un autoportrait. Dans la porte, un oiseau en vol échappe à cette folie surréaliste.

5 sept. 2020

La Fête d'Anniversaire par Foujita

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Foujita est à Montparnasse pendant les Années Folles. Il aime la vie mondaine, les femmes blanches, le champagne. Revenu au Japon dans les années 1930 il collabore successivement avec l'armée impériale et avec l'occupant américain. Sa situation devient intenable. En 1949 le général MacArthur parvient à le faire sortir du Japon.

Foujita séjourne pendant quelques mois à New York. Il comprend qu'il s'était fourvoyé et que l'art ne doit pas glorifier la guerre mais exprimer la paix et la beauté. Il prépare avec enthousiasme une exposition sur des thèmes nouveaux.

La figuration reste effectuée avec un trait fin dans le style Japonais. La mise en scène est inspirée par sa grande connaissance de l'art occidental. Les oeuvres incluent des symboles entremêlés qui côtoient des réminiscences personnelles.

Par exemple, Au Café, huile sur toile conservée au Centre Pompidou, suit l'Absinthe par Degas, les Folies Bergères par Manet et le Lapin Agile par Picasso. Derrière la vitre, le café d'en face est La Petite Madeleine, évoquant la danseuse du Casino de Paris qu'il avait emmenée au Japon et qui est morte d'une overdose à Tokyo en 1936.

Dans une série intitulée Hommage à La Fontaine, Foujita donne des attitudes et des expressions humaines à des figures zoomorphes. Le 11 octobre 2018 au lot 18, Bonhams a vendu pour £ 7,1M sur une estimation basse de £ 900K La Fête d'anniversaire, huile sur toile 77 x 102 cm. Fier de sa rapidité à produire un chef d'oeuvre, l'artiste a pris soin d'inscrire au verso le temps qu'il y a passé, 79 heures.

La scène évoque les banquets flamands et hollandais du XVIIème siècle. Autour de la table, les animaux sont heureux et un des chats est hilare. Comme dans le Paradis d'Isaïe, la différenciation des espèces ne les autorise pas à se manger entre eux : le repas est composé de poissons, de fruits et de gâteaux. Le cadre d'artiste 92 x 116 cm est illustré d'ustensiles de cuisine.

La figure d'une femme nue, dans le style reconnaissable de l'artiste, est clouée au mur. Elle est la seule forme entièrement humaine dans cette peinture que Foujita a humoristiquement re-signée à cet endroit.


4 sept. 2020

Cheval par Han Gan

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La peinture sur soie à l'encre et couleurs existait déjà sous les Han, avant l'invention du papier. Dès 550 CE un critique d'art définit six principes à considérer pour apprécier une oeuvre figurative. Le premier principe n'est pas dérogeable : l'artiste doit transférer son énergie dans son art. Il est aussi la base de l'art calligraphique.

Les Tang sont de grands protecteurs des arts. Les peintures narratives mettent en scène des groupes dans des situations complexes, avec des détails pittoresques. L'empereur Taizong inaugure aussi la passion des Tang pour le cheval, auxiliaire indispensable du guerrier. Il commande à Yan Liben les portraits de ses chevaux préférés.

Les chevaux impériaux Tang font l'objet d'une sélection, intégrant les meilleures races étrangères. L'apogée est atteinte sous le règne de Xuanzong. Son écurie est réputée héberger 40 000 chevaux, dont certains sont spécialement dressés pour danser devant l'empereur. Le polo, la chasse et les joutes sont pratiqués avec passion. Le principal peintre de chevaux est Chen Hong.

Vers 750 CE l'artiste autodidacte Han Gan est remarqué pour ses talents d'artiste et invité à collaborer avec Chen Hong. Han Gan délaisse la stylisation pour le réalisme. Le portrait de cheval, parfois avec un cavalier ou un palefrenier, devient son thème exclusif. Chaque animal est observé individuellement.

Le 15 mars 2017, Christie's a vendu au lot 509 pour $ 17M incluant premium l'image d'un cheval par Han Gan, 32 x 38 cm, très lisible mais abondamment fissurée. L'animal à l'élégante robe bicolore marche avec une digne lenteur. Le colophon de l'empereur Qianlong inclut pas moins de douze marques impériales et l'oeuvre est répertoriée au catalogue de sa collection, le Shiqu Baoji.

Le très long règne de Xuanzong est culturellement splendide et politiquement catastrophique. L'empereur a délaissé la gestion pour se consacrer aux plaisirs. Il est déposé en 756 CE après une courte guerre civile. Cette date est probablement le terminus ante quem pour une peinture autographe par Han Gan.


3 sept. 2020

Le Fang Hu des Royaumes Combattants

Vers 400 BCE les Zhou sont contraints de reconnaître l'indépendance totale de trois royaumes autour du Henan. Leur décadence inexorable ouvre la période des Royaumes Combattants qui mettra jusqu'à sept états majeurs en compétition. Les Qin sortent vainqueurs en 221 BCE et fondent l'empire chinois.

L'appellation Royaumes Combattants évoque à tort une anarchie. Cette période ouvre en fait la Chine à de nouveaux modes de vie, avec le développement du confucianisme et du taoïsme. Les rites sacrificiels ou funéraires traditionnels persistent tout en prenant en compte l'observation de la nature et la médecine. Les taotie, qui exprimaient le mystère des esprits, disparaissent des récipients de bronze.

L'évolution technologique du bronze devient pluridisciplinaire. Dans des pièces très épaisses, de profondes rainures sont remplies avec des matières précieuses qui apportent les couleurs : or, argent, cuivre, malachite, turquoise. Des anses et des éléments zoomorphes en bronze sont ajoutés.

Le hu, de forme balustre, est le récipient le plus courant à cette époque pour l'utilisation rituelle du vin. Le 23 septembre à New York, Sotheby's vend un fang hu couvert de 35 cm de haut, lot 578 estimé $ 2,5M. Fang signifie que la bouteille a une section carrée. Il est richement décoré d'or, d'argent et de verre.

L'or a été incrusté par martelage d'une feuille sur des bosses protubérantes régulièrement espacées ajoutées après le moulage. Le verre a été ajusté par groupes de neuf ou six perles dans des réserves creuses en forme de diamant ou demi-diamant entre les bosses d'or. Des volutes en argent décorent la surface de patine brun foncé incrustée de malachite verte. Le couvercle légèrement bombé est surmonté de quatre animaux en ronde bosse.

L'utilisation du verre, récemment introduit en Chine, est d'une très grande rareté. Le seul autre exemple de même époque de récipient de bronze incrusté de verre est une paire de hu découverte vers 1930, connue par des photographies de l'époque. 

Chaque perle de verre a la forme d'un oeil, dans une polychromie concentrique. Ce design, qui avait peut-être une signification magique, a été produit pendant une période très courte. Des exemples ont été trouvés dans la tombe du marquis Yi de la principauté de Zeng dans le Hubei, datée 433 BCE.

La vente du fang hu, qui n'avait pas été vu depuis 1938, permet une véritable redécouverte par les experts de l'opulence atteinte à l'époque des Royaumes Combattants par les bronzes rituels de forme classique.

2 sept. 2020

Le Géant Grec

Le basketball apporte des cas exemplaires qui font rêver les jeunes d'une irrésistible ascension sociale. 

Giannis Antetokounmpo est un des joueurs les plus complets de tous les temps, aussi bien en attaque qu'en défense. Il est aidé par sa hauteur, 2,11m, et par son exceptionnelle envergure, 2,36 m, mais ce géant surnommé le Greek Freak est aussi très athlétique et très agile.

Il est né apatride de parents nigérians, dans la banlieue d'Athènes. Son nom officiel est une mauvaise transcription lors de son accès à la nationalité grecque à sa majorité. Son nom d'origine est Adetokunbo. Il avait commencé sa vie comme vendeur à la sauvette.

Les règles des drafts de la NBA acceptent les étrangers. Bien que provenant d'un club grec de division inférieure, il est reçu 15ème au 1er tour en 2013, embauché par les Milwaukee Bucks. Il fait ses débuts avec les Bucks le 13 octobre 2013, devenant à moins de 19 ans l’un des plus jeunes joueurs de l'histoire de la NBA.

Les Bucks ont réussi à le garder, avec de substantielles augmentations de salaire. Ses progrès sont spectaculaires et remettent son équipe au plus haut niveau. Le 17 mars 2019 il marque 52 points dans un seul match. Le 16 décembre il a 18 paniers réussis sur 31 tentés.

Panini a depuis 2009 la licence d'exclusivité de la NBA pour les trading cars et les autocollants. Dans une vente en ligne qui se termine le 20 septembre, Goldin vend au lot 1 la rookie card National Treasures Horizontal RPA de Giannis Antetokounmpo éditée par Panini pour la saison 2013-2014. Cette carte de format horizontal numérotée One of One montre à gauche une photo du joueur, à droite sa signature autographe et au milieu le logoman NBA découpé d'un de ses maillots. Elle a été gradée Mint 9 par BGS.

1 sept. 2020

Saules et Oies par Zhao Lingrang

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Zhao Lingrang, frère du cinquième empereur Song, peignait des rouleaux et des éventails. Il est un exemple typique du prince-artiste des anciennes dynasties Chinoises.

Il est actif entre 1070 et 1100 CE, qui est une période de très grand raffinement. Il en profite pour mener une vie indolente. Il aime la musique, les femmes, les fourrures et les chevaux. Un critique d'art de son temps, proche de Su Shi, lui reproche son immaturité.

Zhao ne voyage pas : peut-être que son haut rang ne le lui permet pas. Il peint avec une douceur imperturbable des étangs dans la brume avec des canards et des oies, en s'inspirant probablement des artistes Tang.

Un rouleau à main 33 x 93 cm à l'encre et couleurs sur soie montrant des saules et des oies a été vendu pour $ 27M incluant premium par Christie's le 15 mars 2017, lot 511 de la vente de la collection du Musée Fujita. 

Cette oeuvre n'est pas signée. L'attribution à Zhao Lingrang est authentifiée par un ensemble de treize colophons de l'époque de transition entre les Song du Sud et les Yuan. Il porte également 27 sceaux de collectionneurs dont six de l'empereur Qianlong et un de l'empereur Jiaqing. Il est listé dans le Shiqu Baoji qui est le catalogue de la collection impériale Qing.