20 avr. 2021

Fermeture Prochaine de ce Blog

Bonjour

Je vous invite à continuer à suivre mes travaux sur mon site Arthitparade.net.

J'ai sauté le pas : j'écris maintenant directement en anglais, bien que ce ne soit pas ma langue maternelle. J'ai opté pour l'anglais en 2008 parce que cela me donnait une meilleure audience. 

C'est un hobby, et cela m'aurait donné trop de travail et trop de risque d'erreurs de mettre en place un vrai site dans les deux langues.

Je ne renouvellerai pas l'URL du présent blog, Arthitparade.com, quand elle arrivera à échéance en octobre 2021.

Bien cordialement

Pierre

14 avr. 2021

Un Moment avec LeBron James

Top Shot est une marque de vidéos lancée en 2020 par Dapper Labs, un spécialiste canadien de la blockchain, avec le support officiel de la NBA qui partage le copyright. La collection est constituée de séquences marquantes de matchs de basketball. Les éditions utilisent la technologie NFT avec sa garantie d'authenticité.

Moins d'un an après le lancement, les moments commencent à arriver sur le second marché. Dans la série 1, l'un des plus intéressants pour son mouvement exemplaire et sa charge émotionnelle est un dunk réalisé par LeBron James le 6 février 2020. Ce jour là, les Los Angeles Lakers reçoivent les Houston Rockets. Les visiteurs gagnent sur le score de 121-111.

Kobe Bryant avait fait toute sa carrière avec les Lakers. Deux ans après sa retraite, LeBron James a rejoint ce club. Le match de février 2020 a été joué au Staples Center, la salle habituelle des Lakers, la veille des funérailles privées de Mamba et Mambacita.

Tout va très vite au basketball. Le moment édité par Top Shot dure treize secondes. En une seule seconde, LeBron reçoit la balle, court en grandes enjambées vers le poteau adverse, saute et marque. La vidéo est complétée par un ralenti sur le dunk, un portrait du joueur à mi-corps dans une autre action et l'affichage du score final.

Les habitués du Staples sont formels. Dix-neuf ans plus tôt, du même côté de ce court, Kobe avait réussi un dunk identique, à deux mains par l'arrière, qui est un sommet de l'esthétique de ce sport. Cet exploit apparait comme un hommage de LeBron à Mamba.

Ce moment a été édité en 59 exemplaires dans la série From the Top et en 1000 exemplaires dans le Base Set. Le numéro 3/59 est estimé $ 350K à vendre en ligne par Heritage le 15 avril, lot 57438. Le 824/1000 a été vendu pour $ 62K par Heritage le 18 mars 2021.

13 avr. 2021

L'Action des Couleurs

Gerhard Richter redéfinit la peinture. Il rejoint Malevitch quand il considère qu'une huile sur toile est un produit achevé qui n'a pas besoin de références figuratives. Dans les années 1970, il tente plusieurs formes d'abstractions dont les monochromes gris et les chartes de couleurs.

1982 est une année de grandes expérimentations. Du côté du figuratif, Richter peint les icebergs. Les formes et les couleurs se dissolvent, d'une façon plus douce que sur les étranges photo-réalismes flous de la phase précédente. La même année, les bougies sont un prétexte pour aborder la totalité du spectre coloré.

Le pas est vite franchi. Egalement en 1982, l'artiste peint des abstractions en très grand format. L'opus 492, Gelbgrün, est un diptyque de 260 x 400 cm hors tout, vendu pour £ 10,9M incluant premium par Sotheby's le 7 mars 2018, lot 28

Sur un fond bleu clair, l'artiste a ajouté de grandes formes flottantes en jaune strident et vert vif, par des gestes amples inspirés de l'Action Painting de Franz Kline. Le squeegee apparaît comme un complément au pinceau et au couteau pour apporter un semi-automatisme.

Ces expériences sont convaincantes, et les abstractions deviennent prédominantes dans l'art de Richter.

L'opus 573-1, Schwefel, huile sur toile 200 x 300 cm peinte en 1985, a été vendu pour $ 12,5M incluant premium par Sotheby's le 14 novembre 2018, lot 37, et est estimé HK$ 80M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 19 avril 2021, lot 1127.

Les couleurs vives sont plus variées que dans l'exemple ci-dessus, sur un fond vert. Les gestes sont moins amples, réduisant l'effet de balafre. La composition est un savant mélange entre l'ordre et le chaos. Par cet aspect, Schwefel est un précurseur de l'Abstraktes Bild 599, huile sur toile 300 x 250 cm peinte en 1986, dans laquelle Richter ajoute la confrontation de l'horizontal et du vertical. 599 a été vendu pour £ 30,4M incluant premium par Sotheby's le 10 février 2015.


Révolution

Le NFT sera bientôt partout. Cette technologie dérivée du blockchain des cryptomonnaies code de façon inaltérable l'authenticité d'un objet, quel qu'il soit, réel ou numérique. Le débat éthique mondial de cette décennie sera son application à l'identité des personnes physiques.

En 2021 ce jeton virtuel transforme le monde de l'art parce qu'il représente la première technologie qui empêche la falsification d'une oeuvre numérique. Une alliance est possible entre les concepteurs et les producteurs d'une part, les maisons de ventes aux enchères d'autre part. Les premiers bénéficient de l'expérience marketing des seconds pour des coups médiatiques.

L'oeuvre d'art numérique authentifiée par NFT peut prendre toutes les formes : statique, dynamique, réalité virtuelle, réalité augmentée, ou simple séquence vidéo. L'oeuvre proprement dite peut être unique ou éditée en milliers d'exemplaires, le NFT ayant dans ce cas un rôle comparable à la sérialisation d'un objet réel. 

La créativité est illimitée, pour l'art, sa mise en oeuvre et son offre sur le marché. A la base le NFT n'est pas élitiste. Les vidéos de basketball éditées par la NBA remplacent les cartes de sport tout en apportant une bonne qualité visuelle aux actions spectaculaires des plus grands champions.

L'opération conduite par la plate-forme Nifty Gateway en coopération avec Sotheby's a des caractéristiques originales. Elle regroupe l'achat d'une oeuvre de série illimitée, l'attribution d'oeuvres de séries limitées pour ses meilleurs acheteurs et la vente aux enchères de deux pièces uniques. Tout cet ensemble a été développé par un concepteur unique identifié sous le nom de Pak.

Le marketing est dynamique, avec une fenêtre de ventes très limitée. L'opération était annoncée depuis plusieurs jours sous le titre de The Fungible Collection mais les oeuvres n'ont été dévoilées que le 12 avril, pour une clôture des ventes à prix fixe et des enchères le 14 avril. Voici le lien vers le mini-site dédié de Sotheby's..

L'oeuvre de base, Cube, est vendue pour $ 1000 dans la seconde journée. 15000 exemplaires ont été vendus pendant la première journée.

Les deux oeuvres uniques aux enchères sont The Switch et The Pixel.

The Switch est dynamique. L'objet virtuel est un assemblage de cubes évidés, sur deux axes croisés. La révolution virtuelle autour du sujet donne successivement la visibilité sous tous les angles.

The Pixel est statique et conceptuel. Il fallait l'oser, et Pak l'a fait. Cette visualisation symbolique d'un unique pixel apporte en quelque sorte les technologies contemporaines au Carré blanc sur fond blanc de nos arrière-grands parents.

12 avr. 2021

Figures Clandestines

Tout au long de sa carrière, Willem de Kooning se met résolument à l'écart de toutes les écoles. A ses débuts, il supprime la frontière entre le figuratif et l'abstraction. Dans les années 1970, les formes et les couleurs deviennent foisonnantes. Dans les années 1980, elles sont simplifiées sans pour autant devenir minimalistes. Les formats restent très grands, aux limites des possibilités physiques de l'artiste vieillissant.

Le 19 avril à Hong Kong, Sotheby's vend l'Untitled XLVIII de 1983, lot 1109 estimé HK$ 39M. Sur cette toile 224 x 196 cm, l'artiste a disposé des formes ondulantes de deux couleurs pures, le rouge et le jaune. L'effet d'ensemble pourrait faire penser à la passion tardive de Kandinsky pour la microbiologie. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

Vu de plus près, la cohérence individuelle des formes disparaît. Le jaune est bordé de rouge, mais pas partout. L'espace qui sépare deux éléments jaunes devient un ruban. L'élément jaune en bas à gauche est partiellement évidé. Les lignes rouges sont brisées, avec une fausse invitation à raccorder les segments. Les formes rouges étirées portent des reflets, qui apportent une illusion tridimensionnelle en contradiction avec la microbiologie.

L'artiste n'est évidemment pas un suiveur de Kandinsky, Mondrian ou Matisse. On peut risquer une comparaison avec son compatriote Escher : De Kooning a transféré l'impossibilité des formes dans une totale abstraction.

Le 12 mai à New York, Sotheby's vend Stowaway (en français, passager clandestin), huile sur toile 203 x 178 cm peinte par De Kooning en 1986 avec des caractéristiques similaires au XLVIII mais avec moins de simplicité. Le catalogue est en cours de préparation. Ce lot est estimé $ 6M.


 

11 avr. 2021

Luxe Automatique

En 1988 Rolex modernise la Daytona Oyster Perpetual avec les séries 16520 à remontage automatique. Elles utilisent le calibre 4030 qui est directement dérivé du Zenith 400 El Primero créé en 1969. En 2000 le 4030 est remplacé par le 4130 qui est le premier calibre automatique entièrement conçu par Rolex.

Le succès est immédiat. En 1991 Rolex, tenté de revenir au marché des montres de luxe, crée la 16518 en or jaune bientôt suivie de la 16519 en or blanc. La 16518 introduit aussi le cadran Racing avec chiffres arabes.

A la fin de la décennie, Rolex assemble quelques spécimens en platine sous la référence 16516, avec des cadrans uniques de couleurs différentes, pour tester l'effet. La population est estimée à 4 ou 5. Sotheby's connait trois d'entre elles.

L'une d'elles, datée 1998, a un cadran bleu turquoise. Elle est estimée HK$ 4M à vendre à Hong Kong le 23 avril, lot 2154.

Une autre, avec un numéro de boîtier adjacent à l'exemple précédent, a été assemblée en 1999 avec un cadran en lapis lazuli. Elle a été vendue le 11 juillet 2020 pour HK$ 25,4M incluant premium sur une estimation basse de HK$ 4M, lot 2236.

Le troisième exemple, assemblé en 1999 avec un cadran en nacre, a été vendu pour HK$ 6,8M incluant premium le 2 octobre 2018, lot 2265. Récemment découverte, cette montre était alors annoncée au catalogue comme la seule Daytona en platine connue.

10 avr. 2021

Le Fidèle Mastiff

Zhang Daqian aimait être entouré d'une grande diversité d'animaux familiers. En 1970, pour le premier jour de l'année du chien, il dédicace pour un de ses gendres un autoportrait au saint-bernard, encre et couleurs sur papier blanc 176 x 96 cm. 

L'artiste de profil prend le rôle d'un vieil érudit en robe blanche qui étudie un rouleau à main sans se préoccuper de son entourage. Selon sa pratique pendant toute sa carrière, cet autoportrait exhibe son âge sans complaisance. Le chien fidèle, droit à ses côtés, attend que le maître lui prête attention.

Le dessin préparatoire pour cette composition ne montrait pas un saint-bernard mais un mastiff tibétain. Dans le même format que la peinture du nouvel an, Zhang a réalisé à une date non déterminée une oeuvre plus achevée, sur papier doré. Le dessin est le même, avec le fidèle mastiff.  La fourrure noire duveteuse du chien est le point fort de cette image. Par contraste, le fond est peint avec la technique d'éclaboussement inspirée des Tang.

Peint pour son usage personnel, cet autoportrait au mastiff a été donné à son épouse. Il est un lien entre le présent, l'homme septuagénaire, et le passé, un chien de berger intelligent et fidèle nommé Black Tiger qui n'avait pas survécu au climat chaud et humide de la Chine du Sud 27 ans plus tôt. Zhang, qui aimait les gros chiens, avait rapporté le saint-bernard de Suisse.

L'autoportrait au mastiff sur papier doré est estimé HK$ 48M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 18 avril, lot 8003.



9 avr. 2021

Les Couleurs du Matador

Avec son habit à paillettes (traje de luces), le matador est le symbole de la fête espagnole. La dernière série homogène exécutée par Picasso explore ce thème en quinze peintures réalisées entre le 27 septembre et le 23 octobre 1970.

Le matador succède ainsi au mosquetero, avec lequel il a en commun l'épée, symbole de virilité et indirectement de la nostalgie de l'artiste vieillissant. Le mosquetero avait aussi une pipe, dont l'usage est désormais interdit à Pablo par ses médecins. Le matador bénéficie d'une composition en buste, qui est plus simple, moins loufoque et finalement bien plus optimiste. Le mosquetero était le souvenir du glorieux passé. Le matador est le consciencieux libertador de la nouvelle Espagne, meurtrie par la guerre civile de Franco.

L'ardeur au travail ne faiblit pas. Pablo date quatre huiles sur toile sur le seul 27 septembre. Les trois premières sont des études pour la quatrième.

Ce Buste de Matador IV, huile sur toile 130 x 97 cm, est basé sur le très dynamique contraste de deux couleurs complémentaires, le bleu clair et l'orange foncé. Cette peinture est estimée HK$ 100M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 18 avril, lot 8005.

L'ultime pièce de cette série est un portrait dans un style presque réaliste, sans la double perspective du visage. Cette huile sur toile 146 x 114 cm a été vendue pour £ 16,5M incluant premium par Sotheby's le 28 février 2018.

7 avr. 2021

Une Rondelle de Métal Blanc

Il ne fait aucun doute que l'Aigle sur Demi-Globe est un test de matrices fait en cuivre et en métal blanc à l'Usine de Philadelphie en 1792. Il ne respecte pourtant pas les directives du Congress Act du 2 avril 1792 selon lesquelles les pièces en cuivre doivent être inscrites de leur dénomination sur le revers.

Les archives de l'Usine sont très incomplètes pour cette première année. On ne saura sans doute jamais quel était l'objectif de cet essai : qualifier un concepteur ou préparer un nouveau modèle en cuivre ou en argent, qui aurait été un cent ou un quarter dollar. Une chose est sure : il n'y a pas eu de suite.

L'artiste était compétent. Le profil de Miss Liberty est agréable. Le travail est attribué à Joseph Wright, considéré à l'époque comme un des meilleurs portraitistes et dont la mère était modeleuse de cire. Il a fait des essais pour l'Usine, connus par la liste des impayés qu'il a établie sur son lit de mort en septembre 1793. L'aigle sur globe était depuis 1778 l'interprétation choisie par l'état de New York pour le symbole de l'Amérique.

Deux pièces sur cuivre ont survécu. La plus belle, gradée MS63 Brown par NGC, a été vendue pour $ 2,23M incluant premium par Heritage le 8 janvier 2015. L'autre est conservée au Smithsonian.

Avant 2003, deux pièces en métal blanc étaient connues, avec des poids respectifs de 345 et 242 grains. La composition de l'une d'elles a été analysée par NGC : 50 % de plomb et 48 % d'étain.

En 2003 un inventaire à la New York Historical Society a révélé deux autres spécimens jusqu'alors inconnus, pesant respectivement 247 et 216 grains. Ils ont tous deux été gradés AU58 par NGC. Aucune archive les concernant n'a été retrouvée. La plus légère a été dé-accessionnée. Elle sera vendue par Heritage à Dallas le 24 avril, lot 4960.

Il existe aussi deux essais monofaces en métal blanc. L'obvers, pesant 480 grains, est gradé AU53 par PCGS. Le revers, pesant 433 grains, est gradé XF45 par NGC. Cette paire sera vendue ultérieurement par Heritage.

6 avr. 2021

Sky Moon Tourbillon en Platine

Avec la Star Calibre 2000, sortie en octobre 2000, Patek Philippe mettait le ciel dans la poche de ses clients. Ce modèle de 73 mm de diamètre et 32 mm de haut intègre 21 complications dont la carte du ciel nocturne qui tourne counterclockwise.

Six mois plus tard la référence 5002, également connue sous le nom de Sky Moon Tourbillon, est la première montre-bracelet Patek Philippe à double cadran. Cette montre de 42 mm de diamètre  et 16 mm de haut intègre 12 complications activées par 686 composants. Le verso offre la carte du ciel directement inspirée de la Calibre 2000 avec un mécanisme miniaturisé. Une variante avec le ciel de l'hémisphère sud pouvait être préparée sur demande.

Les résultats ci-dessous incluent le premium. 

Une très rare 5002G-010 en or blanc, assemblée en 2012, a été vendue par Phillips le 25 novembre 2019 pour HK$ 18M. Une 5002 en or rose livrée en 2008 a été vendue pour CHF 1,2M par Antiquorum le 12 mai 2013 juste après l'arrêt du modèle. Une 5002 en or jaune assemblée en 2011 a été vendue par Sotheby's le 8 octobre 2019 pour HK$ 11M.

La version en platine est la 5002P. Une montre assemblée en 2003 a été vendue par Sotheby's le 10 avril 2008 pour HK$ 11,8M. Une montre assemblée en 2010 a été vendue par Christie's le 14 novembre 2016.pour CHF 1,15M. Un des tout derniers exemplaires, livré en février 2013, a été vendu par Antiquorum le 13 mai 2018 pour CHF 1,05M.

Une 5002P-001 achetée en 2004 est estimée $ 1M à vendre par Christie's en ligne depuis Dubai le 8 avril, lot 1.

La référence 6002 a pris la suite en 2013 avec la même dénomination Sky Moon Tourbillon.

5 avr. 2021

La Vertu du Grand-Père

1722 CE est la 61ème et dernière année du règne de Kangxi. Il a consacré toute sa vie à son rôle de dirigeant politique, continuellement soucieux du bien-être de son peuple. Cet empereur compétent n'a pas voulu que son oeuvre disparaisse avec lui.

Dans le troisième mois de cette 61ème année, il demande qu'on lui présente un de ses nombreux petits-fils, le prince Hongli, âgé de dix ans. Le garçon a effectivement des dons prometteurs, intellectuellement et physiquement. Le vieil empereur, âgé de 69 ans, prend en charge personnellement de façon intensive l'éducation martiale et littéraire du prince. A sa mort quelques mois plus tard, une lettre jusqu'alors secrète est ouverte, désignant comme son successeur le père de Hongli.

Hongli monte à son tour sur le trône en 1735 avec le nom de règne de Qianlong. Sa brève relation avec son grand-père l'a marqué pour la vie. Kangxi restera son modèle, pour son attitude et ses engagements. Un empereur doit faire le bien sans relâche en appliquant jour après jour les plus hautes vertus. La piété de Qianlong pour son grand-père était si intense qu'il démissionnera dans la 61ème année de son propre règne, en un hommage prémédité depuis plusieurs décennies à Kangxi.

Qianlong a beau être le Fils du ciel, il est aussi un être humain. L'accession de son père à l'empire a été faite au détriment d'un de ses oncles et sa propre légitimité pourrait être contestée. Il écrit en 1742 un essai de justification à l'usage du Palais Impérial. 

En 1766 la question reste valide. Qianlong retravaille son essai qui est inscrit sur une tablette à l'usage du Ji'entang, la Salle du souvenir de grâce. L'empereur explique comment et pourquoi son grand-père lui a transmis son influence bienfaisante, et les efforts quotidiens qu'il n'a pas cessé de faire pour être digne de cette confiance. Il prend soin de détailler comment un empereur de la dynastie des Zhou avait organisé sa propre succession en écartant un héritier vertueux mais sans ambition.

Un sceau en jade blanc est réalisé la même année pour être utilisé dans la même salle, avec les trois caractères pour l'impression du mot Ji'entang en script archaïque. Le pourtour est incisé de la version complète de l'essai. Le bouton est une paire de dragons enlacés.

Le saccage du Palais d'Eté en 1860 a laissé quelques rousseurs sur le pourtour mais la marque et les dragons sont indemnes. Ce sceau carré de 10,4 cm d'une hauteur totale de 7,8 cm est estimé HK$ 125M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 22 avril, lot 3603. Il est le troisième sceau à forte signification historique raconté par Nicolas Chow dans la vidéo partagée par Sotheby's.



Le Grand Maréchal

Chang Tso-lin (Zhang Zuolin) est un des plus puissants seigneurs de la guerre. Maître absolu de la Mandchourie depuis 1916, il déclenche de nouvelles hostilités en 1922 pour étendre son pouvoir territorial. Il prend Beijing en 1927 et s'attribue le titre de "grand maréchal du gouvernement militaire de la république de Chine".

Le nouveau chef du Kuomintang (Guomindang), Chiang Kai Shek (Jiang Jieshi), entreprend de réunifier la Chine. Chang Tso-lin perd Beijing le 3 juin 1928. Le lendemain, il meurt dans l'explosion de son train privé, perpétrée par une faction rivale. Son fils Chang Hsueh-liang (Zhang Xueliang), surnommé le Jeune Maréchal, lui succède.

La monnaie est indispensable pour assurer la fidélité des soldats, surtout dans une guerre civile. Depuis 1912, la monnaie officielle de la République de Chine est le dollar. 

Un dollar d'argent a été préparé à l'effigie de Chang Tso-lin en tenue civile à la date de l'an 17 de la République, 1928 CE. Son texte l'annonce comme commémorative, ce qui signifie qu'elle est posthume. Son terminus ante quem est le 29 décembre 1928, quand le Jeune Maréchal se rallie au gouvernement du Kuomintang. Devenue politiquement incorrecte, elle ne sera pas émise.

Un spécimen gradé SP-64 par PCGS du dollar de Chang Tso-lin sera vendu le 6 avril à Hong Kong par Stack's Bowers, lot 50016.


4 avr. 2021

En Mémoire de l'Impératrice

Le général Xu Da avait eu un rôle prépondérant dans la chute des Yuan et l'établissement de la dynastie Ming. En 1376 CE il marie sa fille ainée, âgée de 14 ans, à Zhu Di, âgé de 16 ans, quatrième fils de l'empereur Hongwu.

Le très habile Zhu Di usurpe l'empire en 1402 par un coup d'état. Son nom de règne sera Yongle. Son épouse participe à la cour en honorant les vertus. Elle est aussi visionnaire et contribue très certainement au ralliement des Bouddhistes à Yongle.

La nouvelle impératrice meurt cinq ans plus tard. Elle reçoit le nom posthume Renxiao Huanghou, évoquant sa bienveillance. Yongle meurt en 1424. Leur fils lui succède avec le nom de règne de Hongxi. Il veut réaliser de grandes réformes et commence par modifier pieusement le nom de sa mère, qui devient à titre posthume l'impératrice Wen. Il meurt après huit mois de règne.

La survivance d'un sceau mémorial de l'impératrice Wen est extraordinaire. Tous les autres sceaux similaires en jade de la dynastie Ming ont été transformés ou brulés par les Qing. Ce spécimen est fragmentaire, avec des traces de calcification créées par le feu. La moitié de la base carrée et un pan entier du corps du dragon sont manquants. Heureusement la tête féroce est complète et l'identification de l'impératrice est préservée.

Ce sceau de 10 cm de haut en jade vert impérial est estimé HK$ 25M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 22 avril, lot 3601.


2 avr. 2021

L'Energie de la Saint-Valentin

En 1962 Zao Wou-Ki est heureux. Il est amoureux fou de sa seconde épouse, la jeune et charmante May, qui comprend son art et l'encourage.

Le 18 avril à Hong Kong, Sotheby's vend 13.2.62, huile sur toile 130 x 162 cm, lot 1021 estimé HK$ 100M. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

La date de cette oeuvre est doublement propice. D'une part le 13 février est la veille de la Saint-Valentin. D'autre part l'artiste entretenait un doute sur la date réelle de sa naissance 42 ans plus tôt, un 1er ou un 13 février. Cette curiosité n'a pas été expliquée mais correspond presque exactement au décalage entre les calendriers julien et grégorien, que ses parents ne pouvaient pas ignorer moins de trois ans après la Révolution d'Octobre.

13.2.62 est une synthèse de ses deux styles les plus récents. Elle contient des pseudo-calligraphies comme les Oracle Bones, dans une composition horizontale comme les Hurricanes. 

Elle est divisée en trois registres dont la disposition évoque Rothko. La partie supérieure est rouge vif, la couleur des meilleurs auspices et de la plus grande énergie. Les deux registres inférieurs sont d'un blanc argenté. Les pseudo-calligraphies ne sont pas centrifuges mais ascendantes, ce qui est une autre marque d'énergie. Elle prennent leur envol sur la limite entre les sections blanches.



Neige et Vent

Expatrié à Paris depuis 1955, Chu Teh-Chun retrouve ses racines chinoises lors d'un voyage en 1983. Entre temps, il s'est spécialisé dans l'art abstrait à l'huile sur toile. Il a désormais envie que son art exprime les bases fondamentales de la nature, en très grands formats. Les Eléments Confédérés, polyptyque 162 x 650 cm daté 1984-1985, a été vendu pour HK$ 114M incluant premium par Sotheby's le 8 juillet 2020.

Dans ces conditions, sa découverte émerveillée des mouvements de la neige dans les montagnes en décembre 1985 n'est pas fortuite. 

Il regarde les sublimes Alpes Suisses par la fenêtre de son train quand survient une tempête. La bourrasque projette les flocons et le brouillard sur une scène de roches et d'arbres qui change à chaque instant par le mouvement du train. A peine arrivé, il se précipite sur ses pinceaux pour exprimer ce que la nature vient tout juste de lui apprendre. Il travaillera pendant quinze ans sur ce thème, variant les effets de texture sans jamais revenir au figuratif.

Harmonie Hivernale, peint en 1986, est un des tout premiers opus de cette série. Ce triptyque 193 x 385 cm hors tout reproduit les tourbillons du vent qui enneige et dévoile tour à tour les rochers. Il est estimé HK$ 80M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 18 avril, lot 1020. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.

L'aboutissement ultime est l'expression de la chute de neige. Il y parvient en 1999 en apportant un pointillisme sur Vertige Neigeux, un diptyque 200 x 400 cm commencé en 1990, vendu pour HK$ 92M incluant premium par Christie's le 26 novembre 2016.



1 avr. 2021

La Plus Rare Pièce Meiji

La monnaie moderne japonaise est développée dans la troisième année de Meiji, 1870 CE. Après les premiers prototypes, la plus haute dénomination, 20 yen en or, est ajoutée pour des utilisations de diplomatie et de prestige.

L'édition de l'an Meiji 10, 1877, limitée à 29 pièces, est la plus rare. Cette production très limitée a permis un soin extrême dans la réalisation. L'une d'elles, gradée MS 64 par PCGS avec un effet caméo, est estimée US $ 300K à vendre par Stack's Bowers à Hong Kong le 6 avril, lot 50045

Une autre pièce a été vendue le 22 novembre 2008 par Ginza Coin pour JPY 42M incluant premium, valant à l'époque US $ 450K. Stack's Bowers ne connait pas d'autre exemple récent de vente aux enchères d'une 20 yen Meiji 10.

La 20 yen Meiji 13 a été éditée à 103 exemplaires. L'une d'elles, gradée PR 64 Cameo par NGC, a été vendue pour $ 305K incluant premium par Heritage le 9 janvier 2017.

31 mars 2021

Fait en Anjou à l'Usage de Paris

Le 23 avril à New York, Christie's présente la collection de manuscrits enluminés et d'incunables d'Elaine et Alexandre Rosenberg.

Le lot 3, estimé $ 1,5M, est un livre d'heures réalisé vers 1440. Il est complet et sa fraîcheur est intacte, avec des couleurs variées et saturées.

Le livre est composé de 189 feuilles de vélin 21 x 15 cm incluant 16 grandes miniatures avec des bordures foliées rehaussées d'or et d'argent, plus 12 petites miniatures illustrant les occupations des mois. Le tweet ci-dessous montre un bas de page. L'illustration plaisante inclut des anges, des animaux exotiques et des monstres.

Les textes sont en latin et français, avec des initiales enluminées tout au long du volume. La liste des saints permet d'établir que le livre est à l'usage de Paris. Au 27 janvier, le nom de Julien, premier évêque du Mans, apparait en lettres d'or.

Les spécialistes cherchent les similitudes entre les manuscrits pour établir un corpus des meilleurs ateliers. Celui qui a réalisé ce manuscrit est actuellement identifié comme le Maître du Barthélemy l'Anglais de Paris par référence à une version traduite d'un ouvrage de cet auteur. L'hypothèse de la réalisation par un atelier au service du duc d'Anjou est corrélée par une similitude avec des portraits presque caricaturaux des ducs d'Anjou pour la cathédrale du Mans.

Une Météorite de la Collection Nininger

Harvey H. Nininger fut dans les années 1930 un pionnier de l'étude des météorites. Autodidacte, il publia 162 papiers scientifiques et quatre livres et fit d'innombrables conférences. Ne pouvant compter que sur lui-même pour faire progresser cette nouvelle science, il assembla une collection considérable et créa en 1942 un musée en Arizona. Le musée a fermé en 1960 et la collection a été dispersée.

Le 6 avril en ligne depuis Atlanta, Gallery 63 vend au lot 2 une des plus grosses météorites connues, qui avait appartenu à Nininger. Elle mesure 85 x 40 x 15 cm et pèse 177 kg. Elle est maintenue sur son socle par deux creux naturels.

Comme toutes les météorites à base de fer, elle provient de la matière en fusion d'un astéroïde qui a explosé lors de la création du système solaire il y a quatre milliards d'années quelque part entre Mars et Jupiter. Elle a été trouvée en 1947 dans les montagnes au-dessus de Vladivostok. Elle inclut des métaux du groupe du platine.

30 mars 2021

Poésie de la Chine Rurale

L'empereur Qianlong avait la conception d'une culture totale, mêlant toutes les formes d'art et toutes les périodes. Un projet terminé pendant la 12ème année de son règne, 1747 CE, illustre un recueil de poèmes écrits cinq siècles et demi plus tôt au temps des Song du Sud. Certaines images montrent un foisonnement d'activités diverses qui peut être comparé aux illustrations ethnographiques des voyages de Kangxi dans les provinces du sud.

Fan Chengda avait écrit plusieurs séries de poèmes sur le thème des saisons, qu'il observait dans sa villa près de Suzhou. Qianlong a choisi dans son oeuvre une série intitulée Dix balades aux champs et villages au douzième mois. Dix artistes ont été sélectionnés pour exécuter les dix peintures sur papier dans un format unique 113 x 29 cm, laissant supposer que l'étape finale était de les assembler sur un paravent pliant. Le paravent n'a pas été monté et les dix oeuvres ont plus tard été transformées en rouleaux à pendre pour le plus grand plaisir de l'empereur Jiaqing.

Qianlong a lui-même calligraphié les dix poèmes avec leurs titres et a ajouté sut la dernière feuille que le travail avait été fait à sa demande en relation avec les poèmes de Fan Chengda. Il y voyait un heureux symbole de paix et prospérité.

Neuf feuilles survivent dont sept sont conservées au Musée du Palais à Taipei. Les deux autres feuilles viennent de faire surface après avoir passé cent ans dans une collection japonaise. Elles sont vendues ensemble par Sotheby's à Hong Kong le 19 avril, lot 3121. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

L'une d'elles, opus 2/10 signé Shen Yuan, montre une foire aux lanternes destinée à préparer la fête du même thème. La diversification de l'animation est digne de Bruegel, avec les boutiques, les lanternes et autres marchandises, les bouchers, les musiciens. Les femmes et les enfants sont actifs.

L'autre, opus 4/10 signé Li Shizhuo, est un paysage centré sur un pavillon ouvert dans lequel une famille attablée partage le porridge de riz.



L'Ermite d'Anhui

En 1644 CE la chute des Ming affole les literati. Les Qing sont des étrangers. Que deviendra la tradition culturelle chinoise basée sur l'accumulation des styles et des connaissances pendant toute la période historique ? Une collusion avec le nouveau régime est impensable. Zhu Da et Shitao se font moines bouddhistes.

Jiang Tao participe à la résistance Ming dans le sud. En 1646, quand la situation devient désespérée, il devient moine et va chercher le Zen Bouddhiste dans les montagnes d'Anhui, sa province natale. Son nom de moine est Hongren signifiant Vaste Humanité. Il cherchera à exprimer l'infinie quiétude de la nature en prenant comme modèle l'artiste Ni Zan de la fin des Yuan.

En 1836 CE un voyageur retrouve au pied d'une montagne d'Anhui la tombe abandonnée de Hongren et la restaure en l'entourant de pruniers, dont le peintre-ermite avait tant aimé les fleurs. Quelques mois plus tard un de ses amis qui était un moine antiquaire acquiert dans une boutique un album signé et dédié par Hongren. Il est complet à l'exception de la dernière page de calligraphies et ils le remontent en ajoutant des colophons.

L'album 19 x 13 cm est composé de dix feuilles de peintures et neuf feuilles de calligraphies, plus les colophons. Les peintures en encres et couleurs montrent les montagnes qui montent vers le ciel dans la meilleure tradition picturale chinoise. Le paysage inclut quelques maisons mais pas de personnage à l'exception d'un pêcheur sur sa barque sur la troisième image. Le trait est fin, avec une simplification géométrique des rochers. La calligraphie est un poème du début de l'époque Ming par Shen Zhou. Le terminus ante quem est la mort de l'artiste vers 1664.

Il est estimé HK$ 45M à vendre par Sotheby's à Hong Kong le 19 avril, lot 3076. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.




29 mars 2021

La Famille du Roi des Rois

La dynastie Qajar a établi un rigoureux protocole de cour. Le second Chah de la dynastie, Fath Ali, avait cent femmes et deux cents enfants qui formaient sa cour rapprochée. Il résidait à Téhéran et bâtit quelques palais. Ses portraits étaient utilisés comme cadeaux diplomatiques.

Un mur d'un des palais a été décoré vers 1812 CE d'une frise monumentale montrant le Chah sur son trône, entouré d'une multitude de ses descendants. Des copies ont été faites pour d'autres palais, mais presque tout a disparu dans les turpitudes de l'histoire Perse.

L'artiste et collectionneur Frederick Clay Bartlett a acquis en 1921 un fragment 256 x 442 cm, montrant 24 princes assemblés par âge en trois registres en léger chevauchement. Chacun est identifié par une inscription qui permet d'établir sa parenté avec Fath Ali. Ils portent selon leur rang une couronne ou un turban. Le manteau brocardé et le châle se rapportent à la cérémonie du Norouz, le nouvel an du calendrier Persan. Il est supposé que l'ensemble d'origine regroupait plus de cent princes dans une attitude unique, debout avec les bras croisés.

Bartlett est mort en 1953. Son fragment Qajar a été conservé à Bonnet House, sa résidence à Fort Lauderdale transformée en musée par sa veuve. Son importance vient d'être ré-établie. Cette huile sur toile avec rehauts d'or est estimée £ 1M à vendre par Christie's à Londres le 1er avril, lot 30. Rien de similaire n'a été vendu aux enchères depuis 1975. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.


28 mars 2021

Le Champion Fatigué

A l'ouverture de la saison 1938-1939 les New York Yankees apparaissent encore une fois comme imbattables. La vedette de l'équipe est Lou Gehrig, âgé de 35 ans, mais la relève est assurée, notamment avec Joe DiMaggio âgé de 24 ans.

Dès les premiers matchs, Gehrig ressent une intense fatigue dans les bras et les jambes. Il continue courageusement mais son efficacité baisse. Il ne sait pas encore qu'il est atteint d'une maladie dégénérative mortelle et il cherche des solutions techniques.

Les super-champions du baseball sont plus efficaces avec des battes longues, lourdes et dures. Une Louisville Slugger par Hillerich et Bradsby du modèle utilisé par Gehrig en 1936-1938 est passée à Goldin le 2 novembre 2013. Elle est en frêne et pèse 37,1 ounces pour une longueur de 35 inches.

Un petit allègement pourra aider Gehrig à passer ce cap difficile. Il commande en septembre 1938 à Hillerich et Bradsby une Louisville Slugger pesant 36 ounces pour 34 inches. Pressentant que de nouveaux essais seront nécessaires, il demande au fabricant d'inscrire le poids sur le pommeau.

Cette batte a été utilisée intensément en matchs pendant l'ultime saison de Gehrig. Non craquée malgré de nombreuses marques de balles, elle est gradée un parfait GU10 par PSA/DNA. Gehrig l'a donnée à son ancien partenaire Earle Combs qui était à cette époque le coach de DiMaggio. Restée dans la famille Combs, elle est estimée au-delà de $ 500K à vendre en ligne le 3 avril par SCP, lot 1.

27 mars 2021

Jaillissement par Kupka

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Frantisek Kupka est un coloriste, comme Kandinsky ou Mondrian. Installé à Paris depuis 1896, il est passionné par les relations entre les couleurs dans la peinture post-impressionniste. Il cherchera à exprimer l'élan, la rotation, la vibration. Le bleu vif, qui cherche toujours à dominer, devra être circonscrit.

Pour Kupka, le cubisme synthétique n'est pas une solution pérenne parce qu'elle reste centrée sur l'objet. En 1910-1911, son chef d'oeuvre, montrant la tête de sa femme enfouie au milieu de structures verticales, redéfinit la relation entre le figuratif et son environnement, comme Klimt faisait à Vienne. 

Les aspects figuratifs disparaissent ensuite de son oeuvre mais il aime s'inspirer des cathédrales gothiques pour exprimer la force des verticales.

Le Jaillissement est une suite de trois opus peints en 1922-1923. L'artiste donne la prééminence aux verticales plutôt qu'aux confrontations entre verticales et horizontales.

Jaillissement I est un réseau serré de formes empilées. La similitude avec un gratte-ciel vu d'en bas est cependant flagrante. Dans le second opus, l'artiste renforce cette illusion en ajoutant une ligne d'horizon et en supprimant les taches colorées du premier plan. Jaillissement II, huile sur toile 126 x 86 cm, a été vendue par Sotheby's le 25 mars 2021 pour £ 7,6M incluant premium sur une estimation basse de £ 1,5M, lot 146.


24 mars 2021

Le Piège par Miro

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Le surréalisme était le mouvement littéraire par lequel les poètes cherchaient l'écriture automatique par le subconscient. A la fin de 1923 Joan Miro transpose ces conceptions à l'art pictural. Il se rapproche des surréalistes parisiens en 1924, l'année même où Breton écrit le Manifeste du Surréalisme. Il anticipe de quelques années l'engagement de Picasso dans le surréalisme et les obsessions de Dali.

Miro considère déjà son travail comme un anti-art, à l'opposé de toutes les conventions. Il renonce à tout réalisme pour exprimer le lyrisme. Ses paysages sont peuplés de figures stylisées comme des dessins d'enfant. Le regard est attiré par quelques taches de couleurs sur un fond pâle monochrome.

En 1924 sa préoccupation est pornographique. Il a 31 ans et a besoin d'une femme. Il développe le symbole de l'homme-arbre, qui est un lien entre le sol et le ciel. Les racines sont remplacées par les jambes et les fesses nues avec un sexe en pleine activité. Les bras sont remplacés par de petites branches latérales. Le haut de la figure est un mélange entre la tête et le soleil, avec un oeil unique et des moustaches de chat.

Le Piège, peint à Mont-Roig pendant l'été 1924, est un démonstrateur du nouveau style. L'oeuvre est précédée d'un dessin préparatoire qui facilite le déchiffrage. Le piège posé sur la plage est une sorte de casier à homards en forme de sexe féminin. Il est hors d'atteinte du jet de sperme mais attend le lapin et la poule qui se promènent au premier plan en victimes innocentes.

Breton est ravi. Il acquiert aussitôt la peinture qu'il conservera pendant toute sa vie. Cette huile, fusain et graphite 92 x 73 cm a été vendue pour £ 5,3M incluant premium par Christie's le 23 mars 2021, lot 115.

L'influence surréaliste s'estompe l'année suivante avec les premières oeuvres abstraites, parfois surchargées d'un court poème. Dès 1926 un travail de Miro et Ernst pour les Ballets Russes est considéré comme une dérive bourgeoise par les surréalistes et leurs amis communistes. Miro conservera intacte son autonomie créative.

23 mars 2021

La Relève après Ticonderoga

Vétéran de la French and Indian War dans l'armée Britannique, Philip Schuyler participe à la révolution américaine. Il est nommé major general en 1775 avec pour mission l'invasion du Canada, mais il doit céder la place pour raisons de mauvaise santé. Il a 42 ans.

Chargé en 1777 d'occuper l'Etat de New York par la campagne de Saratoga, il passe en cour martiale après la perte de Fort Ticonderoga. Il est acquitté mais quitte l'armée en 1779. Il fera ensuite une belle carrière politique.

Alexander Hamilton est plein de bravoure et de talents. En 1777 il devient aide de camp et secrétaire personnel de George Washington avec le grade de lieutenant-colonel. Il épouse une fille de Schuyler en 1780. En 1781 il mène des actions décisives à la bataille de Yorktown.

Les descendants d'Hamilton ont conservé jusqu'en 1942 une paire de pistolets de guerre. Selon une incontestable tradition familiale, ils avaient été donnés par Schuyler à son gendre. Ces armes signées Ed Nicholson avaient été fabriquées vers 1760 à Londres, ce qui est cohérent avec la seule visite effectuée par Schuyler en Angleterre, en 1761-1762.

Un collectionneur y a adjoint une paire d'épaulettes de service portée par Hamilton pendant sa période avec Washington. Ces souvenirs d'un des plus prestigieux pères fondateurs des Etats-Unis d'Amérique sont vendus ensemble par RIAC à Rock Island le 14 mai, lot 125. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.



22 mars 2021

Couleurs de la Guerre Révolutionnaire

VENTES PASSEES

Officier loyaliste de la Guerre Révolutionnaire, Banastre Tarleton revient en Angleterre en 1781 avec une collection de quatre couleurs prises aux Américains.

Feu son père, un armateur de Liverpool, avait fait fortune dans le commerce des esclaves. Dès le déclenchement de la guerre d'indépendance, le jeune Banastre âgé de 21 ans traverse l'Atlantique. En 1778 il crée à New York les Tarleton's Raiders, une unité de cavalerie portant l'uniforme vert de la British Legion. Ce brillant officier est célèbre par le massacre des Patriots à la bataille de Waxhaws.

Restés dans sa descendance, les quatre trophées ont été vendus par Sotheby's le 14 juin 2006.

Le lot 1, vendu pour $ 12,3M incluant premium, est un drapeau du 2nd Continental Light Dragons pris en 1779 à la bataille de Pound Ridge. Il est en soie 76 x 90 cm plus une frange en argent de 7 cm sur trois côtés. 

Cette pièce est l'unique exemple survivant du premier style des drapeaux américains, avec les treize bandes rouge et blanc symbolisant les états fondateurs mais avant l'ajout des étoiles par le Continental Congress le 14 juin 1777. Au centre de ce drapeau, un rectangle en tissu est peint d'un nuage d'orage ailé avec une devise en ruban. Son terminus post quem est la création de son régiment le 12 décembre 1776.

Les trois autres drapeaux ont été vendus ensemble pour $ 5,1M, lot 2. Ils constituent l'ensemble des couleurs du 3rd Virginia Detachment, prises à Waxhaws en 1780. 

L'un d'eux est en soie jaune d'or 128 x 115 cm peinte d'un castor abattant une palmette et cousue d'un canton de soie bleu ciel portant les treize étoiles d'argent dans le désordre d'une constellation. Les deux autres, un peu plus petits, sont respectivement en soie jaune d'or et bleue. Leur terminus post quem est la définition de leur style par la Continental Army en 1778.


21 mars 2021

Le Bal des Gens Bien

Négociant en vin, Jean Dubuffet invente l'Art Brut. Il a des amis parmi les surréalistes mais n'accepte aucune influence académique. L'art exposé dans les musées n'est pas le meilleur de son temps mais seulement ce qu'il en reste. Il découvre l'authenticité de l'art des fous et des marginaux et commence une collection.

Il trouve son style personnel en 1945 en visitant une exposition d'oeuvres de Jean Fautrier. La texture sera terne dans une matière boueuse qu'il taillera au couteau et au doigt, et le dessin sera infantile et caricatural. Le thème sera la condition humaine, pas moins.

La guerre est finie mais les gens sont aussi laids qu'auparavant. Ils retrouvent leurs différenciations sociales et viennent danser dans les bals. Une sélection de ces portraits abjects est exposée en 1946 à la Galerie Drouin, sous le double titre Mirobolus, Macadam et Cie, et Hautes Pâtes. Macadam est un jeu de mots qui anticipe la série des Corps de Dames. L'effet de scandale est assuré.

Gesticuleur est une technique mixte huile, émail, sable, galets et résine 73 x 60 cm, réalisée en 1945 et datée 1946 pour Mirobolus. Elle a été vendue par Sotheby's le 18 mai 2017 pour $ 5,4M incluant premium sur une estimation basse de $ 1,5M.

Le 25 mars à Londres, Sotheby's vend un autre opus de l'exposition Mirobolus, intitulé La Cavalière aux diamants. Cette huile, sable, verre et plâtre sur toile 99 x 72 cm tendue sur bois réalisée en 1946 est estimée £ 2,5M, lot 112.

Le couple est enlacé dans la danse. Les physionomies ordinaires ne montrent pas leur dérisoire ambition sociale, révélée par les bijoux trop voyants de la femme à l'oreille et au doigt, qui forment avec le rouge à lèvres les seules taches de couleurs vives dans une texture monochrome.

Cette oeuvre était conservée depuis près de 70 ans dans la même collection au côté de deux Fautrier et un Wols de la même période, qui figurent dans la même vente. Je vous invite à regarder la vidéo dans laquelle Sotheby's introduit les quatre lots.


Tutus et Chaussons

La danse est faite pour enchanter. A l'Opéra Garnier, Edgar Degas observe la vie dans les loges. Ce thème répond à son besoin d'explorer de nouvelles voies artistiques, par la vivacité des couleurs, l'originalité du cadrage et la spontanéité du mouvement. Il choisit la technique du pastel sur papier pour mieux mettre en valeur les couleurs.

L'uniforme de danse est le tutu, composé d'un corselet et d'une jupe bouffante montée sur plusieurs jupons superposés et embellie d'un gros noeud en forme de papillon. Les couleurs sont claires en harmonie avec la peau. Cette mode récente a été inaugurée par Marie Taglioni en 1832, deux ans avant la naissance de l'artiste.

Les jeunes filles sont capables de toutes les contorsions, sans effort. Le pied est l'objet d'une attention permanente. Degas regarde la danseuse qui lace son chausson rose avant d'entrer en scène ou se masse le pied après la performance.

Un pastel 50 x 62 cm peint en 1887 a été vendu pour £ 4,5M incluant premium par Sotheby's le 5 février 2013. La fille est assise dans une position acrobatique, avec la tête en-dessous du niveau des genoux. Elle est vue de face dans un cadrage d'une haute originalité, et le tutu qui remonte fait d'elle un énorme papillon.

Le 25 mars à Paris, Sotheby's vend un pastel 47 x 33 cm peint à la même période, lot 3 estimé € 2M. Le tutu à dominante verte est en fait composé d'un subtil mélange de couleurs qui sont restées en très bon état. La position assise est excentrique et d'une grande spontanéité, avec les longs cheveux qui tombent devant le visage dans ce mouvement en avant pour attraper le pied. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes.



20 mars 2021

L'Artiste qui ne souriait pas

Un artiste ne fait pas que créer et divulguer sa conception du monde, il y cherche aussi sa place. De 1882 à 1943, Edvard Munch a peint des autoportraits, sur lesquels il est toujours maussade, même vers 1940 quand il déguste une tête de morue.

En 1926 il est devenu célèbre. Depuis dix ans, à Ekely près d'Oslo, il cultive son jardin comme faisait Monet à Giverny. A 63 ans, dix-huit ans après sa grande dépression et sept ans après la grippe espagnole, ses problèmes de santé ont disparu.

Le 25 mars à Londres, Sotheby's vend un autoportrait à la palette, huile sur toile 90 x 68 cm peinte en 1926, lot 114 estimé £ 4,5M.

Sur cette image, le temps est beau et le col de chemise ouvert démontre une certaine décontraction. L'attitude est cependant particulièrement revêche. Il ne cherche pas à communiquer mais à identifier où il en est dans son propre cycle de vie. La palette est le symbole de sa principale activité, la seule qui peut accompagner son interrogation mystique.


19 mars 2021

Polonaises pour l'Italie

Pendant le règne de Shah Abbas, le tapis Persan est le symbole de la splendeur de la nouvelle capitale, Ispahan. Les ateliers de tissage développent de nouvelles techniques qui apportent une luminosité sans précédent. Abbas meurt en 1629 CE.

L'engouement est croissant. Les besoins du Shah sont prioritaires mais les ateliers d'Ispahan et Kashan obtiennent l'autorisation de fournir d'autres clients quand ils ont le temps. Cette mode atteint l'Europe. Pour obtenir plus facilement les mêmes effets visuels, les textiles sont brocardés d'argent et d'argent doré. La production devient plus abondante. Ces tapis passent de mode vers 1700.

Dans la section Polonaise de l'Exposition Universelle de Paris en 1878, le prince Czartoryski expose sa collection de tapis brocardés. Ce type de tapis est désormais désigné "à la Polonaise". Leur conservation est moins bonne que pour les tapis du règne d'Abbas, parce que les brocarts se sont oxydés et parce que les colorants étaient moins stables.

L'aristocratie Italienne était friande de ces tapis à la Polonaise. Un tapis 208 x 135 cm qui provenait en 1984 de la succession du roi Umberto II a été vendu pour $ 790K incluant premium par Sotheby's le 1er octobre 2015.

Le 1er avril à Londres, Christie's vend un tapis à la Polonaise 210 x 140 cm, lot 129 estimé £ 1,5M. Les brocarts n'ont pas échappé à l'oxydation mais cette pièce est remarquable par l'épaisseur de son fond de soie et par ses bords intacts. Il n'a pas été restauré. Ces tapis étaient souvent produits et livrés en deux exemplaires identiques. L'autre élément de la paire est exposé au public au Palazzo del Principe à Gênes.


18 mars 2021

La Mode à Florence au Quattrocento

Les premiers artistes du Quattrocento, comme Ghiberti et Donatello, utilisent une grande variété de techniques et dirigent des ateliers importants. Antonio del Pollaiuolo est formé comme orfèvre auprès de Ghiberti. Il est également sculpteur, peintre, architecte et graveur.

Son jeune frère Piero del Pollaiuolo collabore étroitement avec lui. Il se spécialise dans la peinture et ses oeuvres dans cette technique sont difficiles à séparer de celles d'Antonio. Cette spécialisation nuit à sa réputation, et Vasari minimise son importance.

Pourtant Piero est un des meilleurs innovateurs du portrait, après Andrea del Castagno. Ses personnages sont peints d'après des modèles réels avec une grande différenciation dans les traits du visage et dans les yeux. Les riches vêtements sont peints avec une grande finesse.

Le 25 mars à Londres, Sotheby's vend le portrait à mi-corps d'un adolescent imberbe, technique mixte tempera et huile sur panneau 49 x 35 cm, lot 109 estimé £ 4M. Je vous invite à regarder la vidéo préparée par la maison de ventes. L'image est partagée par Wikimedia.

Ce portrait de pleine face est innovant, à comparer aux portrait d'hommes légèrement de biais et aux classiques profils de femmes de cette époque. Le jeune homme n'est pas identifié mais il appartient à l'aristocratie par les somptueuses broderies de sa chemise et de son col et les brocarts d'argent de sa veste. Il pose avec gentillesse. 

Ses vêtements sont identiques à ceux de Piero de' Medici sur son portrait à mi corps en marbre sculpté par Mino da Fiesole vers 1453. Les comparaisons de style font attribuer la peinture à Piero del Pollaiuolo vers 1470. Elle n'est pas une copie picturale du marbre, sur lequel Piero de' Medici est un adulte.

Ce portrait de jeune homme florentin a longtemps été accroché dans la bibliothèque de l'inventeur Sir Thomas Merton, qui travaillait pour les services secrets britanniques. Il y apparaissait comme pendant du portrait de jeune homme au médaillon par Botticelli qui a été vendu pour $ 92M incluant premium par Sotheby's le 28 janvier 2021.



Pollaiuolo, Piero del - A Youth

Bronze Shang avec Inscription Commémorative

VENTE PASSEE

Les oracles prédisent l'histoire. En Chine l'enregistrement des faits historiques commence à la fin de l'époque Shang. Des oracle bones donnent ainsi des informations sur le déroulement d'une campagne militaire effectuée dans la 15ème année du règne de Di Xin, pouvant correspondre à 1072 BCE.

Le 17 mars 2021, Sotheby's a vendu un récipient rituel en bronze pour $ 5,4M incluant premium sur une estimation basse de $ 600K, lot 193. Il est de la forme gui, utilisée pour le grain, qui est la plus courante au côté de la forme ding. Sa largeur hors tout incluant deux anses latérales est de 28 cm.

L'intérieur de cette pièce porte une inscription d'une longueur exceptionnelle. La quasi totalité des 34 caractères a été déchiffrée en 2015 par une experte du Palace Museum à Beijing.

Le nom du donateur, Hua, et le jour de la donation, guisi, sont identifiés. Le bénéficiaire est un xiaozi, c'est-à-dire un général, dont le nom n'est pas lisible. Le montant et la nature de la donation sont dix peng de cowries, une coquille de mollusque marin qui était la monnaie la plus courante à cette époque. 

Cet acte récompense la fidélité de ce général qui a monté la campagne militaire contre les Yifeng, feng signifiant étranger. Le général a utilisé cette dotation pour réaliser ce récipient sacrificiel qu'il dédie à un ancêtre, le Père Ding. L'inscription est datée par son mois, ji.

Un récipient en forme de rhinocéros et un autre en forme de you ont des inscriptions relatives à la même campagne militaire. Le you a récompensé un autre général.

Di Xin est un roi dépravé et cruel, amateur de vin et de femmes. Il est renversé par les Zhou après un règne politiquement catastrophique. Les inscriptions deviendront plus fréquentes avec cette nouvelle dynastie.


16 mars 2021

Convergences

Le paysage devrait être l'expression la plus authentique de la nature. Au XXème siècle, le thème devient de plus en plus lassant, en grande partie par la surabondance des photographies. Dans sa volonté permanente d'agir à contre-courant, David Hockney veut réhabiliter le paysage.

Il a une révélation dans un tunnel routier en 1985. Le point lumineux qu'il voit au-delà de l'obscurité grossit au fur et à mesure que la voiture avance. La photographie ment doublement, parce qu'elle montre le paysage depuis un point de vue immobile et parce que l'objectif apporte des distorsions. Pour peindre un paysage, il va d'abord falloir abolir la perspective. Les anciens maîtres chinois l'avaient compris : leurs rouleaux à main sont des travellings.

La division d'une image par sections avait été rendue nécessaire par le petit format individuel des épreuves en paper pulps, une technique testée par l'artiste en 1978. Il applique ce principe à la peinture, avec les vues panoramiques du Grand Canyon en 1998 et le sous-bois dans le Yorkshire en 2006. En 2007 Bigger Trees near Warter, également dans le Yorkshire, mesure 460 x 1220 cm hors tout en 50 panneaux qui annihilent la distorsion. 

Le vieil artiste aime l'expérimentation, qu'il identifie par le sous-titre Useful Knowledge. La perspective peut être vaincue si sa déformation n'est pas exagérée. Il redécouvre à la National Gallery une avenue d'arbres peinte par Hobbema en 1689, construite sur deux points de fuite, la route et la cime des arbres, pour attirer le regard vers le ciel et agrandir l'espace. Van Gogh avait commenté cet effet sur cette peinture.

Tall Dutch Trees after Hobbema (Useful Knowledge) est une peinture à l'huile faite en 2017 dans un assemblage de six toiles de formes irrégulières pour une dimension totale de 165 x 370 cm. La route a été supprimée par détourage, accentuant l'impression de symétrie autour de la double perspective. Cette oeuvre est estimée £ 6,5M à vendre par Sotheby's à Londres le 25 mars, lot 117.

Mondialisme de Basquiat

Très bon connaisseur de l'histoire de l'art, Jean-Michel Basquiat essaye une grande variété de thèmes dans le sous-sol d'Annina Nosei en 1981. Son père est d'origine Haïtienne et sa mère est d'origine Porto-Ricaine. Sa vision du monde est totale, de l'Afrique tribale aux rues de New York.

Le Pêcheur est une des toutes premières peintures de la phase Nosei. Basquiat a remplacé la nudité de l'homme primitif par une transparence montrant le squelette sous la peau noire. L'inspiration des fétiches à clous du Congo apporte une agressivité supplémentaire, qui n'épargne pas le terrible poisson. Les masques Grebo de Côte d'Ivoire ont fourni le regard halluciné et la bouche implacable. Cette peinture sur toile 198 x 173 cm a été vendue pour $ 26,4M incluant premium par Christie's le 14 novembre 2012.

Il vaut mieux être le premier dans son village que le second à Rome ou New York. Le pêcheur est déjà un roi dérisoire, avec une couronne d'épine. L'artiste réutilise le personnage en guerrier, avec une épée meurtrière.

Basquiat cherche les meilleurs effets pour supporter son message social. La toile ne se substitue pas au mur du graffiti et est trop loin de l'art tribal. Il essaye le bois.

Un Guerrier peint en 1982 est un bon démonstrateur de ce perfectionnisme appliqué à un thème qui est déjà une série. Par son histoire aux enchères, cet acrylique, oilstick et spray 183 x 122 cm sur panneau de bois est aussi un pionnier de l'exportation mondiale du marché de Basquiat. Il a été vendu trois fois par Sotheby's : à New York pour $ 1,8M le 9 novembre 2005, à Londres pour £ 2,8M le 21 juin 2007 et pour £ 5,6M le 26 juin 2012. Ces résultats incluent le premium. Il est estimé HK$ 240M à vendre par Christie's à Hong Kong le 23 mars, lot 1.


15 mars 2021

Quilles en Chapeau Melon

L'art de Magritte est une opposition permanente entre la simplicité des figures et la complexité de leurs relations. Il adore que le spectateur cherche et trouve une signification là où il n'y en a pas. A la fin des années 1950, il cherche à retenir un public de plus en plus exigeant et de plus en plus blasé en augmentant le mystère. Les titres des oeuvres sont attribués collégialement certains dimanches dans des réunions entre amis.

Depuis 1926, les éléments basiques n'ont pas beaucoup changé. Au tout début, l'observateur du monde était la quille, meilleure pour ce rôle que le jeu d'échecs parce que les pièces ne sont pas différenciées. La quille a vite laissé la place à l'homme en costume, cravate et chapeau melon, vu le plus souvent de dos. Quand il est vu de face, il ressemble à l'artiste. Ou alors, c'est l'artiste lui-même qui joue à lui ressembler.

Peinte en 1959, Le Mois des Vendanges est emblématique de la diversification de l'interprétation : elle est seulement le second exemple d'une multiplication à l'infini de l'homme au chapeau melon, après les hommes volants de Golconde en 1953. Cette huile sur toile 128 x 160 cm est un très grand format pour l'artiste. L'attribution du titre par Magritte et ses amis a été filmée.

La scène est construite autour d'une fenêtre ouverte dans un mur gris foncé. Sous le ciel nuageux, les hommes en chapeau melon sont alignés en trois rangs serrés interrompus par les bords de la fenêtre. Ils sont tous identiques. Chaque individu nous regarde, mais il n'est rien de plus qu'une quille. La ligne ondulée de l'horizon n'est pas un paysage : elle est seulement constituée par les bords des chapeaux. C'est tout. Ceci n'est pas l'humanité.

Le Mois des Vendanges est estimé £ 10M à vendre par Christie's à Londres le 23 mars, lot 107.

Abstraction Bleue par Gaitonde

VENTES PASSEES

Vasudeo S. Gaitonde est artiste en résidence au Bhulabhai Desai Memorial Institute à Bombay. Sa préférence va à l'art non objectif. Il découvre les principes du Zen Bouddhiste et apprend de Krishnamurti l'importance de la tranquillité absolue pour la méditation. Un vrai artiste transmet son émotion, comme faisaient les calligraphes chinois.

Par la fenêtre de son petit atelier, il regarde la mer. Elle est infinie dans ses subtiles nuances de bleu, et l'horizon est immatériel, comme une abstraction. Pour exprimer cet univers méditatif, Gaitonde remplace le pinceau par l'usage conjoint du rouleau et du couteau. En 1961 il peint des infinités bleues dans un format panoramique. Il travaille en reclus mais a des amis qui acquièrent immédiatement ses oeuvres.  Une abstraction bleue, huile sur toile 102 x 125 cm, inclut un horizon, contredit dans son milieu par une large bande qui est prolongée vers le bas de l'image par son reflet. Elle est acquise à l'origine par Akbar Padamsee. Elle a été vendue pour $ 1,08M incluant premium par Bonhams le 17 septembre 2014, lot 151.  Le chef d'oeuvre de cette période est une huile sur toile 177 x 203 cm. L'abstraction est totale et sans limites. Dans cet immersion de nuances de bleu, un minuscule et unique point rouge focalise l'attention comme une signature de l'inspiration Zen. Elle est acquise par un jeune couple. Ils garderont cette oeuvre monumentale dans leur salon pendant près de six décennies.  Cette peinture a été vendue le 11 mars 2021 par Saffronart pour INR 40 crores valant US $ 5,6M, incluant premium, lot 13. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par la maison de ventes, dans laquelle la fille des premiers propriétaires apporte sa très intéressante vision sur la qualité de l'oeuvre et le rôle qu'elle a jouée dans sa vie. L'influence de Rothko viendra en 1964 lors d'un séjour à New York. Gaitonde abandonne le bleu pour des couleurs chaudes et opte presque systématiquement pour le format vertical.

14 mars 2021

Moulins à Vent sur la Butte

Vincent van Gogh arrive à Paris en mars 1886. Il loge chez son frère Theo et fréquente l'atelier Cormon où il rencontre Toulouse-Lautrec. La Butte Montmartre, toute proche, exerce une attraction irrépressible. En juin Theo et Vincent s'installent sur les flancs de la Butte, rue Lepic.

L'ambiance est à la fois campagnarde et festive. La Butte culmine à 130 m d'altitude, sans abri au vent. Les moulins sont pittoresques. Dans le plus célèbre d'entre eux, la famille Debray produit depuis 1809 une farine de haute qualité, pour laquelle ce moulin déjà ancien est nommé Moulin de la Galette ou Moulin Blute Fin. L'enclos est transformé en espace de divertissement pour boire et danser. Le Moulin à Poivre y est construit en 1865.

L'artiste hollandais est attiré par les moulins à vent. Il aime l'air pur des collines et ne manquera pas, deux ans plus tard, de commencer par Montmajour son exploration d'Arles. Son style change. Ses peintures des moulins de Montmartre ont des couleurs claires et joyeuses. Ses scènes peuplées de personnages tranquilles sont post-impressionnistes, avec des lignes souples et des visages stylisés. Elles seront abondamment imitées par Utrillo.

Le 25 mars à Paris, Sotheby's vend une vue de Montmartre peinte par Vincent à la fin de l'hiver 1887. La scène est centrée sur le Moulin à Poivre en vue rapprochée, tandis qu'un autre moulin est visible très loin sur l'horizon.

Cette huile sur toile 46 x 63 cm était depuis un siècle dans une collection particulière, hors de vue du public et des experts. Récemment redécouverte par les commissaires-priseurs Mirabaud-Mercier, elle est estimée € 5M, lot 6. L'image est partagée par Wikimedia.



Animaux Maquillés

Après la série de toiles sur les Athlètes en 1977, les images éditées par Andy Warhol entrent dans une nouvelle phase. Chaque portfolio est encore composé de dix gravures dans un format unique, mais l'ensemble couvre un thème avec des images différentes l'une de l'autre. Les couleurs peuvent varier d'un exemplaire à l'autre. La série des Mythes, en 1981, en est un exemple.

Sur l'incitation d'un militant, Warhol édite une série sur les Endangered Species en 1983, en 150 exemplaires 96 x 96 cm plus 30 épreuves d'artistes. Il peint également des toiles avec les mêmes images. Les animaux sont choisis parmi les espèces les plus spectaculaires protégées par l'Endangered Species Act de 1973.

L'effet ludique est plus évident que pour les autres séries. Warhol s'amuse à maquiller ses nouvelles vedettes avec des couleurs pop comme il avait fait autrefois avec Marilyn et Mao. La plupart sont des copies de photographies, mais le panda géant retrouve le graphisme stylisé des débuts de l'artiste, quand il était directement influencé par l'art publicitaire.

Le set 32/150 a été vendu pour $ 530K incluant premium par Christie's le 27 octobre 2010. Le 103/150 a été vendu pour $ 725K incluant premium par Heritage le 28 octobre 2015. Le 125/150 est estimé £ 350K à vendre par Sotheby's à Londres le 17 mars, lot 84. Je vous invite à regarder la vidéo partagée par Sotheby's.

La contribution de Warhol à la préservation de la biodiversité ne s'arrête pas là. En 1986 un livre intitulé Vanishing Animals est illustré par lui avec des dessins colorés. Les espèces sélectionnées sont moins célèbres mais tout aussi menacées que les Endangered Species.



13 mars 2021

Innocence Perdue

Le cycle de vie est la grande obsession d'Edvard Munch. Les étapes entre l'amour et la mort sont une tragédie inexorable générant une angoisse croissante : illusion, désespoir, infidélité, jalousie, humiliation, séparation. L'artiste lui-même ne parvient pas à assouvir paisiblement sa vie sexuelle.

Sa rencontre en 1902 avec le Dr Linde est un apaisement. Linde, grand amateur de Rodin, écrit immédiatement une monographie sur l'art de Munch. En 1904 il commande à l'artiste une série de peintures pour décorer la chambre des enfants dans sa villa à Lübeck.

Munch réalise ce projet avec environ onze pièces, surtout des scènes de plage. Les vieux démons de l'artiste n'ont pas été annihilés : Linde rejette l'ensemble à cause de quelques couples trop risqués pour être vus par ses jeunes fils. Munch récupère ses peintures, qui seront identifiées comme la frise Linde.

Sommertag, jour d'été, huile sur toile 90 x 195 cm, est un opus du cycle Linde. Les groupes de filles symbolisent l'innocence. Contrairement aux Filles sur le pont, les personnages perdent leur individualité : les robes blanches et les longs cheveux blonds s'entremêlent par blocs.

Munch retravaille cette peinture à une date non déterminée. L'image devient Omfavnelse, l'étreinte. Un couple sombre a été ajouté au premier plan. L'homme flou baisse la tête pour embrasser la femme dont les trop grands yeux cerclés de noir expriment le rejet du partenaire et la peur. Ils sont des fantômes transparents au travers desquels on voit la mer et la plage. Le Cri, en 1893, laissait la possibilité d'un secours. Omfavnelse est la phase post mortem. Son terminus ante quem est la grande dépression de l'artiste en 1908.

Jour d'été - l'Etreinte a été vendue pour £ 6,2M incluant premium par Sotheby's le 7 février 2006, lot 34, et est estimée £ 9M à vendre par Sotheby's à Londres le 25 mars, lot 115. L'image est partagée par Wikimedia.

Munch, Sommertag (1904, Linde Frieze)

12 mars 2021

Buste Romain d'Athena

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A l'époque de Phidias, les Grecs avaient compris que leurs dieux devaient être exemplaires. Ils ont créé pour leur culte un canon de beauté, avec des figures souvent plus grandes que nature. Les Romains de l'époque impériale adaptent les dieux grecs à leur usage et font faire des copies des sculptures pour leurs collections et leurs jardins.

En 1787 Goethe visite le Palais Giustiniani à Rome. Il tombe en adoration devant un marbre romain d'Athena, haut de 2,25 m. La déesse coiffée de son casque Corinthien est charmante et sereine, avec les lèvres légèrement entrouvertes comme pour susurrer des mots doux.

Il existe plusieurs copies Romaines de cette figure antique grecque. Un buste en marbre a été vendu par Sotheby's le 11 juin 2010 pour $ 4,1M incluant premium sur une estimation basse de $ 600K, lot 18.

Ce buste sans socle est haut de 58 cm en incluant une pointe biseautée qui servait probablement à l'encastrer dans le corps drapé de la déesse. Le nez est cassé.


L'Esprit de la Rue Blomet

Le surréalisme est l'expression du subconscient. En 1924 André Breton explicite les nouvelles théories littéraires. Joan Miro a son atelier rue Blomet, juste à côté de celui d'André Masson. Une sorte de cénacle de jeunes poètes se forme, incluant Aragon, Eluard, Desnos, Leiris, Queneau.

Miro savait mettre en scène des symboles colorés dans un environnement de paysage. L'influence de ses nouveaux amis le mène vers l'abstraction onirique. Les couleurs qu'il répartit sur ses toiles sont le miroir de son subconscient. En 1925 il traduit sa grande préoccupation personnelle du moment, la recherche d'une femme. 

Le public aime ces couleurs chaleureuses entrecoupées de détails biomorphiques qui ne sont pas identifiables. Il dira plus tard qu'il était plus inspiré par les poètes que par les peintres. Son abstraction échappe totalement aux géométries de Kandinsky, Malevitch et Mondrian.

Son art est de la Peinture, et il utilise souvent ce titre en français. Peinture, huile sur toile 146 x 114 cm peinte en 1925, est estimée £ 9M à vendre par Christie's à Londres le 23 mars, lot 106. L'oeuvre est parsemée de lignes abstraites ondulantes d'une extrême finesse qui préfigurent ses crypto-figurations, qui culmineront en 1927 avec la période bleue et en 1940 avec la série des Constellations.

Peinte également en 1925 avec des tonalités similaires, Le Corps de ma Brune, huile sur toile 130 x 96 cm, superpose un poème automatique sur la composition abstraite. Cette oeuvre d'inspiration érotique a été vendue pour £ 17M incluant premium par Christie's le 7 février 2012.



11 mars 2021

Un Cadeau pour l'Hôpital

Au printemps 2020, dans chaque pays, tout le monde découvre l'existence de super-héros, des gens comme vous et moi, très attachés à faire leur travail de tous les jours avec persévérance et abnégation : le personnel de santé de premier rang, qui était jusque là surtout distingué par la presse pour des revendications sociales et salariales.

Le 6 mai 2020, Banksy expose à l'hôpital universitaire de Southampton une huile sur toile 91 x 91 cm, bien visible du personnel et des malades. Cette oeuvre intègre l'humour social de l'artiste, mais sans son habituelle irrévérence. Elle est le message d'espoir dont les gens ont de plus en plus besoin, un an après l'expansion mondiale de la pandémie.

L'oeuvre est intitulée Game Changer. Ce titre est descriptif. Elle met en scène un gamin agenouillé brandissant son nouveau jouet, une infirmière masquée inspirée de Superman qui vole à notre secours. Les jouets périmés, Batman et Spiderman, sont à la poubelle. L'effet visuel n'est pas oublié. Dans cette oeuvre peinte à main levée au trait noir, la seule couleur est la Croix Rouge bien visible sur l'uniforme de l'infirmière.

Banksy avait promis que cette peinture serait vendue au bénéfice du National Health Service. Il tient parole. Game Changer est estimé £ 2,5M à vendre par Christie's à Londres le 23 mars, lot 6. A l'hôpital de Southampton, l'espoir ne sera pas perdu : une réplique a été installée à la place de l'original.

10 mars 2021

To Her Majesty par Gilbert et George

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Etudiants en sculpture, Gilbert et George observent les autres artistes, qui créent quand ils ne sont plus saouls. C'est du faux art. Pour exprimer la vraie vie, ils imaginent que la vraie oeuvre d'art, ce sera eux. En 1972 ils chantent ensemble sur scène avec un visage impassible, sans se regarder l'un l'autre, d'interminables chansons insipides avec des paroles de pochards. Ils sont les Singing Sculptures du music hall. Leur répertoire, c'est l'absurdité.

Quand ils se font filmer, ils perdent moins de temps que quand ils sont sur scène. La vidéo dans laquelle ils glorifient le gin en chantant Gordon's makes us very very drunk est un sommet de leur nouveau style de provocation.

C'est à la même époque et pour les mêmes raisons qu'ils essayent la photographie, sous forme d'une série d'installations intitulée Drinking Pieces ou Drinking sculptures. Parmi les photos floues qui évoquent leur visions d'ivrognes, apparaissent leurs portraits en costume et cravate, souvent dupliqués à plusieurs endroits de l'assemblage. 

La forme hors tout peut évoquer une silhouette mais deviendra bientôt rectangulaire. To Her Majesty, réalisé en 1973, appartient à cette période de transition. L'oeuvre est constituée de 37 photos noir et blanc dans une structure symétrique en cinq groupes, pour une dimension totale de 145 x 350 cm. Le titre est un toast, bien entendu. Les autoportraits habilement répartis sont devenus les points focaux. Pour le reste, le flou est remplacé par des détails insignifiants de leur pub préféré.

To Her Majesty a été vendu le 30 juin 2008 par Christie's pour £ 1,9M incluant premium sur une estimation basse de £ 400K, lot 27.

Gilbert et George ont trouvé avec la photo le medium idéal pour propager leur message, qui deviendra de plus en plus politique. Ils refusent l'uniformisation de la société et le socialisme. Avant Richard Prince et Barbara Kruger, ils sont les pionniers de la photographie contestataire.


Le Double Impérial d'Elisabeth Petrovna

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Elisabeth Petrovna, fille de Pierre le Grand, prend le pouvoir en Russie par un coup d'état en 1741. Son règne est un compromis entre le tempérament difficile de l'Impératrice et la volonté de la cour d'imiter le luxe français.

Une monnaie d'or devient nécessaire pour le commerce international. Les premières émissions sont faites en 1755 avec deux dénominations, 10 roubles et 5 roubles. L'obvers est le portrait déjà utilisé sur les monnaies d'argent, soigneusement calculé et judicieusement rapetissé pour que personne ne vienne commenter la forme du nez impérial. Le revers est centré de l'aigle à deux têtes entouré d'une rosace de quatre blasons couronnés symbolisant l'union de Sibérie, Moscou, Kazan et Astrakhan.

Dans cet élan mégalomaniaque, l'usine de Saint-Petersbourg prépare une dénomination de 20 roubles avec les mêmes figures. La pièce présentée au Sénat en août 1755 est sans doute le seul exemplaire frappé. Le projet de 'double imperial' ne reçoit pas l'autorisation de l'impératrice et est abandonné. Elle reste la plus haute dénomination jamais tentée par la monnaie impériale.

L'année suivante, la liste des pièces d'or est étendue à des dénominations plus faibles qui viennent concurrencer le rouble d'argent.

Le spécimen de la pièce de 20 roubles pèse 33,14 g pour un diamètre de 37 mm en or .917 standard. Il est très bien centré bien que sa découpe ne soit pas parfaite. Cette pièce gradée AU-58 par NGC a été vendue pour £ 1,8M incluant premium par St. James's le 6 novembre 2008.


9 mars 2021

Le Champion du Sixième Tour

Le draft 2000 de la NFL sélectionne 254 joueurs en 7 tours. Tom Brady est le 199ème, au 6ème tour. Dans sa carrière universitaires avec les Wolverines du Michigan, il était parvenu tant bien que mal à devenir titulaire. Sa spécialité était de marquer des points en fin de partie, mais ses qualités athlétiques n'enthousiasment décidément pas les recruteurs. Il entre aux Patriots de Nouvelle Angleterre.

Depuis 1998 la série Playoff Contenders Championship Rookie Ticket est le haut de gamme pour les cartes autographiées de football américain. Elle est éditée par Playoff Corporation qui a racheté Donruss mais n'a pas pu acquérir une franchise dans les sports plus lucratifs.

Le quarterback gagne son premier Super Bowl en 2002. Avec son septième Super Bowl gagné le 7 février 2021 pour l'année 2020 à l'âge de 43 ans, il est le joueur le plus titré de l'histoire du football américain.

Il fallait lui faire confiance en 2000. Sa carte Playoff devient en 2021 la plus recherchée du football américain avec celles de Patrick Mahomes.

Cette carte est sérialisée de 1 à 100. Le 7 décembre 2020, la carte 025/100 gradée 8.5 par BGS a été vendue pour $ 240K incluant premium par Sotheby's et Goldin. Le 6 mars 2021, une carte non sérialisée gradée 10 par PSA qui avait probablement appartenu aux archives de Donruss a été vendue pour $ 210K incluant premium par Goldin.

Lelands vend la carte 099/100 dans la vente en ligne qui se termine le 2 avril, lot 1. Elle est gradée NM-MT+ 8.5 par BGS avec un autographe gradé 9 par Beckett. 24 jours avant la clôture, l'enchère a déjà presque quadruplé les prix précédents aux enchères. Des transactions à des prix bien plus importants encore ont été annoncés en vente privée et sur eBay.

8 mars 2021

Quart de Rouble de Nicolas I

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Le quart de rouble en argent daté 1827 n'a pas d'autre intérêt historique que son extrême rareté. C'est une pièce d'essai faite à Saint-Petersbourg. Dans la dénomination russe, c'est un polupoltinnik, de même valeur que la pièce régulière de 25 kopecks. Son illustration n'est pas remarquable, d'un côté cinq lignes de texte sous la couronne, de l'autre côté l'aigle à deux têtes. Le bord est pointillé.

Un exemplaire décrit comme brillant non circulé avec une patine attrayante a été vendu par Sincona le 14 octobre 2013 pour CHF 2,05M hors frais sur une estimation de CHF 80K, lot 533.

En plus de la provenance annoncée au catalogue pour ce spécimen, j'ai trouvé deux autres ventes sur une base de données russe en anglais. L'un d'eux, apparemment invendu en 1929, est peut-être la même pièce. L'autre, en 1927, a été très déformée par clipping.

L'effigie de l'empereur Nicolas I n'apparaît pas à cette époque sur les pièces russes, conformément à la tradition établie par Paul I et Alexandre I. Les pièces russes à la date de 1827 avec ce portrait sont des novodels. Elle apparaît cependant régulièrement sur le zloty polonais et ses multiples à partir de 1826.