30 nov. 2020

Les Nativités de Bernardino Luini

La vie de Bernardino Luini est peu documentée. Spécialiste des fresques et de la peinture de dévotion privée, il a presque uniquement travaillé en Italie du Nord. Il a incontestablement été influencé par Léonard de Vinci dans sa technique et par Raphael dans ses compositions. 

En 1550 Vasari reconnait son honnêteté et sa courtoisie mais ne réussit pas à transcrire correctement son nom, ce qui a contribué à le plonger dans l'oubli. Bernardino est cependant un artiste doué, qui atteint sa plus grande maturité dans les années 1520 et meurt en 1532.

Les Nativités sont un de ses thèmes préférés. Le 15 décembre à Londres, Christie's vend une tempera et huile sur panneau 120 x 90 cm, lot 22 estimé £ 3M.

L'oeuvre est composée en deux plans. L'Enfant est adoré par sa mère et par Joseph, en présence du boeuf et de l'âne. L'arrière-plan est une scène de la fuite en Egypte. L'environnement sombre de la crèche met en valeur le corps nu de l'Enfant et les visages des adultes, dans une iconographie plaisante. Une date autour de 1525 est plausible.

Avec un Enfant à peine plus âgé, une présentation par St Georges du dragon massacré est également racontée en deux plans. Cette huile sur panneau 104 x 80 cm a été vendue pour € 2,3M incluant premium par Aguttes le 14 novembre 2019.



La Lumière de Halloween

Co-fondateur en 1932 au côté d'Edward Weston du Group F:64, Ansel Adams se spécialise dans la photographie de paysages américains. L'utilisation conjointe de grands formats et de très petites ouvertures apporte une définition sans précédent à ses négatifs. La préparation des épreuves est un travail d'une grande minutie pour apporter l'effet de lumière voulu par l'artiste.

La possibilité d'appliquer ces techniques pour une photographie décorative murale intéresse le National Park Service, qui est une agence fédérale. En 1941, pendant six mois, Ansel Adams sillonne les Etats-Unis avec son fils et un collaborateur.

Un soir d'automne, après une journée morose, Adams revient vers Santa Fe. La lumière du soleil couchant éclaire les croix d'un cimetière en laissant dans l'ombre le reste du paysage. La pleine lune est visible au-dessus du village.

Interpelé par la beauté de ce spectacle, Adams manque de peu d'envoyer la voiture dans le fossé. Il sort sa caméra 8 x 10 inches, ne retrouve pas son pose-mètre et évalue au mieux le temps de pose. Il fait sa photo. La lumière change dans les secondes qui suivent et ce négatif restera unique. Il reste à identifier le lieu et la date. Le village est Hernandez, New Mexico. Les astronomes définiront d'après la position de la Lune que la photo a été prise le soir de Halloween à 16:05.

Le résultat ne répond pas à la perfection exigée par Adams. Les ombres sont bouchées et le travail de cette image sous l'agrandisseur est long et fastidieux. Les très rares positifs de cette première époque traduisent la vision réaliste de ce crépuscule, avec un contraste romantique sur les croix et des détails dans le ciel. Un tirage 24 x 30 cm, probablement effectué fin novembre 1941, est estimé $ 700K à vendre par Sotheby's à New York le 14 décembre, lot 29.

Un tirage 35 x 50 cm rééquilibrant les densités, effectué vers 1946, a été vendu pour $ 360K incluant premium par Sotheby's le 14 octobre 2008. Entre temps l'image a été publiée et la demande est forte. En 1948, Adams retravaille le négatif pour faciliter les futures impressions. Ce nouvel état donne l'illusion fantastique d'un clair de lune. Un tirage 35 x 50 cm a été vendu pour $ 610K incluant premium par Sotheby's le 17 octobre 2006.


29 nov. 2020

Une Ferme dans le Maryland

En voulant exprimer la force, Clyfford Still est l'inventeur de l'expressionnisme abstrait dans les années 1940. Il s'installe à New York en 1950 mais l'agitation de la grande ville nuit à sa créativité. Sa priorité est de construire son oeuvre avec cohérence. Il rompt avec les galeristes et ses expositions se font très rares.

En 1961 il s'installe avec sa femme dans une ferme du Maryland. Face à la nature dans sa grange-atelier comme Pollock à Long Island, il peut enfin créer un vide autour de lui pour régénérer son inspiration. Jusqu'à sa mort en 1980, il peint beaucoup, pour son propre usage. Quand un besoin d'argent l'oblige à vendre des peintures, il choisit en priorité les oeuvres plus anciennes, dont il avait peint des doubles par prudence, pour préserver sa vision globale.

Pour ces raisons, ses oeuvres du Maryland ont été peu étudiées en leur temps, et très peu d'entre elles ont atteint le marché de l'art. Elles montrent pourtant la plus grande maturité de l'artiste. Les couleurs sont en nombre réduit, mais chaque zone est un mélange complexe de nuances proches, comme faisaient aussi Rothko et Soulages. De nouveaux rapports de forces remplacent les éclairs fulgurants des périodes antérieures.

PH-21, huile sur toile 195 x 175 cm peinte en 1962 avec des couleurs brillantes, a été vendue pour $ 21M incluant premium par Sotheby's le 13 mai 2013.

Le 7 décembre à New York, Phillips vend PH-407, huile sur toile 290 x 190 cm peinte en 1964, lot 14.  Le communiqué de presse du 23 novembre annonce une estimation autour de $ 17M.

La conception de PH-407 remonte à la période de New York. Le fond rouge sombre est illuminé par un rouge feu plus clair qui descend en flammes du bord supérieur. Dans la moitié inférieure, une force montante apporte une vibration par sa symétrie dans un cinglant contraste noir et blanc. Une petite tache bleue encerclée de blanc peut être imaginée comme étant en avant ou en arrière de la toile, déjouant toute tentative d'interprétation tridimensionnelle.


28 nov. 2020

La Période Rose de Sanyu

Sanyu comprend en 1929 que la peinture à l'huile est la technique la mieux adaptée à sa créativité. Avec ses dessins, il avait appliqué la simplification des formes à des thèmes variés, y compris le nu féminin qu'il avait découvert à Paris. Il peindra directement sur la toile sans esquisse, comme les calligraphes chinois sur le papier.

Sa vision artistique est d'une grande originalité. La précision du trait permet d'augmenter la simplification. Les couleurs sont réduites à l'extrême. L'application aux couleurs du principe chinois des cinq encres permet de réduire aussi les contrastes : avec un seul pigment, la variation des couleurs est obtenue par des différences d'épaisseur.

Dans un premier temps, la couleur rose apporte la meilleure démonstration de ces nouvelles théories. Elle est commune aux plus belles fleurs et à la peau des femmes, et son contraste avec le blanc peut atteindre une grande subtilité. Le bleu marine très foncé ou le noir apporte une tri-dimensionnalité. La plupart des oeuvres de cette période ont appartenu à Roché.

Le 2 décembre à Hong Kong, Christie's vend Chrysanthèmes blanches, huile sur toile 46 x 27 cm peinte en 1929, lot 122 estimé HK$ 10M. Les grosses fleurs et leur pot sont peints en blanc pur sur un fond rose pâle. Les géométries sont simples.

Peinte également en 1929, une étude de roses dans un pichet blanc sur fond blanc, huile sur toile 73 x 50 cm, a été vendue pour HK$ 59M incluant premium par Poly le 5 octobre 2015. Voici trois résultats incluant premium pour des huiles sur toile peintes en 1931 dans un style similaire :

Deux gros hortensias roses dans un vase blanc, 73 x 50 cm, a été vendue pour € 4,1M par Aguttes le 1er juin 2015. Chrysanthèmes roses dans un vase blanc, 100 x 70 cm, a été vendue pour HK$ 55M par Poly le 3 avril 2017 et Bouquet de roses dans un vase blanc, 81 x 50 cm, pour HK$ 47M par Christie's le 22 novembre 2014.

Ces études sont encourageantes. Sanyu introduit désormais de nouvelles couleurs dans ses images de fleurs, mais toujours en nombre limité sur une même toile. Les parties non essentielles de l'image sont réalisées en traits épais très simplifiés.

Bouquet de marguerites, 81 x 45 cm peint en janvier 1931, a été vendu pour HK$ 51M incluant premium par Christie's le 25 novembre 2017. Chrysanthèmes roses dans une corbeille, huile sur toile 92 x 60 cm peinte en 1931 qui n'a pas appartenu à Roché, est estimée HK$ 68M par Christie's dans la même vente que ci-dessus, lot 123.


L'Oiseau à Bascule

François-Xavier Lalanne donne une utilité à l'objet d'art zoomorphe. Parfois il ajoute le mouvement. Il crée en 1974 un Oiseau de jardin à bascule (bird see-saw). 

Cette pièce est un rocking chair 120 x 130 x 190 cm en feuilles d'acier polies et cuivrées. Il a la forme du "piaf", le sympathique moineau qui était un symbole des rues de Paris. L'utilisateur est invité à s'asseoir dans la cavité entre les ailes, posant le dos derrière la tête de l'oiseau, les coudes sur les ailes et étendant les jambes par-dessus la queue.

Ce meuble-animal, annoncé comme une pièce unique, a été vendu le 17 juin 2009 à Bruxelles pour € 550K hors frais par Pierre Bergé et Associés, lot 338, sur une estimation de € 600K. Il était vendu par un collectionneur belge qui l'avait acquis en 1974. Je l'avais discuté avant cette vente.

Un lot identique, annoncé comme provenant d'une édition en deux exemplaires, a été vendu par Sotheby's pour € 360K incluant premium le 7 décembre 2010, lot 18. La provenance est cohérente avec les informations de la vente de 2009, mais sans référence à la Belgique. Il pourrait s'agir du même exemplaire qui serait resté dans la famille du propriétaire d'origine après avoir été invendu ou impayé en 2009.

L'oiseau vendu à Sotheby's est maintenant estimé $ 1,3M à vendre par Christie's à New York le 4 décembre, lot 605. Le premier propriétaire, de 1974 jusqu'à 2010 par descendance, est identifié. Il résidait à Bruxelles, ce qui est cohérent avec la provenance annoncée en 2009. Entre temps la cote des Lalanne s'est envolée, comme un vrai piaf.


27 nov. 2020

L'Incubateur de Poupée

Yoshitomo Nara a passé douze ans en Allemagne, de 1988 à 1994 pour faire ses études d'art à Düsseldorf et jusqu'à 2000 dans son atelier à Cologne. Le trait net plait aux Japonais, habitués des estampes et des mangas.

Pour exprimer sa relation au monde, l'artiste peint des portraits de très petites filles, avec des expressions faciales changeantes. Elles ne jouent pas. Elles sont malicieuses ou perfides. La couleur du vêtement confirme l'expression : bleu clair pour être gentille, rouge vif pour être désagréable ou méchante. La robe de Knife behind back, inspirée par la visite de l'artiste à Auschwitz, est rouge. Cette acrylique sur toile 234 x 208 cm peinte en 2000 a été vendue pour HK$ 196M incluant premium par Sotheby's le 6 octobre 2019.

Le 3 décembre à Hong Kong, Phillips en collaboration avec Poly vend Hothouse Doll - in the White Room III, lot 5 estimé HK$ 50M, illustré par Phillips dans une très courte vidéo.

Peinte en 1995, cette acrylique sur toile 120 x 110 cm est une oeuvre séminale de cette série. Le titre décrit la scène. L'enfant est assise, jambes serrées et bras ballants, comme une poupée qu'on a assise sur le sol. Hothouse a un sens d'incubateur : elle veut exprimer une maturité supérieure à son âge apparent pour donner à penser aux adultes. L'espace qui l'entoure est uniformément blanc. La robe est bleue.

L'artiste a renoncé aux distorsions du visage. Le strabisme divergent des larges yeux en amandes apporte une personnalité à la fois énigmatique et distante que l'artiste réutilisera tout au long de sa carrière.



L'Eneide de Limoges

L'Enéide en émaux de Limoges est une série narrative basée sur les illustrations imprimées en 1502 pour l'humaniste Sebastian Brant. Promoteur de la culture profane, Brant voulait que le chef d'oeuvre de Virgile puisse être aussi apprécié par les illettrés.

Cette série a probablement occupé un peintre émailleur à temps plein pendant plusieurs années dans l'atelier familial de Nouailher ou Pénicaud. Elle n'a pas été documentée en son temps.

L'édition pour Brant était composée de 215 illustrations couvrant les douze chants du poème. 82 plaques de l'Enéide de Limoges ont été retrouvés. L'absence d'images des trois derniers chants montre que l'artiste travaillait dans l'ordre du poème et que le travail a été stoppé. L'absence de double montre qu'il travaillait pour un projet unique.

Les scènes en Limoges suivent de très près l'illustration de Brant. La compréhension de l'action est facilitée par des bulles identifiant les personnages. Enée et ses compagnons, qui sont partis de Troie, ont des costumes orientalistes. Le style est médiéval avec toutefois des traits plus souples que l'image d'origine.

Chaque image est peinte sur une plaque de cuivre 22 x 20 cm. Les blancs épais et les rehauts d'or apportent volume et contraste.

Le terminus post quem est 1520, quand les rectos des plaques de Limoges commencent à être préparées avec une couche d'argent qui avive les couleurs. La face arrière est également protégée par une feuille d'argent. Le terminus ante quem pourrait être 1530 quand le style gothique passe de mode.

Quatre plaques réunies de plusieurs sources par un collectionneur seront vendues par Sotheby's à Londres le 5 décembre, lot 31, lot 32, lot 33, lot 34. Elles illustrent respectivement des épisodes des chants II, III, IV et VIII. Chaque lot est estimé £ 240K.

Le 9 juillet 2014, Sotheby's a vendu pour £ 1,54M incluant premium un groupe de six plaques du chant VIII assemblées en deux rangées dans un cadre unique 65 x 82 cm, lot 2.


25 nov. 2020

Camarade Roi

Après sa première année de gloire, Jean-Michel Basquiat reste très attentif à ses camarades du street art. Le 7 décembre à New York, Phillips vend Portrait of A ONE A.K.A. Kings, acrylique, oilstick et marqueur sur toile 183 x 184 cm peint en septembre 1982, lot 16 estimé $ 10M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Dans le jargon des rues de New York, le King est un tagueur qui a établi sa renommée dans son quartier. Un King acquiert ainsi le droit de signer ses oeuvres avec une couronne. SAMO était un King. Le talent d'A ONE, de quatre ans plus jeune, est tout aussi prometteur. Ce gamin de Manhattan n'a pas eu d'autre formation que son expérience des rues et son style de peinture est authentique et complexe, avec des surfaces très remplies.

Pour faire ce portrait, Basquiat a retrouvé son style de l'année précédente. Devant un fond de graffitis marqués KINGS, le garçon afro-américain a l'attitude des guerriers et des champions caricaturés par Jean-Michel. La tête est un masque rouge surmonté d'une épaisse couronne à trois pointes. Je ne sais pas si A ONE s'est reconnu dans cette image mais ils se sont certainement bien amusés. Basquiat n'a pas oublié d'intégrer sa propre couronne de signature, plus simple.

L'innovation de Basquiat est sans limite. La peinture n'est pas montée dans un cadre mais sur un tréteau de quatre poutres dont les extrémités débordent aux quatre coins de la toile. Il aimait construire ces supports avec des morceaux de bois récupérés on ne sait où.

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24 nov. 2020

Plaisir de la Route

David Hockney ne pouvait plus se passer de Los Angeles. En 1978 il s'y installe de façon permanente. L'atelier est en bas, à Santa Monica. La résidence est en haut, dans les collines de Hollywood. Matin et soir le trajet passe par Nichols Canyon. L'environnement est idyllique : piscines, palmiers, ciel bleu, couleurs vives.

La route est à la fois sinueuse et large. Elle a été construite en 1925 pour donner à la mégapole une échappée routière confortable vers le nord. David connait tous ses méandres. Il conduit avec des gestes musicaux. La mélodie qu'il chantonne compense sa surdité croissante.

David n'est pas un musicien professionnel. Il est un artiste pictural. Pour exprimer le plaisir de son trajet, il peint en 1980 Nichols Canyon, acrylique sur toile 213 x 152 cm, avec des couleurs inspirées des exagérations vibrantes des Fauvistes.

Les méandres musicalistes de la route traversent tout l'espace. C'est une vraie route : son nom abrégé, Nichols Cyn Rd, est inscrit comme sur une carte routière. Le STOP à l'endroit où la route quitte les collines, au premier plan, marque la sortie du paradis. Le point rouge au milieu du trajet symbolise la Mercedes-Benz de l'artiste.

Nichols Canyon sera vendu par Phillips à New York le 7 décembre, lot 10. Le communiqué de presse du 26 octobre annonce une estimation autour de $ 35M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

David a pris plaisir à communiquer dans cette oeuvre son style musical de conduite automobile dans les collines. Peinte dix ans plus tard avec la même inspiration dans une perspective plus spectaculaire, Pacific Coast Highway and Santa Monica, huile sur toile 198 x 305 cm, a été vendue pour $ 28,5M incluant premium par Sotheby's le 16 mai 2018.

 

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Gretzky par O-Pee-Chee et Topps

O-Pee-Chee était un fabricant de bonbons basé à London, Ontario. La société entre dans le marché des trading cards de baseball et de hockey sur glace en 1934. En 1958 un accord est conclu avec l'américain Topps pour des opérations coordonnées. Les cartes Topps ont un dos en anglais et les cartes O-Pee-Chee sont bilingues.

Wayne Gretzky est le super-champion du hockey, et ses rookie cards publiées en 1979 par les deux sociétés sont avidement recherchées par les collectionneurs. La O-Pee-Chee est la plus rare.

Le texte du dos de la carte annonce la future grande carrière du champion : il est le meilleur espoir professionnel depuis Guy Lafleur.

Gretzky était entré à la NHL avant l'âge légal de cette ligue pour une cause conjoncturelle. Il avait joué la saison 1978-1979 à 17 ans comme professionnel avec la WHA, absorbée à la fin de cette saison par la NHL. La WHA n'avait pas de limite d'âge.

La population des rookie cards de Wayne Gretzky dans le grade suprême Gem Mint 10 de PSA est de deux unités pour l'O-Pee-Chee et deux pour la Topps. Heritage liste un exemplaire de chaque dans la vente en ligne qui se termine le 10 décembre.

L'O-Pee-Chee gem mint avait été vendue pour $ 94K incluant premium par SCP Auctions le 1er mai 2011 et pour $ 465K incluant premium  par Goldin le 4 août 2016, lot 25. Elle était alors la seule rookie card O-Pee-Chee Gretzky connue dans ce grade. Elle est estimée $ 1M par Heritage, lot 58423. La Topps est estimée $ 400K, lot 58422. Dans la même vente, un exemplaire gradé Mint 9 par PSA de la même O-Pee-Chee est estimé $ 50K, lot 58747.

23 nov. 2020

La Nuit où la Musique est Morte

Pour les jeunes, les chansons des Beatles expriment l'espoir d'une vie meilleure, avec plus de paix et de fraternité. Mark David Chapman, dont la vie est misérable, est désabusé par les informations des médias sur l'embourgeoisement de John Lennon, qui serait selon lui assimilable à une impardonnable trahison. Il se rend à New York pour assassiner Lennon.

Le crime a lieu le 8 décembre 1980 à 22 h 50 quand Lennon rentre avec Yoko Ono au Dakota Building où ils résident. Chapman, qui les avait attendus dans l'ombre du porche, tire cinq balles dans le dos de Lennon. L'assassin est désarmé par le portier mais conserve ostensiblement un exemplaire de l'Attrape-Coeur de J.D. Salinger qui raconte l'inexorable dérive d'un adolescent marginalisé.

Un peu plus tard dans la nuit, un album dédicacé par Lennon est trouvé dans un des bacs à fleurs du porche et porté à la police. Il porte les empreintes digitales de Chapman, comme s'il avait voulu apporter une preuve de sa préméditation. Cinq heures plus tôt au même endroit, un fan avait photographié Lennon signant cet album pour son futur assassin.

L'album est rendu après le procès de Chapman à son découvreur qui le cache sous son lit pendant 18 ans avant de le vendre par l'intermédiaire du courtier spécialisé Moments in Time Inc. Il sera vendu par Goldin au lot 9 dans une vente en ligne qui se clôt le 12 décembre.

Chapman est encore en prison quarante ans après les faits. Souffrant du complexe d'Erostrate, il n'avait pas voulu plaider la folie.

Banquet et Vanité

Développée depuis le début du XVIIème siècle comme un complément ou un art mineur, la nature morte entre dans une nouvelle phase vers 1640. Les flamands ont apporté le naturalisme et les hollandais ont apporté la lumière. Les fruits et autres nourritures ont rejoint les bouquets, avec Clara Peeters et Willem Heda.

Anvers et Utrecht sont distants de 150 km et les liens artistiques sont forts entre les deux villes. Les deux plus importants peintres du nouveau style, le Pronkstilleven, sont Johannes van Antwerpen, né à Utrecht, qui sera connu sous le nom de Jan Davidsz de Heem, et Adriaen van Utrecht, né à Anvers.

La nature morte montre par définition des objets périssables. Le Pronkstilleven renforce le message de vanité par l'abondance des nourritures rares, le désordre instable sur la table de préparation du banquet et la présence d'instruments de musique.

De Heem est inscrit en 1636 à la guilde d'Anvers, après avoir été formé à Utrecht et à Leyde. Entre 1640 et 1643, il réalise quatre oeuvres monumentales, qui resteront les plus grandes de sa carrière, au rythme apparent d'une peinture par an. Les clients n'ont pas été identifiés.

Fruits et riche vaisselle sur une table, huile sur toile 1,45 x 2 m conservée au Louvre, apparaît comme la première de cette série. Le déséquilibre des objets sur la nappe froissée inspirera les recherches de Cézanne et la "Nature morte d'après de Heem" peinte par Matisse en 1915 est un remake moderniste de cette oeuvre spécifique.

La seconde oeuvre est conservée au Musée Municipal de de Bruxelles. La Nature morte de banquet avec un homard a été vendue pour $ 6,6M incluant premium par Christie's le 15 janvier 1988.

La quatrième oeuvre, huile sur toile 155 x 211 cm peinte en 1643, n'avait pas été vue depuis une vente aux enchères en 1817 et n'a pas encore été nettoyée. Elle est estimée £ 4M à vendre par Christie's à Londres le 15 décembre, lot 10.

22 nov. 2020

La Comédie du Vin

La fête au village, animée par de joyeux personnages, est un des thèmes favoris de David Teniers le Jeune. Une huile sur toile apparaît comme unique par sa narration des étapes de l'industrie du vin, depuis la construction du tonneau jusqu'à la dévotion à Bacchus, dans le plus grand format utilisé par l'artiste, 145 x 267 cm.

L'histoire se lit de gauche à droite. Le raisin livré par les vendangeurs attend dans l'appentis des tonneliers. Le vieux vigneron présente le tâte-vin au marchand. Les villageois forment une joyeuse compagnie, serrés autour d'une table. Certains sont déjà saouls. Plus loin la procession brandit des flambeaux devant le temple de Bacchus.

L'artiste a pris soin de montrer avec précision les processus et les outils de cette activité. Le marchand, qui occupe exactement la position centrale du premier plan, était certainement le commanditaire de l'oeuvre. La jeune femme qui surveille trois petits enfants et garde la bourse sans se préoccuper des villageois est son épouse.

Teniers ne ratait pas une occasion de s'insérer quelque part dans ses compositions. Il est là, en second plan, en joyeux buveur qui agace le chien. Il a environ 35 ans. Tout concorde pour attribuer à cette oeuvre une date autour de 1645.

Gardée comme un trésor pendant 240 ans dans une famille de l'aristocratie anglaise, cette peinture est estimée £ 3M à vendre par Sotheby's à Londres le 10 décembre, lot 12. Le titre utilisé lors de sa dernière exposition en 1881, Worship of Bacchus, convenait à la sensibilité Victorienne. Il s'appelle maintenant The Wine Harvest.

King Kong Style B

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Sorti au cinéma en 1933, King Kong est un film sensationnel par ses personnages, ses aventures et ses trucages. L'affiche la plus connue, Style A, montre le gorille surgissant comme un gigantesque fantôme au-delà de la scène de théâtre.

L'affiche de Style B est beaucoup plus rare. Tandis que la Style A met en valeur la puissance du monstre, la Style B exprime une insurpassable agressivité : Kong, vu de profil, montre ses terribles crocs tout en tenant dans son coude la reine de beauté évanouie. Elle inclut aussi en images secondaires la lutte de Kong contre un dinosaure et les gratte-ciel de New York.

Deux exemplaires du Style B en format 100 x 200 cm en trois feuilles assemblées ont été vendus par Heritage. Ils sont tous deux en état Very Fine +.

L'un d'eux a été monté sur un lin gris-bleu qui était en usage en Europe à cette époque. Il a été vendu pour $ 390K incluant premium le 30 novembre 2012, lot 83252. L'image est partagée par Wikimedia. 

L'autre exemplaire, également monté sur lin, a été vendu pour $ 336K incluant premium le 21 novembre 2020, lot 86182. Un détail est montré sur le tweet ci-dessous.

Wikimedia indique que cette oeuvre est dans le domaine public parce qu'elle n'avait pas fait l'objet d'un copyright.

King-Kong-1933-RKO

21 nov. 2020

Going to the Pictures par Drysdale

VENTE PASSEE

Né dans le Sussex, Russell Drysdale s'installe avec ses parents à Melbourne en 1923, à l'âge de 11 ans. Il entre au Geelong Grammar School, où il a comme copain de classe Peter Purves Smith. Les deux jeunes gens seront les pionniers d'un nouveau thème de l'art pictural, décrivant la vie humble et rude dans l'outback, en extérieur et intérieur.

En 1940 Drysdale, presque aveugle, n'est pas accepté au service militaire. Pour se changer les idées, il va tondre les moutons. De retour dans son atelier en 1941, il renie son style antérieur, trop chatoyant pour le thème de la désolation rurale.

Ses personnages sont minces, avec un corps et des membres très allongés dans les proportions des illustrations de mode de l'Art Déco. Les paysages parsemés d'arbres desséchés sont directement inspirés du Kangaroo Hunt peint en 1938 par Purves Smith.

Le 11 novembre 2020, Deutscher and Hackett a vendu pour A$ 2,95M incluant premium Going to the Pictures, huile sur toile 46 x 55 cm peinte par Drysdale en 1941.

Toute la famille est endimanchée, les hommes avec une cravate et la femme avec son sac à main. Ils se préparent pour aller en ville dans une torpédo d'avant 1914. Au premier plan, le père de famille tourne le dos à la scène pour se faire admirer, tout en tenant l'arrosoir avec lequel il rafraîchira son véhicule d'un autre âge.

En 1944 l'outback est dévasté par la pire sécheresse de son histoire. Going to the pictures et sa suite narrative Sunday evening préfiguraient la sensibilisation sociale de l'artiste en faveur de ces familles défavorisées mais pas découragées. Drysdale ne se joint pas aux revendications politiques des Angry Penguins.


20 nov. 2020

North Shore par Tom Roberts

VENTE PASSEE

Né à Dorchester en Angleterre, Tom Roberts s'installe avec ses parents dans la banlieue de Melbourne en 1869, à l'âge de 13 ans. Il décide de faire des études d'art et passe trois ans en Angleterre, de 1881 à 1884.

Roberts est influencé par les avant-gardes européennes, et plus précisément par l'efficacité du trait dans l'art de Whistler. Il décide de devenir l'interprète du paysage australien dans toutes ses spécificités de lumière, d'espace et de chaleur et rencontre les impressionnistes locaux, McCubbin et Streeton.

Tom Roberts et Charles Conder échangent leurs idées sur l'art. En mars 1888, Roberts fait une visite de trois semaines à Sydney. Il est logé dans la famille de son jeune ami, avec qui il explore les potentialités artistiques du port, considéré non sans raison par les australiens comme le plus beau port naturel du monde.

Le 19 novembre 2020, Menzies a vendu pour A$ 920K incluant premium une vue du North Shore, huile sur panneau 26 x 35 cm peinte par Roberts en 1888, lot 28. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Loin du centre ville, cette vue montre l'accostage du ferry à Milson's Point, bien avant la construction du pont. Le beau matin d'automne australien apporte un mélange spectaculaire entre la luminosité des maisons blanches et la brume des fumées des bateaux à vapeur. La fumée montrée comme un symbole de la vie moderne n'est pas sans rappeler les Gare Saint-Lazare de Monet.

Cette peinture est une étude pour l'huile sur toile 46 x 72 cm de la même scène, conservée par l'Art Gallery of New South Wales.



19 nov. 2020

Aureus Eid Mar de Brutus

VENTE PASSEE

Pendant les guerres civiles ou étrangères, les généraux ont besoin de beaucoup d'argent pour payer les soldats. Jules César utilise les butins de la Guerre des Gaules et les réserves du Trésor public. Ses deniers sont les premières monnaies de la république romaine à l'effigie d'une personne vivante. Cette pratique était courante dans le monde grec, où plusieurs généraux romains l'avaient appliquée à leur profit.

César se fait nommer dictator perpetuo. Soupçonné de liberticide, il est assassiné moins de deux mois plus tard, aux Ides de Mars 44 BCE, par un groupe mené par Brutus et Cassius. Dans une première phase, les tyrannicides sont approuvés par le Sénat. En mission officielle en Macédoine et en Thrace, Brutus émet des monnaies à son effigie. L'abréviation IMP (imperator) à côté de son nom signifie seulement "général".

Octavien (qui sera plus tard Auguste) et Antoine revendiquent séparément la succession de César. Ils se réconcilient en 43 après une courte guerre et obtiennent la condamnation in absentia des tyrannicides. La guerre civile se porte alors contre Brutus et Cassius qui se considèrent comme les ultimes défenseurs de la liberté.

Au début de 42, Brutus et Cassius veulent rentrer à Rome avec leurs armées. Ils préparent leurs monnaies avec les butins ramassés par Cassius en Asie Mineure. La monnaie de Brutus devient révolutionnaire. Le recto porte l'effigie avec un dessin légèrement amélioré. Le verso revendique l'assassinat de César par l'inscription EID MAR (pour Eidibus Martiis) en grosses lettres sous trois figures symboliques : le bonnet de la liberté entre les poignards des deux chefs tyrannicides.

EID MAR a été frappé en or et en argent avec les mêmes matrices. Ces monnaies ont été rappelées et fondues par Octavien et Antoine après les défaites et la mort de Brutus et Cassius en octobre 42 et sont très rares. Un denier d'argent a été vendu pour $ 550K incluant premium par Heritage en septembre 2011 et un autre pour $ 520K incluant premium par Goldberg en juin 2014.

Trois aureus EID MAR ont survécu, dont un très mal centré et percé. Le meilleur des trois, très bien centré et dans un état presque neuf, a été vendu pour £ 2,7M hors frais par Roma Numismatics le 29 octobre 2020, lot 463.

15 nov. 2020

Les Sables Ocres de Yungang

Zao Wou-Ki est dévasté par la mort de son épouse May en 1972, à l'âge de 41 ans. Pour reconstruire sa vie, il fait de fréquents voyages en Chine et utilise de très grands formats pour simuler un espace infini. Il épouse en 1977 sa troisième femme, Françoise.

Il visite à l'automne 1981 les grottes de Yungang, le gigantesque sanctuaire bouddhique créé par les Wei il y a 1550 ans. De retour dans son atelier, il peint le triptyque 15.1.82. 

L'image est structurée en deux registres principaux pour une vision ascendante. Le premier plan est obscur, ouvrant une fenêtre sur une atmosphère impressionniste composée d'ocre jaune mêlé de lilas, qui est une référence directe aux sables de Yungang. Le bord bas de l'image est frangé de flammèches claires qui sont une expression de joie et de vitalité.

15.1.82, huile sur toile 195 x 390 cm hors tout, a été vendu pour HK$ 85M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2013, lot 11, et est estimé HK$ 70M à vendre par Christie's à Hong Kong le 2 décembre, lot 143.

Le triptyque Juin-Octobre 1985, 2,80 x 10 m hors tout, offre une contemplation comparable, avec des contrastes similaires. La partie sombre remonte sur les bords extrêmes, donnant l'illusion d'une scène de théâtre. Cette huile sur toile monumentale a été vendue pour HK$ 510M incluant premium par Sotheby's le 30 septembre 2018.

Les Poissons Secrets de Sanyu

Henri-Pierre Roché était un découvreur de talents. Il rencontre Chang Yu (Sanyu) à Paris en 1929. Le potentiel artistique de Sanyu était considérable, par sa volonté d'indépendance de style et par sa connaissance de la culture chinoise. Ce n'est pas un hasard si Sanyu utilise la même année l'huile sur toile pour la première fois.

Sanyu a déjà une personnalité difficile. Il est jaloux de son art qui mériterait selon lui d'être mieux payé. Après une phase de très grande créativité, il doit faire face à de grandes difficultés après la mort de son frère en 1931 et rompt peu après avec Roché.

Goldfish, huile sur toile 74 x 50 cm, est une synthèse de la recherche artistique de Sanyu. Huit poissons nagent dans un aquarium cylindrique en verre transparent posé sur une nappe, devant un mur de couleur corail saturée. 

L'extrême simplicité de la composition a pu être comparée à l'art de Matisse. Les autres évocations sont chinoises. Le chiffre 8 et le poisson sont des augures de prospérité. Les signes éparpillés sur la nappe rappellent que juste avant de rencontrer Roché, Sanyu voulait appliquer les techniques de la calligraphie à ses dessins. La position variée des poissons est similaire aux jarres Jiajing avec une intéressante différence dans la variété des couleurs individuelles.

Goldfish n'est pas datée, tout comme la plupart des oeuvres de Sanyu qui n'ont pas été confiées à Roché. Le premier propriétaire connu de cette peinture est son ami Robert Frank, que Sanyu n'a pas rencontré avant 1948, une époque où il était préoccupé par la promotion de son ping-tennis. Goldfish, qui est un des exemples les plus intimes de la sensibilité de Sanyu, avait probablement été peint dans une de ses périodes les plus enthousiastes et conservé pendant de nombreuses années dans le secret de son atelier. Aucune autre composition à huit poissons n'est connue.

Goldfish a été vendu pour HK$ 67M incluant premium par Sotheby's le 5 octobre 2013, lot 7, et est estimé HK$ 120M à vendre par Christie's à Hong Kong le 2 décembre, lot 800.


13 nov. 2020

Le Rond Rouge par Kandinsky

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De 1922 à 1933, Wassily Kandinsky cherche avec ses collègues du Bauhaus les éléments basiques de la création picturale. Il ne reste plus rien de son inspiration figurative, remplacée par une disposition équilibrée des formes géométriques et des couleurs. Son inspiration musicale, exacerbée en 1911 par Schönberg, ne le quittera jamais.

Son exil à Paris le libère de l'enseignement, et par conséquent de son asservissement à la géométrie. Les formes observées en embryologie et en microbiologie génèrent une variante sans précédent de son panthéisme. Il admire ces organismes souples inventés par la nature, qui se meuvent sous le microscope dans une harmonie qui avait échappé aux yeux humains.

Le 12 novembre 2018, Sotheby's a vendu au lot 4 pour $ 20,6M incluant premium Le Rond Rouge, huile sur toile 89 x 116 cm peinte en 1939. L'image est partagée par Wikimedia.

En haut à droite, l'image est dominée par une orbe rouge intense dans un épais cercle noir. Cette figure est la source vitale, qui nourrit le reste de la surface par l'intermédiaire d'épais filaments noirs. En bas à gauche, un sol en forte perspective est jonché d'éléments géométriques. Une influence du dodécaphonisme de Kandinsky sur le boogie-woogie de Mondrian mériterait d'être analysée.

Kandinsky - Red Circle, 1939

Le 150ème Anniversaire de Patek Philippe

Pour son 150ème anniversaire en 1989, Patek Philippe confirme superbement qu'il est le leader des montres à complications. La grosse montre Calibre 89 est prête à temps, avec pas moins de 33 complications. Quatre exemplaires sont fabriqués. L'un d'eux a été vendu pour CHF 5,1M incluant premium par Antiquorum le 14 novembre 2009.

Les montres bracelets connaissent aussi une nouvelle avancée avec l'introduction au catalogue de la référence 3974. Elle est la première montre bracelet à associer la répétition des minutes avec le remontage automatique. Cette merveille de miniaturisation, qui offre également le calendrier perpétuel et les phases de la lune, intègre 467 composants dans un diamètre de 28mm et une hauteur de 6,8 mm. Le boîtier est inspiré de la 2499, modifié pour optimiser le son du carillon.

Les mouvements ont certainement fait l'objet d'un seul lot de production, mais l'assemblage a été réalisé jusqu'en 2002. Une 3974 dont le cadran laqué noir est unique en son genre pour cette référence a été vendue pour CHF 1,18M incluant premium par Phillips le 15 mai 2016. Cinq exemplaires sont connus en or blanc. L'un d'eux a été vendu pour HK$ 5,4M incluant premium par Sotheby's le 7 avril 2013.

Au-delà de 2000, les dernières 3974 ont peut-être été assemblées pour une ultime utilisation des composants restants en stock. Un cas de ce genre est connu : les deux dernières 2499 assemblées en 1987 à la demande de Philippe Stern. L'une d'elles a été vendue pour CHF 3,45M incluant premium par Christie's le 12 novembre 2012.

Le 12 décembre à New York, Phillips vend une 3974 en or blanc assemblée et vendue en 2001, lot 10 estimé $ 600K.


12 nov. 2020

Dans la Manche de Steve McQueen

Fondée en 1860 dans le Jura Suisse, Heuer est spécialisé dans les chronographes de très haute précision à l'usage des sports. La marque est utilisée aux Jeux Olympiques à partir de 1920 puis aborde des spécialités comme les sports d'hiver. En 1964 le modèle Carrera vise le sport automobile. Un partenariat est signé plus tard avec le champion suisse Jo Siffert.

Heuer réussit en 1969 en coopération avec trois autres sociétés le développement du Calibre 11, qui est le premier mouvement de chronographe à remontage automatique. Ce calibre est intégré dans une nouvelle variante de l'Autavia et dans la 1133 Monaco. La Monaco est une montre spectaculaire d'une forme sans précédent, dont le boîtier carré étanche a été conçu par un décolleteur.

En 1970 le film Le Mans est réalisé à la gloire de la compétition automobile avec Steve McQueen comme acteur vedette aidé par Siffert pour l'entrainement et pour la préparation des cascades. Jo est très populaire et Steve veut absolument lui ressembler. Sous l'incitation de Jack Heuer, Steve arbore le logo Chronograph Heuer sur sa combinaison et porte une 1133 Monaco fabriquée en 1969.

Steve retrousse ses manches opportunément et la Monaco est très visible tout au long du film. Ce choix est conjoncturel : l'acteur préfère sa Rolex Submariner. Après le tournage, il donne la Heuer à son chef mécanicien avec une inscription gravée au dos : To Haig / Le Mans 1970. Haig comprend vite l'intérêt historique de sa montre, qu'il met au coffre pour près d'un demi-siècle. Elle sera vendue par Phillips à New York le 12 décembre, lot 20.

Une 1133 similaire a été vendue par Profiles in History le 31 juillet 2012 pour $ 650K hors frais sur une estimation basse de $ 200K. Elle était accompagnée d'un bon de garantie vierge établi par la société Heuer pour "24 h at Le Mans 1970" agissant comme vendeur potentiel, ainsi que d'une lettre d'authenticité de l'accessoiriste du film. Il est quasiment certain que Jack Heuer avait laissé plusieurs montres à la disposition de l'équipe de tournage.

11 nov. 2020

Une Autre Daytona pour Paul Newman

Paul Newman est passionné par le contrôle du temps, chronométrant tout et n'importe quoi. En 1968 sa femme l'acrice Joanne Woodward lui fait un cadeau parfaitement adapté à son besoin : une Rolex Cosmograph Daytona référence 6239. La précision est hors pair et la robustesse est parfaite.

Pour leurs 25 ans de mariage en 1983, Joanne renouvelle la Daytona. Elle offre à Paul une Cosmograph 6263, assemblée vers 1981, également en acier inoxydable. Le succès est similaire : Paul la portera presque tous les jours jusqu'à sa mort en 2008.

La 6263 est une Oyster dont le chronomètre est actionné par un poussoir vissé, pour éviter un démarrage involontaire sous l'eau. Toujours prêt pour l'action, Paul aimait garder ce poussoir en position dévissée.

Sinon l'utilisation est similaire avec les mêmes sous-cadrans. Sa 6239 a un cadran off-white avec des sous-cadrans noirs. Sa 6263 a des sous-cadrans blancs et un fond noir. Sa variante est nommée Big Red pour décrire l'inscription en grandes lettres du mot Daytona et les grands bâtons marqueurs des heures.

A quinze ans d'intervalle, Joanne a fait inscrire au dos des montres un mot gentil pour inciter Paul à la prudence sur les pistes : Drive Carefully Me sur la première, Drive slowly / Joanne sur la seconde.

Quand la 6239 est devenue un doublon, Paul l'a donnée à l'ami de sa fille Nell. La montre a refait surface trente ans plus tard et a été vendue par Phillips le 26 octobre 2017 pour $ 17,8M incluant premium sur une estimation de $ 1M à 2M. Entre temps les amateurs de Rolex avaient donné aux modèles Daytona le sobriquet Paul Newman.

Sa fille Clea avait conservé la 6263. Cette montre est estimée au-delà de $ 1M à vendre par Phillips à New York le 12 décembre, lot 38.

Les Forges de Rapa

On ne peut pas faire la guerre sans armes. En 1775 les premières batailles de la guerre d'indépendance sont gagnées par les Américains à Lexington et Concord. La pénurie menace : les Arsenaux Continentaux ne suffisent pas. Les productions privées sont les bienvenues.

Une importante forge privée est créée à Rappahannock près de Fredericksburg en Virginie par James Hunter, un planteur d'origine écossaise. Elle fournit toute une gamme d'équipements depuis les baïonnettes jusqu'aux armes à feu. Hunter est le premier américain à produire des armes de poing, sur un modèle britannique, et livre 80 000 mousquets aux révolutionnaires. L'Etat de Virginie fournit la poudre à canon nécessaire pour tester les armes.

Deux pistolets de luxe ont survécu, répondant à un modèle unique, marqués J. Hunter et Rapa Forge. Montés en argent, ils ont certainement été réalisés ensemble pour une commande privée. 

Un des destinataires est identifié : le lieutenant-colonel Moses Rawlings, qui commande en 1776 le Maryland and Virginia Rifle Regiment. Son pistolet appartient à la Maryland Historical Society. Son jumeau est estimé $ 250K à vendre par Morphy à Denver PA le 17 novembre, lot 1009 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers. Un destinataire possible est Charles Scott, colonel en 1776 du 5th Virginia Regiment. Son pommeau de crosse est un masque grotesque en fort relief.

Le terminus ante quem de ces deux pistolets est probablement février 1777, quand les wagons de livraison de Hunter sont réquisitionnés pour un usage militaire, mettant son affaire en grande difficulté. Ses meilleurs employés s'engagent dans l'armée. Il ferme définitivement la forge en 1781.

10 nov. 2020

Déjeuner au Jambon par Teniers

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Pieter Bruegel l'ancien avait rendu populaires les scènes rurales. Adriaen Brouwer, membre de la guilde d'Anvers en 1631, développe les scènes de tavernes avec plus de truculence.

Né dans une famille d'artistes, David Teniers le jeune est influencé par Brouwer. Il se rapproche de Jan Brueghel l'ancien dont il épouse la fille en 1637. Tout au long de sa carrière, Teniers est un artiste très prolifique dans divers thèmes de la scène de genre animée par de nombreux personnages.

Jan Brueghel avait été un des meilleurs utilisateurs de l'huile sur cuivre, qui allie la finesse de la touche et la grande beauté des couleurs. Son gendre adopte aussi cette pratique en utilisant des formats de plus en plus grands qui permettent d'introduire confortablement une multitude de détails, souvent avec humour.

Le Déjeuner de jambon, huile sur cuivre 63 x 85 cm peinte par Teniers en 1648, a été vendue pour £ 4,7M incluant premium par Christie's le 4 juillet 2019 sur une estimation basse de £ 800K, lot 15. L'image est partagée par Wikimedia.

Teniers aimait les compositions en plusieurs scènes. Le Déjeuner au jambon montre deux salles d'une auberge. Au premier plan, les vieux sont attablés pour manger un jambon. Deux personnages regardent en fumant la pipe. Dans l'arrière-salle, les jeunes dansent en groupes serrés au son de la cornemuse. 

L'animation et la diversité des attitudes prime sur la qualité trop caricaturale des portraits. Par exemple, une des jeunes danseuses se laisse embrasser par son partenaire tandis qu'une autre plus timide n'a pas confiance dans un joyeux drille. L'artiste a cloué son auto-portrait au-dessus de la cheminée.

Une huile sur cuivre 70 x 88 cm peinte en 1651, montrant une élégante compagnie dans le jardin de Rubens incluant l'artiste et sa femme, a été vendue pour £ 1,57M incluant premium par Sotheby's le 6 décembre 2017 sur une estimation basse de £ 800K. lot 43.

David Teniers II - Le dejeuner jambon

Une Bonne Bande de Copains

Dans la suite du mouvement Black Power, il apparaît clairement que la communauté afro-américaine est mal représentée dans l'art graphique. Barkley L. Hendricks réalise les portraits de ses amis en grandeur nature dans toute la variété de leur habillement et de leurs attitudes.

Ces jeunes gens aiment la musique pop, le jazz et la danse. Ils sont fiers et décomplexés. La grandeur nature, le style photoréaliste, les couleurs vives donnent au spectateur de la série l'illusion de vivre avec le groupe.

Ils sont heureux. Un tube de 1974 est une chanson d'Al Green intitulée Sha la la (Make me happy). Le 17 novembre à New York, Sotheby's vend Jackie Sha-la-la, huile et acrylique sur toile 127 x 152 cm peinte par Hendricks en 1975, lot 108 estimé $ 2M.

La jeune femme est lovée dans un coin du canapé. La tête est droite et la bouche est autoritaire, mais la main levée pour brandir une canette est une invitation à la communication. Elle porte une robe imprimée avec des motifs floraux. L'ombre du chapeau à large bord couvre les yeux mais l'assurance du regard ne fait pas de doute.

Voici trois oeuvres de la même période vendues par Sotheby's. Les résultats incluent le premium.

Un groupe de deux hommes intitulé Yocks peint en 1975 a été vendu pour $ 3,74M le 16 mai 2019 sur une estimation basse de $ 900K. Brenda P, portrait d'une jeune femme debout peint en 1974, a été vendu pour $ 2,17M le 16 mai 2018 sur une estimation basse de $ 700K. North Philly Niggah, peint en 1975, a été vendu pour $ 1,93M le 14 novembre 2018 sur une estimation basse de $ 1,2M.

Ces résultats malheureusement posthumes marquent l'appréciation récente au sommet du marché de l'art des portraits peints par Barkley Hendricks, avec sa spécialisation communautaire, son réalisme et sa psychologie convaincante.

9 nov. 2020

Hampes d'Arbalète

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Le fer succède au bronze à l'époque des Royaumes Combattants, dont les Zhou de l'Est font partie. Un art nouveau nait alors : le bronze cloisonné, dont la technique est parfaitement maîtrisée, devient le support pour l'incrustation par martelage à froid de matériaux divers qui apportent la couleur : or, argent, cuivre, jade, verre, malachite, turquoise.

C'est la naissance de l'objet de luxe, désormais dégagé de l'usage rituel. Il est pour son propriétaire un signe de puissance et l'accompagne dans la tombe. Les pièces les plus raffinées sont à l'usage des rois.

Le 3 novembre 2020, Christie's a vendu une paire d'éléments de chariot pour £ 1,52M incluant premium sur une estimation basse de £ 600K, lot 12. Je vous invite à lire l'article partagé par la maison de ventes, incluant une vidéo.

Les deux éléments, 26 cm de long chacun, sont en bronze somptueusement incrusté d'or et d'argent, sur le thème du dragon gobant un phoenix. La dynastie Zhou a établi le dragon et le phoenix comme des symboles du roi et de la reine.

Ces pièces ont été produites à l'époque des Zhou de l'Est, après la chute des Zhou de l'Ouest, il y a 2400 à 2300 ans. Leur usage est connu grâce à des chariots de guerre retrouvés dans des tombes, y compris celle du premier empereur de Chine, Qin Shihuang, en 210 BCE. La paire constitue deux hampes ajourées installées côte à côte à l'avant du chariot. Les cous ondoyants des phoenix servent de crochet pour tendre la corde d'une arbalète. Pour un tel objet de luxe, l'utilisation ne peut pas être militaire. Elle est probablement cérémoniale.

 

La Maîtrise du Feu

Peintre lorrain, Georges de La Tour a fait presque toute sa carrière à Lunéville. Comme Murillo, les modèles de ses portraits de saints sont des personnes de son entourage. Influencé par les Caravagistes d'Utrecht, il aime les scènes nocturnes. Il utilise cet effet dans des compositions paisibles qui sont en opposition totale avec les bouges de van Honthorst.

Un portrait de saint Jacques le Majeur peint vers 1620 pour la cathédrale d'Albi a été vendu pour $ 3,23M incluant premium par Sotheby's le 24 janvier 2008 sur une estimation basse de $ 1,5M.

L'oeuvre de La Tour, révélée en 1915 par Hermann Voss, est célèbre auprès du grand public par la visibilité de la source de lumière, le plus souvent une chandelle. Ce style unique en son genre a été développé tardivement, après 1635, avec sa série de la Madeleine pénitente.

Le braisier, est une autre source de lumière. Dans l'obscurité des cuisines, les femmes en ont besoin pour préparer le repas. Le feu couve dans ce réchaud sous forme d'ambres oranges ou rouges, et on l'entretient en brassant ou soufflant. Le potager est un instrument similaire où le feu est enfermé pour protéger la cuisinière contre les escarbilles et les goudrons. La Tour est fils de boulangers, et le braisier est probablement aussi un souvenir d'enfance.

Le 8 décembre à Cologne, Lempertz vend La Fillette au braisier, huile sur toile 76 x 55 cm incluant une bande ajoutée dans le haut de l'image, lot 11 estimé € 3M. Elle est datée autour de 1646 par Pierre Rosenberg et est la seule Nocturne tardive par La Tour en mains privées. L'image est partagée par Wikimedia.

La jeune paysanne vue de profil souffle en prélevant une braise. Elle accorde toute son attention à cette occupation ordinaire. La composition est d'une grande délicatesse par sa simplicité, sans information superflue sur l'environnement de cette scène nocturne. Cette peinture avait peut-être eu comme pendant un jeune garçon soufflant du verre, dont deux versions ont été authentifiées.

Georges de La Tour La Fillette au brasero Collection particuliere

8 nov. 2020

Compositions Végétales par Wu Changshuo

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Wu Changshuo avait été ruiné par les guerres civiles de la fin des Qing. Cet artiste aurait pu être le dernier des grands literati impériaux mais dut se contenter d'un emploi mineur dans l'administration, ce qui l'aida certainement à continuer à travailler sous le nouveau régime.

Par sa formation d'origine comme graveur de sceaux, Wu avait compris l'importance de laisser la liberté au mouvement de sa main. Il se spécialise dans les images de végétaux, avec un coup de pinceau inspiré de l'art émotionnel du calligraphe. Il aime exprimer la densité des feuillages. Sa spontanéité l'a fait comparer à Bada Shanren, le grand non-conformiste du début des Qing.

Wu innovait par la simplicité et la vivacité du trait et par l'utilisation de couleurs vives. Quand Qi Baishi s'installa à Beijing en 1917, Wu l'encouragea à moderniser pour toujours l'art pictural chinois.

Le 17 décembre 2017, Poly a vendu pour RMB 210M incluant premium un ensemble de douze panneaux  133 x 53 cm chacun peints à l'encre noire par Wu Changshuo en 1915-1916, lot 2638. Cette anthologie végétale inclut la pivoine, le narcisse, la grenade, le lotus, le pin, la prune, le bambou, le chrysanthème, l'orchidée, la glycine, le chou et un autre que ma source a oublié de lister, chacun avec un texte ou un poème.

Ils sont tous illustrés en deuxième entrée dans l'article partagé par The Value après cette vente très importante, au côté notamment des douze paysages par Qi Baishi vendus pour RMB 930M incluant premium.


De Grands Méchants Loups

Jim Warren cherche une formule pour prendre sa part du gâteau dans l'édition des histoires pour adolescents et jeunes adultes. Il trouve essentiellement son inspiration avec les monstres du cinéma d'horreur, et crée un mélange de comics et de pulp magazines. Le premier numéro de Creepy parait en 1964. Le succès amène d'autres titres dans le même style : Eerie en 1966, Vampirella en 1969.

Frank Frazetta est un dessinateur de comics. Il a le même goût pour les films d'horreur. Dans le No 1 de Creepy, il illustre une bande dessinée intitulée Werewolf.

Ses talents sont indéniables. Warren lui confie désormais l'illustration de la plupart des couvertures, y compris dans un éphémère magazine d'histoires de guerre. Cette initiative libère l'imagination débordante de l'artiste de la contrainte du respect des textes et des oeuvres. C'est le grand tournant de sa carrière.

En juin 1965 la couverture de Creepy No 4 est à nouveau un loup garou, mais sans référence à une histoire spécifique. La bête furieuse attaque un voyageur médiéval. L'ambiance est apportée par de nombreux détails : le vol de chauves-souris autour du château hanté, l'obsédante lune orange, l'arbre mort enjambé par le monstre, le crâne au sol au premier plan.

Cette image est intitulée Wolfman par l'artiste. La peinture originale 36 x 48 cm est acquise par le frontman d'un groupe de musique metal, qui publiera des comics dans les années 1990. Elle sera vendue le 19 novembre par Heritage à Dallas, lot 91011. Le communiqué de presse du 4 novembre annonce une estimation au-delà de $ 1M.

Egyptian Queen était l'image de couverture de Eerie No 23, en 1969. Provenant de la famille de l'artiste, la peinture 50 x 66 cm a été vendue pour $ 5,4M incluant premium par Heritage le 16 mai 2019.

7 nov. 2020

Gotta Catch the Sealed Box

Les jeunes gens attendaient des jeux compatibles avec les techniques électroniques dans toutes leurs diversités. Inventé au Japon en 1995, Pokémon l'a fait. Les trading cards ne sont qu'un élément de leur succès planétaire. Les Pokémons ont su démultiplier leurs espèces pour que les jeux soient continuellement relancés et inclure des codes à scanner pour découvrir des jeux cachés. Depuis 2016 le Pokémon-Go conçu pour les téléphones mobiles est un phénomène social, incluant quelques applications qui concurrencent les réseaux sociaux.

Wizards of the Coast, créé en 1990 dans la banlieue de Seattle, assurait déjà la transition avec la préhistoire du jeu vidéo par l'acquisition de Dungeons and Dragons en 1997. En 1998 ils obtiennent la franchise pour l'édition des cartes Pokémon aux Etats-Unis.

Le Base Set est édité en janvier 1999 avec 102 monstres irrégulièrement répartis dans les paquets. Les vedettes sont Charizard, Blastoise, Venusaur et l'incontournable Pikachu. La rapidité de la diversification assure le succès. Jungle ajoute 64 cartes en juin 1999 et Fossil 62 cartes en octobre de la même année. Entre temps, en septembre, Wizards a été racheté par Hasbro pour environ $ 325M.

Les cartes sont commercialisées par paquets de 11, et la vente en gros est faite sous forme de boîtes scellées contenant 36 paquets, pour un contenu total de 396 cartes qui ne peuvent pas être connues à l'avance. Les boîtes des trois premiers sets incluent un slogan encourageant la frénésie, Gotta Catch 'em All, et une indication faussement élitiste, 1st Edition Limited Printing. Dans la vraie vie, l'édition était si peu limitée qu'elle a engorgé la production des imprimeurs de cartes.

La chasse aux monstres des premières générations a quitté le domaine du jeu pour atteindre les collectionneurs. Ils adorent les boîtes restées scellées dans leur emballage d'usine, dans lesquelles les mystérieuses cartes n'ont jamais été manipulées.

Le 19 novembre à Dallas, Heritage vend une boîte scellée de chacun des trois premiers sets. 12 jours avant la vente, le Base Set au lot 92312 dépasse déjà très largement les $ 198K incluant premium enregistrés par la même maison de ventes il y a deux mois. Le Jungle est au lot 92314 et le Fossil au lot 92315.

Dix Ans au Caire

Fils d'un graveur, John Frederick Lewis commence sa carrière comme un typique artiste voyageur anglais, captant les lieux et les moeurs par ses dessins et ses aquarelles. De plus en plus intéressé par la culture islamique, il s'établit au Caire en 1841. Il y passe dix ans, habilement intégré à la vie locale sans rompre avec la communauté britannique.

Ce sera son dernier voyage. Il a suffisamment d'esquisses pour continuer en Angleterre sa carrière de peintre. Il se souvient de l'ambiance cosmopolite du Caire de sa jeunesse, avant la modernisation par Ismail Pacha de la grande ville Ottomane. L'intérêt apporté par Lewis à la vraie vie orientale anticipe Bauernfeind.

Le bazar est un lieu de commerce, bien sûr, mais aussi de rencontres. Lewis se souvient du bezestein, un terme désignant le marché public où se vendent les marchandises les plus précieuses, dont les vêtements de soie et les étoffes brodées. Le grand bezestein du Caire est le Ghuriyyah, une extension Mamlouk du Bazaar d'El Khan Khalil.

Le 18 novembre à Londres, Christie's vend une vue de ce bazar, huile sur toile 116 x 88 cm peinte par Lewis en 1872, lot 12 estimé £ 3M.

L'allée étroite est une copie d'un dessin effectué par l'artiste pendant son séjour. Le très haut plafond vitré donne une impression d'opulence. Les hommes jouent de la musique, chantent, rient. Les instruments de musique Egyptiens et les tissus proviennent de la collection rapportée en Angleterre par l'artiste.

Pour son commerce, Lewis avait l'habitude de créer ses sujets simultanément à l'huile et à l'aquarelle. L'aquarelle de cette vue du bazar est conservée à la Cecil Higgins Art Gallery à Bedford, Angleterre.

Le Repas de midi au Caire, huile sur toile 88 x 114 cm peinte en 1875, est un autre exemple d'animation intense avec de nombreux personnages. Elle a été vendue pour £ 2,47M incluant premium par Christie's le 15 juin 2005.


6 nov. 2020

Casablanca entre Guillemets

Casablanca sort en 1942. Le film de la Warner Brothers, mêlant amour et action, plait au public et lance la carrière d'Ingrid Bergman et Humphrey Bogart. L'iconographie des affiches est d'une grande variété.

La publicité a maintenant besoin de grands formats, qui sont souvent conservés sur toiles de lin. L'un des plus grands est en six feuilles pour un format total de 205 x 205 cm. Elle était faite pour annoncer une programmation et les exemplaires survivants sont extrêmement rares.

Le couple romantique occupe la position principale, soulignée par une ribambelle de personnages secondaires. La netteté de l'image est excellente et les couleurs sont vives.

Le dessin d'origine a une particularité. Le titre Casablanca apparaît en rouge, en biais dans la partie basse. Il est inséré entre un guillemet rouge et un guillemet blanc. Ce n'est peut-être pas une erreur : la marque blanche s'apparie très bien avec le col et les épaulettes de l'officier allemand.

Un exemplaire en état VF- avec les guillemets d'origine a été vendu pour $ 108K incluant premium par Heritage le 24 mars 2013. Un exemplaire en état Very Fine dont la marque droite a été peinte en rouge à l'aérographe lors d'une restauration est estimé $ 150K à vendre par Heritage à Dallas le 21 novembre, lot 86087.

La sortie du film dans d'autres pays apporte d'autres exemples de grand format avec d'autres images. Une affiche italienne imprimée en 1946, 140 x 200 cm en trois feuilles, a été vendue pour $ 480K incluant premium par Heritage le 29 juillet 2017. Une affiche française 118 x 160 cm imprimée en 1947 a été vendue pour $ 240K incluant premium par Heritage le 19 novembre 2017.

5 nov. 2020

Avec Matisse à Lavender Bay

Par la fenêtre de son atelier à Sydney, Brett Whiteley a une vue sur Lavender Bay. La mer est bleue, comme la Méditerranée de Matisse.

La vision moderniste de Matisse avait changé l'art, désormais différencié de l'esthétique. Il écrit en 1908 : « Ce que je rêve, c'est un art d'équilibre, de pureté, de tranquillité, sans sujet inquiétant ou préoccupant, qui soit, pour tout travailleur cérébral, pour l'homme d'affaires aussi bien que pour l'artiste des lettres, par exemple, un lénifiant, un calmant cérébral, quelque chose d'analogue à un bon fauteuil qui délasse de ses fatigues physiques. »

L'Atelier Rouge est une application directe de cette théorie prometteuse. Exposée au MoMA, cette monumentale huile sur toile 180 x 220 cm peinte en 1911 a considérablement influencé Rothko en 1952.

En 1974 Whiteley peint dans le goût de Matisse une vue de son appartement-atelier, avec humour et subtilité. Son huile, encre et fusain sur toile 195 x 300 cm intitulée Henri's Armchair est une anthologie des thèmes et styles de Matisse : la mer bleue, le dessin de nu féminin, le désordre de la cimaise, le bouquet sur la table, la suppression Cézannienne de la perspective. Il innove en adjoignant un poste de télévision à l'illusion des fenêtres et des miroirs et en ajoutant au premier plan les jambes nues de Wendy au coin du feu.

Henri's Armchair est estimée A$ 5M à vendre par Menzies à Sydney le 26 novembre, lot 1.

Whiteley peint à la suite en 1976 trois oeuvres qui confirment l'originalité de sa propre vision et assurent sa réputation : My Armchair, Self portrait in the studio, Interior with time past. My Armchair, huile sur toile 206 x 283 cm, a été vendue pour A$ 3,9M incluant premium par Menzies le 31 octobre 2013.

4 nov. 2020

Crochet de Ceinture en Jade

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De nouveaux usages apparaissent dans la Chine des Zhou. Le crochet de ceinture est un nouvel accessoire fonctionnel qui comporte sur sa face arrière un goujon pour boutonner la ceinture, et sur sa face avant un crochet à insérer dans une fente à l'autre bout de la ceinture. Le matériau est ordinaire : bronze, os ou bois.

La salubrité du jade est reconnue et cette pierre est de plus en plus utilisée par les princes pour les coupes, les chopes et les gobelets. Plus de mille ans plus tard, la porcelaine atteint une salubrité similaire. Elle est réellement industrielle et remplace le jade.

L'utilisation d'un matériau précieux comme crochet de ceinture est un luxe extravagant. Le 3 novembre 2020, Christie's a vendu une telle pièce pour £ 2,9M incluant premium, lot 7. Cet accessoire 9,2 x 6,4 x 1,6 cm en forme de bouclier a été ciselé dans une épaisse plaque monolithique de jade jaunâtre translucide parsemé de rousseurs. Il est accompagné d'un petit support en zitan.

La figure principale est une sorte de dragon. La bête est figurée deux fois, la tête en ronde bosse qui sert de crochet, plus un masque incisé sur la face avant. Ce crochet a une corne unique qui forme une boucle. Cet animal non identifié avait certainement une signification totémique ou magique pour son propriétaire. La décoration inclut également un réseau ajouré de nuages en volutes, et un oiseau stylisé à longue queue incisé sur la face arrière dans la nuque du monstre.

Pour cette période, la datation se fait par comparaison avec le contenu des tombes. Une version semblable mais non ajourée dans la même nuance de jade est datée du tout début de l'époque des Han de l'Ouest, autour de 200 BCE.

3 nov. 2020

Le Justicier Volant

En 1938 Superman prend les lecteurs par surprise par ses pouvoirs surnaturels. L'éditeur DC Comics surfe immédiatement sur son nouveau succès et demande au jeune artiste Bob Kane de concevoir un héros plus humain.

The Batman n'a pas de super-pouvoir. Pour terroriser les méchants, il porte une cape noire inspirée de Zorro. Ce vêtement est tellement large qu'il lui permet de voler. Ses ailes de chauve-souris évoquent aussi le plus célèbre des vampires, Dracula, qui faisait des ravages chez les cinéphiles à cette époque.

Sûr du succès de la première histoire de Batman, DC Comics sort le numéro 27 de Detective Comics le 31 mars 1939 avec une date nominale de mai 1939 qui permettra aux libraires de le garder pendant plusieurs semaines avant de renvoyer les invendus. La couverture est un chef d'oeuvre de Bob Kane.

Et ça marche ! Les lecteurs se précipitent. Les copies non restaurées restées en parfait état de ce Detective Comics sont très rares. CGC recense un exemplaire gradé 9.2, deux 8.0, deux 7.5 et deux 7.0. Un VF 8.0 off-white-to-white pages a été vendu pour $ 1,08M incluant premium par Heritage le 25 février 2010. Un VF- 7.5 off-white a été vendu pour $ 660K incluant premium par Heritage le 5 août 2010.

Un autre exemplaire a une histoire sympathique. Le garçon qui s'intéressait aux magazines de géographie et de mécanique était ami du fils du propriétaire d'une maison de presse qui l'informait des nouveautés. Attiré par le dessin de couverture, il a acheté ce # 27 qu'il a conservé en prenant bien soin de ne pas le souiller, et qui restera le seul comic book de sa collection. Sans avoir changé de mains, cet exemplaire gradé FN/VF 7.0 off-white a été vendu pour $ 490K incluant premium par Heritage le 18 novembre 2010.

L'autre exemplaire gradé 7.0 par CGC est également off-white. Il sera vendu par Heritage à Dallas le 19 novembre, lot 91044. Il est bien centré et très propre avec des couleurs très fraiches, sans aucune marque ajoutée à l'encre ou au crayon. Le communiqué de presse du 2 novembre annonce une estimation de $ 1M.

2 nov. 2020

Le Rouble de Ioann

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La très impopulaire impératrice Anna Ivanovna est malade et n'a pas d'enfant. Elle désigne pour lui succéder un nouveau né, son petit-neveu Ioann Antonovitch, sous la régence de son ancien amant. Quand elle meurt en octobre 1740, le prince héritier a deux mois.

L'usine de Saint-Petersbourg prépare les monnaies du futur règne. Les roubles d'essais en argent à la date de 1740 portent à l'obvers l'inscription cyrillique Ioann III par la grâce de Dieu empereur et autocrate de toute la Russie. Sur la même face, la traditionnelle effigie impériale est remplacée par un grand 3 entrelacé avec deux I. Le revers est illustré de l'aigle à deux têtes avec ses attributs : la couronne, le bouclier, le sceptre et l'orbe.

Cette monnaie est immédiatement périmée : le nom de règne de l'enfant n'est pas Ioann III mais Ivan VI. Seuls cinq exemplaires ont été identifiés. L'un d'eux a été vendu pour CHF 3,6M hors frais par Sincona le 9 octobre 2012, lot 227 ici lié sur la plate-forme d'enchères NumisBids. La localisation des quatre autres n'a pas été établie.

En 1741 l'enfant a grandi et les nouveaux roubles sont frappés à son effigie. Son père a renversé le régent. Les russes craignent le retour de l'influence allemande et renversent l'enfant et sa mère par un coup d'Etat en décembre 1741. Les monnaies d'Ivan VI sont rappelées et leur possession est interdite.

Une autre succession difficile générera en 1825 l'autre très grande rareté de la numismatique des Romanov, le rouble d'essais préparé au nom et à l'effigie du grand-duc Constantin avant qu'il refuse formellement de monter sur le trône. Huit pièces sont connues.


1 nov. 2020

Philadelphie par Heap et Scull

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La Pennsylvanie, colonie anglaise en Amérique du Nord, est la propriété de son fondateur William Penn. A sa mort en 1718 ses trois fils lui succèdent comme copropriétaires. Le géodésien Nicholas Scull fait toute sa carrière à Philadelphie et devient surveyor general de la province en 1748.

A cette époque le pionnier des vues perspectives d'Amérique du Nord est William Burgis, qui a publié les ports de New York en 1719 et Boston en 1725. Philadelphie est devenue la ville la plus peuplée des colonies, avec 20 000 habitants. La famille Penn voit l'intérêt de tels documents pour attirer les investisseurs et confie leur préparation à Scull. Le surveyor se fait aider par un artiste nommé George Heap, qui était probablement apparenté à sa femme.

Le 10 octobre 2020 Arader Galleries a vendu pour $ 490K incluant premium une carte gravée de la région de Philadelphie préparée en 1752 par Scull et dessinée par Heap, lot 147 ici lié sur la plate-forme d'enchères LiveAuctioneers. Ce document est illustré d'une vue perspective du State-House. Cet exemplaire 55 x 32 cm est le seul connu sur soie.

La même équipe prépare également en 1754 la vue panoramique du front de rivière de Philadelphie sur une longueur d'environ un mile. L'image est agrémentée de bateaux et moulins qui donnent l'impression d'une activité commerciale et navale intense. 

Heap meurt en 1760 et Scull en 1761. Entre ces deux évènements, la vue est imprimée à Londres en quatre feuilles séparées pour un format total de 50 x 210 cm plus les marges de séparation. Une version légèrement plus petite a été publiée en octobre 1761 par le London Magazine.

Un exemplaire de la version large a été vendu pour $ 970K incluant premium par Arader dans la même vente que ci-dessus, lot 141.